Nie zuvor haben mehr Filme den Markt geflutet als heute. Der Grund dafür ist nicht kreativer, sondern rein ökonomischer Natur. Eine handelsübliche Digitalkamera oder ein Smartphone reichen bereits aus, um die notwendigsten technischen Voraussetzungen zu erfüllen. Man kann das positiv sehen und eine Art Demokratisierung der Erzählform feiern. Wer jedoch genauer hinsieht, wird kaum umhin können, die Bezeichnung „Filmemacher“ verstärkt auf ihre aller engste wörtliche Bedeutung herunterbrechen zu müssen. Denn ein Großteil derer, die mittlerweile unter diesem Label firmieren, tragen weniger zur Schärfung als zur Inflationierung des Begriffs bei. Eine Kamera bedienen und Rohmaterial zusammenschneiden, das schafft heute jeder. Um aber im audiovisuellen Umfeld eine Geschichte erzählen zu können, dazu bedarf es eines nicht unerheblichen Anteils an Talent, Sorgfalt und Professionalität. „Some Guy who kills People“ kann mit allen drei Faktoren aufwarten und leistet dabei weitaus mehr als das Budget eigentlich erlaubt. Doch erst die Riesenportion Herzblut, die alle Beteiligten investiert haben, macht diesen Film zu einer echten Ausnahmeerscheinung.

Und das liegt nicht zuletzt an den verblüffend glaubwürdig gezeichneten Charakteren, die nur wenige Sekunden brauchen, um beim Zuschauer einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen – und das selbst dann schon, wenn noch gar nicht klar ist, welche Funktion sie im Rahmen der Geschichte eigentlich übernehmen. Da ist zunächst einmal Ken (Kevin Corrigan, „Fringe“), der meist in sich gekehrte Protagonist, von dem wir bereits wissen, dass er sein Leben aufgegeben hat, bevor wir überhaupt irgendetwas über ihn erfahren haben. Wie ein trauriger Clown lässt er es duldsam über sich ergehen, als Eistüte verkleidet auf Gartenpartys herumzustehen und auf der Straße Flyer zu verteilen, die ihm aus der Hand geschlagen werden. Rasch erfahren wir, dass er eine Weile in einer psychiatrischen Klinik verbracht hat und ein bemerkenswertes Talent als Zeichner besitzt.

In kurzen, alptraumhaften Rückblenden erfahren wir von einer immensen Demütigung, die ihn (so muss man vermuten) gebrochen und beinahe in den Selbstmord getrieben hat. Doch wir sehen noch eine andere Seite an Ken, dem hilf- und harmlosen Eisverkäufer, der immer noch bei seiner Mutter wohnt (zynisch und gemein: Karen Black) und alle Perspektiven auf eine bessere Zukunft begraben hat – und diese Seite ist auf eine ganz andere Weise düster. Denn als wir in die Geschichte einsteigen, findet sich die verschlafene Kleinstadt plötzlich mit den Gräueltaten eines Serienkillers konfrontiert. Doch was zunächst nur der Zuschauer weiß: Alle Opfer haben Ken zuvor gedemütigt.

So weit, so überschaubar. Doch Autor Ryan Levin, der zuvor mit seinem Kurzfilm „The Fifth“ eine Reihe von Festivalpreisen abräumte und hier sein Spielfilmdebüt vorlegt, begnügt sich nicht mit einem mehr oder weniger vorhersehbaren Serienkillerplot, und je nachdem, von welcher Seite man den Film betrachtet, kann man seine Geschichte auch mit einem ganz anderen Schwerpunkt nacherzählen. Etwa so: Ken, der traurige Protagonist, begegnet erstmals seiner elfjährigen Tochter (unwiderstehlich: Ariel Gade), die ihre Mutter dazu drängt, für eine Woche bei ihrem bis dato verleugneten Vater wohnen zu dürfen. Amy, so heißt die Kleine, holt den unbeholfenen Ken aus seiner Lethargie und schafft es sogar, ihn mit der etwas seltsamen, aber liebenswerten Engländerin Stephanie (voller herrlicher Ticks: Lucy Davis, „The Office“) zu verkuppeln.

Die Geschichte mag auf dem Papier bemerkenswert disparat erscheinen, doch der Eindruck täuscht. Die Zusammenführung diametral entgegengesetzter Genres, die bei den einschlägigen Tarantino-Epigonen in aller Regel eher dazu führt, dass der Film in sich zusammenfällt, ist hier keine postmoderne Spielerei, sondern das Resultat einer schlüssigen Entwicklung. Das Bindeglied liefert die Figur des Sheriffs (Barry Bostwick, „Cougar Town“), der zwar das Gegenteil eines Experten auf dem Gebiet der Serienkillerjagd ist, aber genügend Bauernschläue und Ehrgeiz mitbringt, um bald schon Witterung aufzunehmen. Zugleich ist er als Liebhaber von Kens Mutter der letzte, der mittags mit am Tisch sitzen sollte, um vom Stand der Ermittlungen zu berichten.

Die Schlinge um Kens Hals zieht sich also unaufhaltsam zu, und das ist für den Zuschauer vermutlich noch unangenehmer als für den Protagonisten selber. Denn auf der einen Seite werden wir Zeuge, wie sein aus den Fugen geratenes Leben durch Amys Einfluss unerwartet schnell in die richtigen Bahnen gelenkt wird, und auf der anderen müssen wir dabei zusehen, wie der Sheriff in seinen Ermittlungen unaufhaltsam vorankommt. Dass Ken überführt wird, Amy verliert und vielleicht sogar auf dem elektrischen Stuhl landet, das will niemand sehen – zumal wir für keines der Opfer auch nur die geringsten Sympathien hegen.

Ein raffiniertes Dilemma also, in das Levin den Zuschauer da manövriert, doch auch das alleine würde den Film selber noch nicht zu dem machen, was er ist. Jede Sequenz, jede Dialogfolge, jede Einstellung ist so präzise durchdacht und komponiert, dass sich selbst nach wiederholtem Anschauen noch keine Routine einstellt. Im Gegenteil. Erst die rückblickende Perspektive, in deren Zentrum nicht mehr die Frage nach der Auflösung steht, lenkt den Fokus auf ganz andere Elemente und lässt so manchen Schlagabtausch zwischen Sheriff und Deputy (sensationell etwa: ein Monolog über Dada und abstrakten Expressionismus angesichts einer Leiche in einer Badewanne) viel deutlicher zu seinem Recht kommen.

Die Figuren sind echte Menschen und keine Abziehbilder. Der Film nimmt sie ernst, auch wenn sie nicht selten Skurriles tun und sagen. Das ist vor allem das Verdienst des Autors und der fantastischen Schauspieler, die angesichts des geringen Budgets quasi für eine Tüte Eis gearbeitet haben. Weniger sichtbar, in seiner bewussten Unsichtbarkeit aber umso effektiver wirkt sich die Regie aus. Jack Perez ist bislang vor allem durch Auftragsarbeiten wie „Wild Things 2“ oder „Mega Shark vs. Giant Octopus“ in Erscheinung getreten, was in so manchem Vorabbericht zum Film für (gänzlich unbegründete) Skepsis sorgte. Perez, dessen sehenswerte Indie-Produktionen „The Big Empty“ und „La Cucaracha“ weitestgehend unbekannt sind, erweist sich im Fall von „Some Guy who kills People“ als exzellenter Erzähler, der sich kompromisslos der Geschichte unterordnet und stets den optimalen Frame findet. Dass er zudem das Talent besitzt, Dinge teurer aussehen zu lassen als sie tatsächlich sind, ist für eine derartige Produktion schlichtweg unbezahlbar.

Ursprünglich hatte kein Geringerer als John Landis zugesagt, den Regiestuhl zu besetzen, müsste jedoch aufgrund der überraschend zustande gekommenen Finanzierung von „Burke & Hare“ absagen. Landis hatte zum damaligen Zeitpunkt jedoch bereits eine Menge Input gegeben und zusammen mit Levin zur Optimierung des Drehbuchs beigetragen, so dass er schließlich zusagte, zumindest als Executive Producer dabei zu bleiben. Für das Projekt ein Glücksfall, denn der prominente Name half bei der mühevollen Finanzierung ein Stück weiter und sorgte nach Fertigstellung für gesteigerte Aufmerksamkeit.

„Some Guy who kills People“ zählt zu den seltenen Glücksfällen, wo ein gänzlich ohne jegliche Unterstützung von Studios oder etablierten Produktionsfirmen in Gang gesetztes Independent-Projekt den Weg auf die Leinwand geschafft hat und sich trotz (äußerst) geringen Budgets einen hohen Qualitätsstandard sichern konnte. Für den Zuschauer und die Erzählform selber ist das nichts weniger als der größtmögliche Gewinn. Es sind Filme wie dieser, die das Kino am Leben erhalten, und zwar auch dann, wenn sie nur einem Festivalpublikum vorbehalten bleiben und danach direkt auf DVD landen. Was zählt, ist die Bereicherung für das Medium selber. Ganz einfach. [LZ]

[Seine Deutschlandpremiere erlebt „Some Guy who kills People“ am 19. Mai im Rahmen der 16. Ausgabe des Genre-Festivals Weekend of Fear]

OT: Some Guy who kills People (USA 2011). REGIE: Jack Perez. BUCH: Ryan Levin. KAMERA: Shawn Maurer. MUSIK: David Kitchens, Ben Zarai. DARSTELLER: Kevin Corrigan, Barry Bostwick, Ariel Gade, Lucy Davis, Karen Black, Leo Fitzpatrick, Eric Price, Janie Haddad Tompkins, Lindsay Hollister. LAUFZEIT: 97 Minuten.

[Abbildungen: Battle of Ireland Films, Level 10 Films]

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• Some guy who kills people: Interview mit Ryan Levin
• Some guy who kills people: Interview mit Jack Perez
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Kaum eine Woche ohne Neuigkeiten von Guillermo del Toro. Am 30. April erst hatte der mexikanische Filmemacher selbst das Wort ergriffen und die Hoffnung auf eine Rückkehr zu einem seiner langjährigen Lieblingsprojekte, der Lovecraft-Adaption „Berge des Wahnsinns (At the Mountains of Madness)“, erheblich gedämpft. Zu ähnlich sei der Ansatz zu Ridley Scotts „Prometheus“. Ganze Sequenzen und Teile der Ausstattung seien identisch, und sogar eine entscheidende Schlusswende bestimme beide Filme. Wundern müsse das niemanden, denn schließlich sei bereits „Alien“ (wie so manch anderer Genre-Film davor und danach) massiv von Lovecraft beeinflusst gewesen. Für den Filmemacher Grund genug, das Projekt auf die ganz lange Bank zu schieben (nachzulesen auf seiner offiziellen Homepage).

Doch del Toro, der momentan noch an der Postproduktion seines aktuellen Films „Pacific Rim“ arbeitet, schaut nicht zurück, sondern fügt seinem ohnehin arg eng gestrickten Terminkalender stattdessen lieber gleich ein neues Projekt hinzu. Zwar hatte er „Pinocchio“, eine modernisierte Variante des Klassikers von Carlo Collodi, schon länger auf dem Schirm, doch nachdem er ursprünglich selber für den Regiestuhl vorgesehen war, übernahm diesen Posten zunächst Comicautor Gris Grimly, dessen 2002 erschienene Graphic Novel des Stoffs mit als Vorlage für den Film dienen sollte.

Als Co-Regisseur war Sound-Designer Adam Parrish King („Popatopolis“) vorgesehen, bis dieser Anfang 2011 durch Mark Gustafson (Animation Director von Wes Andersons „Fantastic Mr. Fox“) ersetzt wurde. Jetzt hat sich das Blatt erneut gewendet und del Toro, so berichtet Variety, übernimmt die Rolle von Grimly an Gustafsons Seite wieder selber.

Die Dreharbeiten des im Stop-Motion-Verfahren angelegten 3D-Films sind für 2013 angesetzt. Die Story stammt von del Toro, das Drehbuch hat sein Partner Matthew Robbins verfasst („Mimic“, „Don’t be aftraid of the Dark“, „At the Mountains of Madness“). Die Produktion liegt in den Händen der Jim Henson Company.

Die Ankündigung kommt nicht von ungefähr ausgerechnet jetzt, denn auf dem am 16. Mai beginnenden Filmfestival in Cannes geht „Pinocchio“ bereits in den Verkauf. Repräsentant für internationale Einkäufer ist Inferno Entertainment („The Grey“).

[Abbildung: Concept Art „Pinocchio“ | Quelle: deadline.com]

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Anfang 2010 hatte Morgan Creek ein Einsehen und erteilte die Erlaubnis zu einer einmaligen Aufführung eines auf VHS erhaltenen Workprints von Clive Barkers zweitem Spielfilm „Nightbreed“. Die Vorgeschichte ist ungefähr so alptraumhaft wie die meisten Kopfgeburten des Autors selber. 1990 war Barker so etwas wie der Orson Welles des Horrorfilms und hatte mit „Hellraiser“ Fans wie Kritiker gleichermaßen aufmerken lassen. Doch die Carte Blanche für sein nächstes Projekt erwies sich rasch als Freifahrtschein ins künstlerische Desaster. Die Studioverantwortlichen nahmen ihm die (mit David Cronenberg in einer Nebenrolle besetzte) Verfilmung seiner eigenen Vorlage „Cabal“ gänzlich aus der Hand und schickten eine Fassung in den Verleih, die mit Barkers eigentlicher Arbeit nicht mehr sonderlich viel zu tun hatte.

Erst die 2010 auf dem HorrorHound Weekend in Indianapolis gezeigte 159-minütige Arbeitsversion vermittelte einen legitimen Eindruck von dem Film, den der Autor eigentlich im Kopf gehabt hatte. Für Rechteinhaber Morgan Creek, der bis dato selbst ein reguläres Re-Release auf Blu-ray aus Kostengründen abgelehnt hatte, waren die Fanreaktionen, die folgten, möglicherweise ein Auslöser, doch noch einmal die eigenen Archive nach verloren geglaubtem Material zu durchstöbern – wenn auch bislang ohne offizielles Ergebnis.

[Craig Sheffer, David Cronenberg und Clive Barker am Set von „Nightbreed“]

Barkers Produktionsfirma Seraphim Films hat unterdessen auf Grundlage der Kinofassung und der VHS-Kopien eine eigene restaurierte Fassung erstellt. Die in diesem Jahr auf der Mad Monster Party in Charlotte gezeigte Version ist mittlerweile als „Cabal Cut“ bekannt und ließe sich mit Zustimmung des Studios kommerziell vermarkten. Dort jedoch schweigt man sich derzeit noch aus.

Unter dem Titel „Occupy Midian“ hat sich jetzt eine Initiative gebildet, die den Verantwortlichen bei Morgan Creek nachdrücklich klarmachen will, dass ein ausreichender Markt für ein Release existiert. Im Rahmen einer Online-Petition haben binnen kurzer Zeit bereits über 3000 Fans ihr Interesse bekundet. Für eine eigenfinanzierte, möglicherweise via Crowdfunding gestützte Veröffentlichung würde das vermutlich schon ausreichen. Doch dazu gibt es bislang noch keine offizielle Erlaubnis.

[Abbildungen: Occupy Midian]

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Aus heutiger Perspektive wirkt Paul Verhoevens Marsreise von 1990 wie eine Comic-Verfilmung, die sich selber nicht allzu ernst nimmt. Einige der damals bahnbrechenden CGI-Effekte haben längst ihre Überzeugungskraft verloren und offenbaren so deutlicher ihr durchaus (und keineswegs unfreiwillig) komisches Potential. Ob Len Wisemans ernsthafter angelegtes Remake hält, was die ersten Teaser versprechen, wird sich im August zeigen. Eine überraschende Veröffentlichung von io9 ermöglicht jetzt erstmals einen visuellen Eindruck von jener Fassung, die David Cronenberg einst beinahe realisiert hätte.

Wie so oft waren es kreative Differenzen, die den kanadischen Filmemacher und Produzent Dino De Laurentiis derart weit auseinander driften ließen, dass die geplante Adaption der Kurzgeschichte „I can remember it for you wholesale“ von Philip K. Dick in dieser Konstellation nie zustande kam. Cronenbergs nächstes Projekt wurde stattdessen „Die Fliege“, während „Total Recall“ in die Hände von Carolco fiel und schließlich an die Paarung Verhoeven/Schwarzenegger ging.

Illustrator Ron Miller, der zum damaligen Zeitpunkt für Laurentiis arbeitete und unter anderem den Look von David Lynchs „Dune“ mitentworfen hatte, scheint vor Kurzem in alten Unterlagen gestöbert zu haben, wo er auf eine Handvoll Concept Art zu Cronenbergs Version gestoßen ist.

Neben Marslandschaften, Höhlen und Bauten gibt es auch einige Skizzen des Mutanten Kuato zu sehen (bei Verhoeven dargestellt von Marshall Bell, bei Wiseman von Bill Nighy), dem im fertigen Film laut Miller wohl eine wesentlich größere Rolle zugedacht war – „einschließlich einer komplexen Traumsequenz, in der er sich zunächst in eine Sphynx und dann in eine phosphoreszierende Vagina verwandelt.“

Cronenberg hat gerade seine Verfilmung von „Cosmopolis“ nach Don DeLillo fertig gestellt. Zudem übernimmt er eine Gastrolle im Pilotfilm zu „Rewind“, einer neuen Zeitreiseserie von SyFy unter der Regie von „Lost“-Macher Jack Bender. Die gesamte Bilderserie von Ron Miller inklusive Modellbauten seiner Frau Judith gibt es auf io9.com zu sehen.

[Abbildungen: Ron Miller / io9]

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Man mag die Marketingstrategie, die Fox mit Ridley Scotts Rückkehr ins „Alien“-Universum fährt, durchaus seltsam finden. Denn während bislang vor allem darauf gesetzt wurde, möglichst ausgiebig mit Informationen zu geizen, gibt ein neuer, fast 3-minütige Trailer jetzt eine Menge preis. Für manchen vielleicht zuviel. Wer bis zum Starttermin lieber weiterhin im Unklaren bleiben und vor allem nichts Weiteres über die Verbindung zum Franchise wissen will, hält sich vom aktuellen Clip besser fern.

[Abbildungen: Screencaptures | 20th Century Fox]

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• Prometheus: Viraler Clip mit Michael Fassbender
• Prometheus: Trailer und Chat mit Ridley Scott
• Prometheus: Viraler Clip mit Guy Pearce
• Prometheus: Damon Lindelof im Alien-Universum
• Prometheus: Ridley Scott ändert seine Pläne

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Wer bei „Nightmare before Christmas“ immer noch in erster Linie an Tim Burton denkt, hat vermutlich Henry Selicks fantastische Neil-Gaiman-Verfilmung „Coraline“ nicht wirklich wahrgenommen. Hierzulande kein Wunder, denn der für ein junges Publikum ungewöhnlich düstere Animationsfilm ist in Deutschland praktisch untergegangen. Zeit, ihn dringend (wieder) zu entdecken, denn laut eines aktuellen Reports von Deadline bereitet Selick mit „The Graveyard Book“ gerade die nächste Gaiman-Adaption vor.

Das von Disney initiierte Projekt ist derzeit allerdings noch nicht einmal wirklich in der Vorproduktionsphase, und so tut man gut daran, die eigene Vorfreude zu zügeln. Noch vor zwei Jahren war der irische Filmemacher Neil Jordan in das Projekt involviert, konnte seine Pläne jedoch nicht längerfristig aufrecht erhalten. Für Gaiman-Fans keine ungewohnte Konstellation. Seit Jahren schlummern die Rechte für ein Remake der britischen TV-Miniserie „Neverwhere“ bei den Weinsteins in der Schublade (wie so manches andere auch), und bevor die Verfilmung von „American Gods“ mit Tom Hanks als Produzent endlich bei HBO landen konnte, lag sie eine halbe Ewigkeit auf Eis.

Dass „The Graveyard Book“ mit der Paarung Selick/Disney jetzt tatsächlich Fahrt aufnimmt, kann man nur hoffen. Die bewusst an Kiplings „Dschungelbuch“ erinnernde Geschichte um einen kleinen Jungen, der nach der Ermordung seiner Familie auf einem Friedhof aufwächst und von den dort lebenden Geistern adoptiert wird, fügt sich nahtlos in Selicks Filmografie ein. Zuvor allerdings muss er ein bislang nicht näher beschriebenes Projekt für seinen aktuellen Arbeitgeber Pixar fertig stellen.

Ein andere Gaiman-Adaption wird es wohl schon vorher zu sehen geben. Ende 2010 hatte der Filmemacher Christopher Salmon mit Unterstützung des Autors via Crowdfunding über 160.000 Dollar für die Verfilmung der Kurzgeschichte „The Price“ zusammentragen können. Seitdem arbeitet Salmon mit seinem Team an einer vollständig animierten Version.

[Abbildungen: Dave McKean (Artwork „The Graveyard Book“)]

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Gerade weil John Carpenter neben Wes Craven zu den Großmeistern des modernen Horrorkinos gehört, die ihre Hochphase schon lange hinter sich haben, halten Genre-Fans mit Nachdruck an seinen Klassikern fest. Wie stilbildend, aber zugleich auch zeitgebunden seine einschlägigen Beiträge waren, belegen neben seinen eigenen Versuchen, weiterhin relevantes Kino abzuliefern, vor allem unerträgliche Remakes wie „The Fog“ oder zuletzt das gähnend langweilige Prequel zu „The Thing“. Ein Grund mehr, in Erinnerungen an bessere Zeiten zu schwelgen.

Doch zu Carpenters Großleistungen gehört nicht nur die Erneuerung des Horrorgenres in den späten 70ern, sondern auch die Popularisierung elektronischer Soundtracks. Pulsierende Rhythmen und wabernde Flächen im unteren Hertz-Bereich bestimmten seine kompositorisch zwar recht simplen, filmisch aber umso wirkungsvolleren Scores. Dass er damit zugleich nicht nur die Blaupause für synthetische Filmmusik in den 80ern lieferte, sondern auch heute immer noch nachwirkt, spricht für sich.

Das Netlabel Pterodactyl Squad beglückt Carpenterianer jetzt mit einem Gimmick, das fast zu schön und retro ist, um wahr zu sein. Unter dem Titel „It’s all in the Reflexes“ (ein Zitat aus „Big Trouble in Little China“) veröffentlicht das Künstlerkollektiv hinter dem Projekt jetzt ein Tribute-Album mit Cover-Versionen von 11 Kompositionen des Meisters und einer von Ennio Morricone („The Thing“). Der Witz dabei: Pterodactyl zogen eine Parallele zwischen Carpenters von Budget-Restriktionen bestimmtem Ansatz und den Herausforderungen, denen sich die Pioniere der Videogame-Musik gegenübersahen. Das Ergebnis ist ein 8Bit-Remix, der sich auch auf dem Atari ST oder dem C64 gut gemacht hätte.

Das gesamte Album lässt sich inklusive Artwork von Illustrator Simon Turner kostenlos downloaden. Wir spiegeln die MP3s hier und verweisen zugleich auf die Homepage des Labels unter ptesquad.com, wo sich noch eine ganze Reihe anderer interessanter Projekte finden lassen.

01. Dark Star (R-Sunset)
02. Assault on Precinct 13 (Comptroller)
03. Halloween (seal of quality)
04. The Fog (Videogame Orchestra)
05. Escape from New York (EvilWezil)
06. The Thing (Videovalvontaa)
07. Starman (Lorenzo Music)
08. Big Trouble in Little China (OxygenStar)
09. Prince of Darkness (Videogame Orchestra)
10. They Live (SLAW)
11. In the Mouth of Madness (arcadecoma)
12. Escape from L.A. (Shrimps)

Gesamtes Album als ZIP-File
Front Cover | Back Cover | Sleeve

[Abbildungen © Pterodactyl Squad]

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James Cameron und Peter Jackson gehören nicht nur zu den Verfechtern einer erhöhten Framerate, sie sind auch davon überzeugt, dass hier die Zukunft des Kinos liegt. Filmkritiker Roger Ebert hatte diese Entwicklung schon lange prophezeit. Jetzt wird er sich bald zu den ersten Resultaten äußern können, und man kann damit rechnen, dass der erklärte 3D-Gegner keine große Freude an 48 fps haben wird. Den Pressevertretern, die jetzt im Rahmen der in San Francisco jährlich stattfindenden CinemaCon die Gelegenheit hatten, einen ersten Blick auf insgesamt zehn Minuten von „The Hobbit“ zu werfen, bereitete das optimierte Format jedenfalls wenig Vergnügen.

Bei einer Aufnahme- und Projektionsgeschwindigkeit von 48 Bildern pro Sekunde sollte man genau das erwarten, was die wenigen ersten Eindrücke von Jacksons Rückkehr nach Mittelerde wohl auch bieten konnten: höhere Bildschärfe, flüssigere Bewegungen und insgesamt mehr Realismus. Doch genau das könnte sich zunächst auch als Problem erweisen. Viele der Anwesenden zeigten sich bestenfalls kritisch und schlimmstenfalls entsetzt, denn der Effekt der erhöhten Bildrate erinnert zwangsweise an HD-TV.

Doch derartige Abwehrreaktionen müssen niemanden wundern. Seit Mitte der 1920er Jahre ist der Kinogänger an eine Geschwindigkeit von 24 fps gewöhnt, und so erweist sich die neue Optik erstmal schlicht als zuviel des Guten. James Cameron hatte schon vor einer Weile angekündigt, noch einen Schritt weiter zu gehen, und seine beiden „Avatar“-Sequels gar mit einer Framerate von 60 aufzunehmen. Douglas Trumbull war mit „ShowScan“ bereits in den 80ern die Entwicklung eines Vefahrens gelungen, das eine derartige Bildgeschwindigkeit ermöglichte, doch zum Einsatz im Kino kam es nie.

Als Peter Jackson vor fast genau einem Jahr erstmals zu seiner Entscheidung Stellung bezog, „The Hobbit“ in 48 fps zu drehen, nahm er die jetzigen Einwände schon im Ansatz vorweg („Filmpuristen werden das Ausbleiben von Unschärfe und stroboskopischen Bildfehlern kritisieren“) und verglich den Geschwindigkeitswechsel gleich mal mit dem Umstieg von Vinyl auf CD – für Analogverfechter allerdings eher ein unglücklich gewähltes Beispiel.

Jackson zeigt sich trotz Wissens um die zu erwartende, vorübergehende Abwehrhaltung zuversichtlich: „Man gewöhnt sich sehr schnell an die neue Optik, und dann wird die Erfahrung eine wesentlich realistischere und angenehmere sein.“ Denn immerhin ließen sich 3D-Aufnahmen bei 48 fps zeitlich unbegrenzt konsumieren, ohne dass sich für das Auge Ermüdungserscheinungen einstellen würden.

Jacksons vollständiges Statement lässt sich in der englischen Originalfassung auf seiner offiziellen Facebook-Seite nachlesen.

[Abbildung: New Line Cinema]

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Die virale Kampagne für Ridley Scotts „Prometheus“ gibt sich alle Mühe, mit hochwertigem und teuer produzierten Filmmaterial für Aufmerksamkeit zu sorgen. Hatte bereits Ende Februar ein TED-Auftritt von Guy Pearce als Inhaber von Weyland Industries die Erwartungen vorangetrieben, so bietet jetzt ein fiktiver Industrieclip einen detaillierten Einblick in die Funktionsweisen des Androiden David 8. Dargestellt wird er wie im Film selber von einem blondierten Michael Fassbender mit HJ-Frisur.

Eine wesentlich kürzere Version des Clips war schon vor einer Weile aufgetaucht. In der jetzigen zweieinhalb minütigen Fassung stellt David 8 sich selber vor und erklärt seine Funktionsweisen. Dass er neben jeder Menge unbedenklicher Einsatzmöglichkeiten auch solche aufzählt, vor denen seine menschlichen User aus ethischen Gründen eher zurückschrecken würden, ist vermutlich ein Vorzeichen für seine Rolle im Film.

Regie führte der Brite Johnny Hardstaff. In Erscheinung getreten ist er bislang vor allem mit Werbefilmen für Auftraggeber wie Fox, Sony, Philips und die BBC. Für Radiohead drehte er das Musikvideo „Like Spinning Plates“. Seine experimentellen Kurzfilme „History of Gaming“ und „Future of Gaming“ zeigen eindrucksvoll seine Wurzeln als Designer.

[Abbildungen: Screencaptures | 20th Century Fox]

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• Prometheus: 3-minütiger Trailer
• Prometheus: Trailer und Chat mit Ridley Scott
• Prometheus: Viraler Clip mit Guy Pearce
• Prometheus: Damon Lindelof im Alien-Universum
• Prometheus: Ridley Scott ändert seine Pläne

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In Edgar Wrights sehr lustiger Zombie-Komödie „Shaun of the Dead“ gibt es eine Sequenz, in der Simon Peggs Hauptfigur früh morgens wie gewohnt im Halbschlaf zum benachbarten Supermarkt schlurft und dabei eine Straße voller Untoten überquert, ohne einen Unterschied zum sonstigen Dämmerzustand seiner britischen Landsleute zu bemerken. Alejandro Brugués hat diese Idee vermutlich so gut gefallen, dass er sie direkt mal zu einem ganzen Erzählstrang verarbeitet hat. Sein Shaun heißt Juan, doch der arbeitsscheue Lebenskünstler ist keineswegs der einzige, der einer allgemeinen Zombiefizierung Havannas lange Zeit völlig ahnungslos gegenübersteht. Allem Anschein nach hat ganz Kuba nach 50 Jahren ideologischer Kopfwäsche für das völlig offensichtliche Geschehen nur eine einzige Erklärung: Die Untoten, das müssen Dissidenten sein.

Daran ändert sich auch eine ganze Weile lang nichts. Selbst als die gesamte Hauptstadt bereits überrannt ist, soll noch eine amerikanische Flagge herhalten, um den imperialistischen Klassenfeind milde zu stimmen. Aber wie könnten sie es auch besser wissen, die Kubaner? Von Zombies haben sie nie etwas gehört, und so gehen Juan und seine Freunde, als sie der Verwandlung eines Lebenden in einen Untoten erstmals live beiwohnen, zwar systematisch alle Horrorkreaturen durch, die sie kennen, doch die notorischen Wiederkehrer fallen ihnen dabei nicht ein. Natürlich nicht, denn einen Zombiefilm aus Kuba gab es bislang nicht. Viel später erst bekommen sie erklärt, womit sie es zu tun haben, und das übernimmt, na klar, ein Amerikaner.

Doch wozu im Detail wissen, womit man es zu tun hat, wenn man bereits genug begriffen hat, um aus der ungemütlichen Lage Kapital zu schlagen? Die Dissidenten greifen offenbar alles, jeden und selbst ihre nächsten Verwandten und Freunde an, um ihnen das Fleisch von den Knochen zu reißen, und sind sonst zu nichts Sinnvollem mehr zu gebrauchen. Also setzt Juan flugs den passenden Service in Gang und eröffnet eine Art Kammerjägerei für Untote. „Wir töten ihre Liebsten“ lautet der unmissverständliche Slogan, und schon bald kann sich der bunte Trupp Zombiejäger vor gut bezahlten Aufträgen kaum mehr retten. Who you gonna call? Genau.

Der Witz hinter dieser immer wieder überraschend einfallsreichen Komödie wurzelt, auch wenn man das kaum glauben würde, im kubanischen Naturell. Aus der Sicht von Filmemacher Brugués jedenfalls gibt es genau drei Strategien, mit denen Kubaner an ein Problem herantreten: Sie schlagen Profit daraus, lassen alles laufen wie bisher oder ergreifen die Flucht. In „Juan of the Dead“ kommen alle drei Optionen zum Einsatz – wenn auch nicht unbedingt in dieser Reihenfolge.

Wer bislang geglaubt hat, niemand brauche beim anhaltenden Overkill der Untoten-Welle noch eine weitere Zombie-Komödie, wird mit „Juan of the Dead“ dankenswerter Weise eines Besseren belehrt. Brugués kehrt im Grunde zu den Wurzeln des Subgenres zurück und nutzt das Sujet für eine politische Parabel, wenn auch hier mit augenzwinkerndem, stets liebenswertem Fokus auf die Mentalität seiner Landsleute. Und nach rund 90 nie so ganz vorhersehbaren Minuten findet der Film auch endlich zu seinem eigentlichen Format (als Motion Comic) und Juan zu seiner wahren Bestimmung. Viva la Revolución! [LZ]

OT: Juan de los Muertos (ES/CU 2011). REGIE: Alejandro Brugués. BUCH: Alejandro Brugués. KAMERA: Carles Gusi. DARSTELLER: Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, Blanca Rosa Blanco, Jazz Vilá, Eliecer Ramírez. LAUFZEIT: 92 Minuten.

[Abbildungen inkl. deutsches Filmposter © 2012 Pandastorm Pictures]

[US-Poster: Outsider Pictures]

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Ob es die Gerüchte um die Bemühungen des deutschen Papstes waren, der – wie es heißt – die Schulung der Teufelsaustreibung in Rom verstärkt in Gang gesetzt hat, oder ob die Erfindung einer Achse des Bösen verantwortlich dafür ist, dass der Exorzismus seit einigen Jahren wieder eine Rolle im Horrorkino spielt, darüber lässt sich nur spekulieren. Lange Zeit jedenfalls hatte sich auf diesem Feld recht wenig getan, doch mittlerweile taucht der Budenzauber um dämonische Besessenheit vs. kirchliche Zaubermittel (Gebetsformeln, Kruzifixe, Weihwasser) wieder öfter auf – auch wenn Vielfalt und Originalität in dem eng bemessenen Rahmen dieses Subgenres deutlich eingeschränkt sind.

2010 hatte der Deutsche Daniel Stamm unter der Ägide von Eli Roth mit „The Last Exorcism“ nicht unerheblich am Revival mitgearbeitet, auch und gerade weil sein Beitrag eigentlich eher unspektakulär daherkam. Der Film im Found-Footage-Stil bot eine originelle Grundidee, konnte aber weitestgehend nur sehr bedingt Schrecken verbreiten. Zudem blieb auch er nicht von dem Hauptproblem eines jeden Exorzismus-Films verschont, lediglich eine weitere mehr oder weniger originelle Variante von William Friedkins Klassiker zu sein. Stamm und Roth (bzw. die Autoren Botko und Gurland) suchten den Ausweg aus dem Dilemma in der Überschneidung mit einem anderen einschlägigen Meilenstein des Teufelskinos und bekamen so einigermaßen die Kurve.

Manuel Carballo und David Muñoz (immerhin einer der Autoren von Guillermo del Toros „El espinazo del diablo / Das Rückgrat des Teufels“) haben für ihren Film klugerweise gleich auf ein ganz anderes Genre zurückgegriffen und lassen die dämonische Besessenheit eines 15-jährigen Mädchens zum Auslöser einer handfesten Familientragödie werden. Der Vorteil dieses Ansatzes liegt auf der Hand, denn anstelle des Exorzismus selber mit seinen x-fach gesehenen Standards rückt – ideal zur emotionalen Einbindung des Zuschauers – das Schicksal der Beteiligten in den Vordergrund, die mit den Dingen fertig werden müssen, von denen sie heimgesucht werden. Im Grunde eine Stephen-King-Technik.

Es dauert nicht lange, bis der Alltag der eher durchschnittlichen englischen Mittelstandsfamilie aus dem Gleichgewicht gerät. Im einen Moment ist Emma noch ein kerngesunder Teenager, da wird sie im nächsten bereits von einem epileptischer Anfall zu Boden gerissen. Ein CT ergibt nichts, und alles scheint halb so wild. Doch weitere Krankheitssymptome lassen keinen Zweifel daran, dass mit dem Mädchen etwas nicht stimmt. Wahrnehmungsstörungen und plötzliches Übergeben sind nur der Anfang. Als Emma beginnt, minutenlange Aussetzer zu entwickeln, bei denen sie völlig abwesend Dinge auf den Badezimmerspiegel schreibt, kann aus Sicht der allzu rational kalkulierenden Mutter (überzeugend: Jo-Anne Stockham) nur noch ein Psychiater helfen. Lediglich der Zuschauer weiß, dass auch das nichts nützen wird – und Emma offenbar auch.

Ganz so geradlinig wird die Geschichte allerdings nicht erzählt. Recht geschickt bewegt sich der Film immer wieder bruchstückhaft auf unterschiedlichen Zeitebenen, ohne dass zunächst wirklich klar wird, wie genau einzelne Elemente chronologisch zu verorten sind. In der Hauptsache dient das der Verunsicherung des Zuschauers, der meistens ziemlich nah an der 15-jährigen Emma bleibt und das eine oder andere Mal kurz auch ganz ihre Perspektive einnimmt. In entscheidenden Momenten allerdings bleibt er gänzlich außen vor und muss die Lücken selber füllen, was die Identifikation mit dem Mädchen, das zunehmend eben genau seine Identität verliert, umso mehr verstärkt.

Und weil Dämonen, die einen menschlichen Wirt nutzen, sich vom Leid ihres Opfers ernähren (wie wir im Verlauf des Films lernen), muss bald schon Furchtbares und immer Furchtbareres passieren – und jedesmal ist Emma der Auslöser. Vor allem eine Sequenz, in der sich das Entsetzen sichtbar und ohne jede Chance auf Hilfe ankündigt, gelingt besonders eindringlich. Doch Carballo und Muñoz vermeiden tunlichst den Fehler, ihren Film zur Nummernrevue im Stil von (schlimmstenfalls) „Final Destination“ oder (wirkungsvoller) „The Omen“ verkommen zu lassen.

Immer wieder rücken stattdessen die Figuren in den Mittelpunkt, und ihr Verhalten lässt keinen Zweifel daran, dass der subtilste Schrecken ohnehin in den zwischenmenschlichen Beziehungen liegt. Die Tatsache etwa, dass sich Emmas Eltern zu einem Zeitpunkt, als sie bereits verlässlich wissen, dass ihre Tochter nicht mehr Herr ihres eigenen Körpers und Verstandes ist, innerlich von ihr abwenden und ihr die Schuld für Geschehenes zuweisen, gräbt sich beim Zuschauen tiefer ein als aller oberflächlicher Horror.

Trotz sichtbar geringen Budgets ist der mit englischen und irischen Darstellern in Spanien gedrehten Produktion über weite Strecken Beachtliches gelungen. Ein umfangreiches, sehr vorbildliches Making-of, das sich auf der deutschen DVD und Blu-ray findet, ermöglicht einen detaillierten Einblick in die Entstehung der meisten Sequenzen, und man kann sich zurecht wundern, dass digitale Effekte zum Einsatz gekommen sind, wo man sie auf den ersten Blick nicht unbedingt vermutet hätte. Anderes hingegen ist mit mechanischen Tricks entstanden, und auch die machen einiges her.

Einzig im Finale stößt auch das einfallsreichste Team sichtbar an seine Grenzen. Doch selbst wenn Buch und Budget hier nicht wirklich zusammentreffen, haben die Macher immer noch das Bestmögliche aus dem herausgeholt, was ihnen zur Verfügung stand, und da kann man ein paar Kompromisse (und manch arges Grimassieren von Hauptdarstellerin Sophie Vavasseur) gerne verzeihen.

Sehenswert, durchaus nicht unoriginell und mit einer kompromisslosen Schlusseinstellung versehen, die es in sich hat. [LZ]

OT: La posesión de Emma Evans (ES 2010). REGIE: Manuel Carballo. BUCH: David Muñoz. KAMERA: Javier Salmones. MUSIK: Zacarías M. de la Riva. DARSTELLER: Sophie Vavasseur, Stephen Billington, Jo-Anne Stockham, Richard Felix, Isamaya French, Doug Bradley. LAUFZEIT: 97 Minuten. VÖ 30.03.2012

[Deutsches DVD-Cover, Abbildung © Universum Film]

[US-Poster, Abbildung: IFC Midnight]

[Spanisches Poster und Stills © 2010 Filmax Entertainment]

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Kate Upton erweist sich in diesem kurzen Clip von Emily Weiss für The Love Magazine als echtes Easter Bunny. Dass sie das stilgemäß nur mit Prada, Louis Vuitton und Kiki de Montparnasse hinbekommt, sollte niemanden ernsthaft stören. Wir jedenfalls wünschen allen unseren Lesern ein frohes Osterfest.

[Abbildungen: Screencaptures | Video: thelovemagazine.co.uk]

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Eigentlich ist Timo Vuorensola ein wirklich netter Kerl. Apple-Rechner nerven ihn, David Bowie hält er für den größten Musiker aller Zeiten, und in Interviews erzählt er erstaunlich wenig Unsinn. Also gönnt man ihm den jetzigen Verkaufserfolg von „Iron Sky“ an Verleiher in rund 70 Ländern gern. Als er allerdings während der Vorproduktionsphase einige Tage zusammen mit Uwe Boll umherreiste und sich von dem deutschen Allesfilmer stark begeistert zeigte, hätte man stutzig werden können. Sollte sich die finnische SciFi-Komödie, die im Netz so lange so viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen hatte, am Ende in die Riege unansehnlicher Fondsgurken Wermelskirchener Machart einreihen? Die erleichternde Antwort ist zum Glück: Nein. Oder vielleicht genauer: Nicht ganz.

Die Grundidee – eine kurz vor Ende des Zweiten Weltkriegs gegründete Nazi-Kolonie auf dem Mond bereitet sich auf die Invasion des Heimatplaneten Erde vor – ist ebenso Banane wie originell. Speziell seit „Inglourious Basterds“ und Rob Zombies „Grindhouse“-Trailer „Werewolf-Women of the SS“ tut sich auf dem Gebiet der Nazisploitation-Filme wieder eine Menge („Dead Snow“, „Ratline“, „The 4th Reich“), doch die braune Fraktion ausgerechnet dorthin zu verlagern, wo sich sonst nur Transformer oder endlose Varianten von Sam Rockwell aufhalten, darauf ist zuvor noch keiner gekommen (die in Deutschland lange ungezeigte „Star Trek“-Folge „Patterns of Force“ einmal außen vor gelassen).

Der breiten Fanbase, die dem Projekt über Jahre hinweg die Treue gehalten hat, gefiel das Konzept und der rekordverdächtig oft angeklickte CGI-Trailer gut genug, um bei der Premiere auf der diesjährigen Berlinale für ausverkaufte Häuser zu sorgen. Die Kritik hingegen fiel wenig begeistert aus, doch wen interessiert das schon, wenn die Kassen klingeln? Vuorensola und seinen Autoren war es offenbar genug, einen leidlich gut aussehenden Fanfilm mit ungewöhnlich hohem Budget auf die Beine zu stellen, und das ist aller Ehren wert. Wem das genügt, der wird einigermaßen gut bedient. Alle anderen laufen Gefahr, auf halber Strecke einzuschlafen und die vielen verschenkten Möglichkeiten zu bedauern.

Das beginnt bei einem ziemlich unausgegorenen Drehbuch mit Dialogwechseln, die selten einen pointierten Abschluss finden. Woran das liegen mag, lässt sich nur spekulieren. Klug genug, mit Michael Kalesniko einen erfahrenen Autor (u.a. Howard Sterns „Private Parts“) ins Boot zu holen, war man jedenfalls. Mag sein, dass vor Ort aus Kostengründen immer mal wieder schnell am Skript gefeilt werden musste, mag auch sein, dass die Zusammenarbeit mit Vuorensola zu viele Kompromisse mit sich gebracht hat. Das Ergebnis ist jedenfalls ernüchternd.

Umso mehr fallen die gelungeneren Passagen auf, von denen allerdings frustrierend wenige zu finden sind. Wenn sich etwa die US-Präsidentin, ein Sarah-Palin-Lookalike (und ein Witz, der längst von der Realität überholt ist), beim Kampf gegen die Mond-Nazis in die Tradition von Theodore (oder historisch korrekt doch eher Franklin D.?) Roosevelt zu stellen (inklusive ausgestopftem Bären im Oval Office) und ihre PR-Strategin aus Mangel an besseren Kandidaten zur Stabschefin ernennt, herrscht ziemliche Ratlosigkeit über die Frage, ob letztere jetzt die Rolle von MacArthur oder Patton einnimmt.

In solchen Momenten würde man sich mehr von dieser Preisklasse wünschen, doch über weite Strecken bleibt der Humor arg flach. Wahnwitzige Ideen wie das „Arisieren“ eines farbigen US-Astronauten, der mit seiner weißen Hautfarbe keinen Anschluss mehr bei seiner Hood findet, wollen vermutlich kontrovers sein, erinnern aber eher an die besseren Folgen der „Scary Movie“-Reihe. Eine Identifikation mit den cartoonartigen Figuren bleibt weitestgehend aus, und auch der an sich sympathisch gezeichneten weiblichen Hauptfigur lässt sich angesichts ihres hohen Naivitäts(oder schlicht: Dummheits)faktors nicht allzu viel abgewinnen. Gegen Ende lässt der Film dann noch ein bisschen die CGI-Muskeln spielen und zeigt minutenlange Weltraumschlachten, was zur arg ermüdenden Pflichtnummer gerät.

Wer sich von der Besetzung mit Udo Kier einiges erhofft hat, erlebt möglicherweise eine der größten Enttäuschungen des gesamten Films. Sonst auch für schwache Rollen oftmals ein Gewinn im Rahmen seiner Möglichkeiten, wirkt seine Darstellung hier erschreckend fahrig und desinteressiert. Doch die Figur gibt ohnehin wenig her und tendiert streckenweise gar zur bloßen Staffage. Dieter Laser, der seit seiner Hauptrolle in dem niederländischen Horrorfilm „The Human Centipede“ in Genre-Kreisen echten Kultstatus genießt, hatte die Darstellung der Figur auf Anfrage abgelehnt. Dem deutschen Schauspieler gefiel weder Drehbuch noch Rolle (noch der Name Kortzfleisch), und so signalisierte er kein Interesse – angesichts dessen, was für Kier schließlich übrig geblieben ist, eine weise Entscheidung.

Andere Figuren zeigen Potential, gehen aber im allgemeinen Spektakel zu schnell unter. Vielversprechend wirkt etwa Tilo Prückner in der Rolle des Nazi-Chefingenieurs Richter. Doch von einer mehrschichtigen Ausarbeitung des Charakters bleibt nur der Topos des Mad Scientist übrig, und so muss sich Prückners Spiel zwangsweise auf leidlich skurriles Verhalten beschränken. Einzig die Neuseeländerin Stephanie Paul als Palin-Ersatz und die Australierin Peta Sergeant in der Rolle der skrupellosen Präsidenten-Beraterin können wirklich überzeugen und ihren Figuren wichtige Nuancen hinzufügen, so dass sich insgesamt ein schlüssiges Bild ergibt und manche Pointe gut gelingt.

Zum Schluss: Viel wird über die Fanbeteiligung an diesem Film geredet, und das meiste ist uninformierte Faselei. Tatsächlich wurden rund zehn Prozent des Budgets per Crowdfunding eingefahren, doch weder handelte es sich dabei um das Startkapital (im Gegensatz zu anderen Projekten, die mit dieser Finanzierungsform arbeiten), noch ist es sonderlich wahrscheinlich, dass die Produktion ohne diesen Schritt gescheitert wäre. Im Wesentlichen haben Hessen Invest, der DFFF, sowie europäische und australische Förderprogramme das Geld zusammengetragen. Die Fans zusätzlich anzusprechen war möglicherweise vor allem eine clevere Marketingmaßnahme und exzellente Kundenbindung. [LZ]

OT: Iron Sky (FI/DE/AU). REGIE: Timo Vuorensola. BUCH: Michael Kalesniko, Johanna Sinisalo, Jarmo Puskala. KAMERA: Mika Orasmaa. MUSIK: Laibach. DARSTELLER: Julia Dietze, Götz Otto, Christopher Kirby, Stephanie Paul, Peta Sergeant, Tilo Prückner, Udo Kier, Kym Jackson. LAUFZEIT: 93 Minuten.

[Abbildungen © 2012 polyband Medien GmbH / Mika Orasmaa / Tarja Jakunaho. All rights reserved.]

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Filmemachen ist für David Lynch mittlerweile allem Anschein nach eher zur Nebenbeschäftigung geworden. Jegliche Konventionen klassischer Narration hatte er mit „Inland Empire“ endgültig über Bord geworfen und gegen eine motivische Architektur eingetauscht, die vor allem assoziativen und musikalischen Regeln folgt. Welcher Weg sollte da schon zurückführen? Umso mehr ist alles, was er seitdem in Form bewegter Bilder abgeliefert hat, eher unter dem Label „Videokunst“ einzustufen.

Nichts anderes gilt auch für den gerade veröffentlichten Videoclip zum Titeltrack seines ersten eigenen Albums „Crazy Clown Time“. Denn während er für die vorab veröffentlichte Single „Good Day Today“ einen Wettbewerb ausgeschrieben und den Gewinner hinter die Kamera gelassen hatte, saß Lynch hier wieder selber auf dem Regiestuhl – und das ist schwerlich zu übersehen.

Typische Stilmittel wie blitzartige Überbelichtung, verzerrte Bildläufe und die wiederkehrende Montage einzelner Bildmotive ohne nachvollziehbare dramaturgische Notwendigkeit (stattdessen eher der Cut-Up-Technik verbunden) haben ihren guten Platz im Lynch-Universum und finden sich vor allem in den kürzeren Arbeiten der letzten Jahre wieder.

Das Prinzip des Clips ist sehr einfach, und gerade deshalb so effektiv. Gezeigt wird in unbeirrter Konsequenz exakt nur das, wovon in den Lyrics die Rede ist. Lynch setzt also auf verlustfreie Bebilderung und verfolgt damit einen Ansatz, der nicht weiter von der allgemeinen aktuellen Musikvideo-Praxis entfernt sein könnte (besonders unsägliches Beispiel aus der jüngeren Vergangenheit: Katy Perrys „The One That Got Away“ von Floria Sigismondi).

„Ollie, he had a red shirt“ und „Suzie, she ripped her shirt off completely“, hört man Lynch mit hochtonal krächzender Kopfstimme singen, während es Ollie mit rotem Hemd und Suzie ohne Oberteil (wohl aber mit politisch korrekten schwarzen Balken) zu sehen gibt. Ansonsten sind eine Menge Drogen im Spiel: „Danny poured the beer over Sally“, „Buddy screamed so loud, he spit“ und „Diddy lit his hair on fire“. „Crazy Clown Time“ ist offenbar des Meisters Vorstellung von einer gelungenen Party im Hinterhof – oder auch direkt in der Hölle.

Zugleich bildet Lynch aber auch seine sehr eigene Variante jenes Typus von Song und Clip ab, der (vor allem im HipHop und R’n’B) das exzessive Feiern per se glorifiziert. Ein direkter Vergleich mit Jonas Akerlunds nicht ganz unähnlich gelagertem Video zu „Come Undone“ (Robbie Williams) bietet sich an.

Ob Lynch auch weitere Titel seines Albums bebildern wird, bleibt abzuwarten. Im Rahmen einer viralen Kampagne von Dior hatte er 2010 unter dem Titel „Lady Blue Shanghai“ einen 16-minütigen Kurzfilm und zuletzt einen arg verstörenden Trailer für die Viennale 2011 abgeliefert. Ansonsten beschränkt sich der Meister seit Längerem vor allem auf seine Malerei und Fotokunst, sowie auf die Produktion von Musik.

[Abbildung: Screencapture]

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• David Lynch: The 3 Rs (Trailer Viennale 2011)
• David Lynch: Lady Blue Shanghai (Dior)
• David Lynch: Kurzfilm mit Marion Cotillard
• David Lynch: Ausstellung im Max Ernst Museum
• David Lynch: Offizielle Homepage
• David Lynch @Facebook
• David Lynch @Twitter

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In gewissem Sinne war es wohl die Idee des britischen Autors Warren Ellis. Doch so ganz ernst hatte er es nicht gemeint, als er Molly Crabapple vorschlug, sich für eine Woche in einen Karton einzusperren, die Innenwände mit Kunstdruckpapier auszustatten und nicht vorher herauszudürfen, bis jede noch so kleine Ecke mit Zeichnungen bedeckt ist. Am Ende wurde es zwar kein Karton, sondern eine New Yorker Hotelsuite, doch ansonsten hielt sich die Künstlerin ganz ans Konzept. Ein verspielt bunter Bildband dokumentiert mittlerweile Mollys „Week in Hell“.

Doch der Selbstversuch war mehr als bloßes Happening. Crabapple nutzte ihren guten Namen und finanzierte ihre Lock-up-Woche über die Crowdfunding-Plattform Kickstarter. Innerhalb von zwei Wochen hatten rund 800 Leute fast 26.000 USD zusammengetragen – und damit etwa das Sechsfache der Summe, die ursprünglich angesetzt worden war. Im Gegenzug erhielten die Unterstützer je nach Höhe des Betrags Teile der Arbeiten, die während der Höllenwoche entstanden.

In Form einer Art Künstler-Big-Brother ließ Crabapple ihre Online-Sponsoren zudem per Video-Stream am Projekt teilhaben. Detailliert konnte man verfolgen, wie die zu Anfang gänzlich weißen Papierwände nach und nach mit Artpen-Zeichnungen gefüllt wurden. Zwischendurch schauten Künstlerkollegen, Musiker und Pornostars vorbei und fanden auf unterschiedliche Weise Eingang in die ebenso großformatige wie detailverliebte Wandmalerei.

Gerade hat Crabapple ein weiteres Projekt via Kickstarter finanziert. Unter dem Titel „Shell Game“ organisiert sie eine Kunstausstellung zur Finanzkrise mit eigenen überdimensionalen Bildern, die sie in einem eigens angemieteten Schaufenster einer Ladenzeile mitten in New York für eine Woche zeigen wird.

Molly Crabapple (bürgerlicher Name Jennifer Caban) gehört zu den bekanntesten amerikanischen Illustratoren der jüngeren Generation. Ihren burlesk-surrealen Stil entwickelte sie während ihrer Studienjahre in einem Pariser Buchladen, sowie auf Reisen durch den mittleren Osten und Afrika. Kürzlich fungierte sie als Host des von Arte produzierten französischen Dokumentarfilms „Sex in the Comix“. Molly ist Begründerin von „Dr Sketchy’s Anti-Art School“, einer eigenwilligen Melange aus Zeichenschule und Burlesk-Theater mit über 100 Niederlassungen in 50 Ländern.

The Art of Molly Crabapple Volume 1: Week in Hell
48 Seiten, englisch. ISBN 978-1613771549

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• Molly Crabapple Official Homepage
• Molly Crabapple @Facebook
• Molly Crabapple @Twitter
• Molly Crabapple @Kickstarter: Week in Hell
• Molly Crabapple @Kickstarter: Shell Game
• Dr Sketchy’s Anti-Art School

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Gerade einmal zwei Stunden nach Veröffentlichung unserer kurzen Unterhaltung mit dem deutschen Schauspieler Dieter Laser über dessen Ausstieg bei „The Human Centipede 3“ (hier nachzulesen) schickt uns die Produzentin Ilona Six folgendes offizielles Statement, das wir hier unverändert widergeben:

„Mit dem Erfolg von The Human Centipede scheint Dieter Lasers Ego zu einer lachhaften Größe angewachsen zu sein. Zuerst unterzeichnet er den Vertrag und bewertet das Drehbuch zu THC3 als fantastisch, dann verlangt er seine eigenen inakzeptablen Drehbuchänderungen, und jetzt, gerade einmal sieben Wochen vor Drehbeginn, weigert er sich, die Rolle zu spielen. Six Entertainment Company wird rechtliche Schritte gegen Dieter Laser einleiten. Tom Six sagt, es gibt keinen Grund zur Sorge – der Drehstart wird auf einen späteren Zeitpunkt in diesem Jahr verschoben.”

Die englische Originalfassung des Statements haben wir hier hinterlegt. Laser spielte im ersten Teil der Trilogie den kultisch verehrten Dr. Heiter.

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser ist nicht mehr dabei
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser spricht exklusiv
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser kehrt zurück
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Stream auf Bountyfilms UK/AUS
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Filmkritik
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Audio-Kommentar von Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Freigabe durch BBFC | 32 Kürzungen
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: US-Poster
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Zweiter US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Erster US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Teaser-Trailer für Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in England
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Dieter Laser
• THE HUMAN CENTIPEDE: Scream Awards 2010
• Abscheulich, aber Kunst: Tom Six als Maler
• Erster echter Human Centipede entstand 1930 in Illinois

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Less than 2 hours after we published our quick chat with German actor Dieter Laser today on his departure from „The Human Centipede 3“ (read it here), producer Ilona Six sent us this official statement on the case which we release unaltered.

„Because of the success of The Human Centipede, it seems that Mr Dieter Laser’s ego has grown to laughably big proportions. First signing the contract and rating the THC3 script as fantastic, and then demanding his own unacceptable script changes, and now refusing to play the part only seven weeks prior to shooting. Six Entertainment Company will start legal action against Dieter Laser. Tom Six says not to worry – principal photography will be postponed and will take place later this year.”

Laser had played the famous Dr. Heiter in the first part of the trilogy.

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Für die Fans der kontroversen Horrortrilogie von Tom Six dürfte es der Schock des Tages sein: Der deutsche Schauspieler Dieter Laser, der beim dritten und abschließenden Teil wieder dabei sein sollte, ist raus. Es war eine Änderung in den Credits auf imdb, die uns stutzig machte. Denn plötzlich war Laser nur noch als „Himself“ unterhalb von Laurence R. Harvey und Tom Six gelistet. Wir fragten ihn, was das bedeute, und ob er nicht mehr die Hauptrolle spiele. Dies ist seine Antwort.

„Es ist ganz einfach: Ich war begeistert als Tom mir die Story erzählte, bekam den Vertrag und das Versprechen, in 4 bis 6 Wochen das Drehbuch zu erhalten. Als es eintraf – ein halbes Jahr später und erst nach der offiziellen Bekanntmachung – gefiel mir die Umsetzung überhaupt nicht. Ich konnte mich mit der Rolle, so wie sie geschrieben war, nicht identifizieren und entwickelte – genau wie bei Dr. Heiter – sofort und voll Enthusiasmus in einem Tag-und-Nacht-Marathon eine Version mit einer Fülle von konkreten und praktischen Vorschlägen, die es mir ermöglichen würde, die Hauptrolle mit vollem Einsatz zu spielen – doch diesmal hätte das auch einige unvermeidbare Konsequenzen für die dramatische Struktur gehabt. Das war zu viel für Tom, und da er mit meinen Vorschlägen nicht leben, und ich als ‘Method Actor’ mich mit seiner Version nicht identifizieren konnte, sagte ich ihm, dass ich keinen anderen Weg sehe, als dass er ‘das Pferd wechseln’ müsse. Das ist alles.”

Laser war am 2. März offiziell als Hauptdarsteller von „The Human Centipede 3” angekündigt worden.

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Tom Six verklagt Dieter Laser
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser spricht exklusiv
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser kehrt zurück
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Stream auf Bountyfilms UK/AUS
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Filmkritik
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Audio-Kommentar von Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Freigabe durch BBFC | 32 Kürzungen
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: US-Poster
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Zweiter US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Erster US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Teaser-Trailer für Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in England
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Dieter Laser
• THE HUMAN CENTIPEDE: Scream Awards 2010
• Abscheulich, aber Kunst: Tom Six als Maler
• Erster echter Human Centipede entstand 1930 in Illinois

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It should be the shock message of the day for every fan of filmmaker Tom Six’ controversial horror trilogy: German actor Dieter Laser, who was meant to return to the series for an unexpected second time, is out. It was a credit change on the imdb that made us wonder. All of a sudden, Laser was listed below Laurence R. Harvey and Tom Six as „Himself”. We called him and asked what that meant and if he is not playing the lead anymore. Here’s his reply.

„It’s very simple: I loved the story when it was told, got the contract and the promise to have the script in 4 to 6 weeks. When it arrived – half a year later and only after the official announcement – I didn’t like the realization at all, couldn’t identify with the character the way it was written and developed immediately and enthusiastically in a day and night marathon a version full of concrete and practical suggestions which would enable me to play the lead full throttle – same procedure as with Dr. Heiter – but this time it also would have had some unavoidable effects to the dramatic structure. That was too much for Tom and since he couldn’t live with my suggestions and I as a method actor couldn’t identify with his version, I told him that I couldn’t see any other way than that he would have to ‘change horses’. That’s it.”

Laser was officially announced as the lead of „The Human Centipede 3” on March 2.

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Als offiziell bekannt wurde, dass sich Tom Six für den finalen Teil seiner „Human Centipede“-Trilogie den Star des Originalfilms zurückgeholt hat, war das für die Fans der kontroversen Filmreihe ein echter Grund, in frohlockende Verzückung zu geraten. Der deutsche Theater- und Filmschauspieler Dieter Laser hatte der Figur des besessenen Chirurgen Dr. Heiter nicht nur ein einprägsames Gesicht verliehen, sondern mit seiner Darstellung auch praktisch über Nacht eine Instant-Kultfigur geschaffen. Auf weltweiten Conventions wird er seitdem hymnisch gefeiert, und als er anlässlich der Londoner Premiere des zweiten Teils noch einmal den Eppendorfer Arztkittel überzog und für eine kurze, augenzwinkernde Einführung die Bühne betrat, riss es die anwesende Menge zu echten Begeisterungsstürmen hin.

Bereits im Oktober 2010 hatte der Schauspieler uns ein umfangreiches Interview zu seiner Arbeit mit Tom Six gegeben. Als Entertainment Weekly jetzt am 2. März erstmals über den neuerlichen Besetzungscoup berichten durfte, erklärte er sich uns gegenüber spontan zu einem exklusiven ersten Statement bereit. Begeistert über das Engagement und hocherfreut, endlich sein Schweigen brechen zu können, wurde eine umfangreiche Erzählung daraus, in der er unter anderem über sein Geheimtreffen mit Tom und Ilona Six und die „beinharten“ Vertragsverhandlungen berichtet, aber auch bereits einen kleinen Einblick in seine Herangehensweise an die Rolle bietet. Obwohl im Gespräch entstanden, veröffentlichen wir seine Ausführungen ohne lästige Zwischenfragen und fügen hinzu: Lieber Dieter, vielen Dank für Deine Zeit, Deine Mühe und Dein Vertrauen in uns.

Es tut mir leid, dass ich so lange die Schnauze halten musste und immer dann, wenn ich nach meinem nächsten Film gefragt wurde, nur kryptisch von Dreharbeiten in Amerika und einem amerikanischen Team und so weiter geredet habe. Aber da habe ich mich natürlich ganz an die Vereinbarung mit Tom und Ilona Six gehalten. Auch jetzt kann ich selbstverständlich nichts herausgeben, was die Produktion nicht zuvor abgesegnet hat. Aber ich kann das, was inzwischen offiziell verlautbart wurde, ein bisschen weiter ausführen und meine persönliche Affinität dazu beschreiben. Und das mache ich sehr gerne.

ZWEI CENTIPEDES IN LONDON

Am 10. August 2011 habe ich das aller erste Mal von „Centipede 3“ erfahren. Ich wusste vorher noch nicht einmal genau, ob Tom wirklich plant, einen dritten Teil zu machen. Er kocht ja ohnehin über vor Ideen, und so hatte er mir bereits auf dem Filmfestival in Brüssel, noch vor der New-York-Premiere von „Centipede 1“, einen total faszinierenden Plot erzählt, den er, sagen wir mal, gedanklich in der Tasche hat. Als ich dann mit der Inge, meiner Frau, am 9. August zu einem gemeinsamen Treffen nach London geflogen bin, hatte ich eher damit gerechnet, dass er mir mit einem Plot wie diesem rausrücken würde, mit einer völlig unabhängigen Geschichte also. Aber er kam dann eben doch mit „Centipede 3“, und der ist wirklich wieder krass anders als 1 und 2.

Inge und ich sind also ganz luxuriös nach London geflogen, haben eine Suite im herrlichen Waldorf Hilton bezogen, wunderbar zu Abend gegessen, wunderbar übernachtet, und am nächsten Tag eine Privatvorführung von Tom und Ilona geschenkt bekommen. Die beiden hatten ein kleines, ganz fantastisches Kino gemietet, um uns dort „Centipede 2“ zu zeigen, und wir waren fast die aller ersten, die den Film überhaupt zu sehen bekamen. Mir war klar, das sollte der Bunsenbrenner für mich sein, das erste Ankochen von Herrn Laser!

Danach sind wir dann ins Hotel gegangen, haben zusammen gegessen, über den Film geredet und dazu ganz anständig getrunken. Ich allerdings habe mich an einem einzigen Bier aufgehalten, weil ich mir sagte, falls es zu einer Verhandlung kommt, muss die Birne glasklar sein! Und während wir da so saßen, tranken und uns unterhielten, schossen immer wieder Blicke durch die Hotelhalle, als säße dort Vittorio de Sica oder sonst irgend jemand Legendäres. Offenbar erkannten die Leute uns, denn „Centipede 1“ war damals schließlich schon Kult. „Wir werden schon wieder beobachtet“, meinten dann Tom und Ilona, „lass uns etwas leiser reden.“

Aus gutem Grund, denn nachdem wir mit dem Essen fertig waren und lange über den Film geredet hatten, begann Tom, ähnlich wie damals im Hilton Berlin, der Inge und mir minutiös den gesamten „Centipede 3“ zu erzählen. Szene für Szene, Detail für Detail, und als er fertig war, war ich total begeistert. Das war so sophisticated, so unerwartet, dass wir danach erst mal auf die Straße gegangen sind, weil Ilona und ich dringend rauchen mussten. Ich habe dann zum Vergnügen der Hotelportiers, die draußen die Taxis in Empfang nahmen, gleich angefangen, ein paar Sachen aus der Rolle vorzuführen. Den Gang zum Beispiel. „Look, so wird er gehen!“, habe ich gesagt und gezeigt, wie ich mir das vorstelle. Es hat sich dann im weiteren Verlauf wieder einmal gezeigt, dass Tom, Ilona und ich total auf einer Wellenlänge schwimmen, dass wir uns die Bälle spontan zuschmeißen können. Schon während Toms Erzählung hatte ich immer gleich gesagt, „Ah, ja, und das und jenes und dieses könnte man da einbauen“, und so haben wir uns gegenseitig wahnsinnig hochgeschaukelt.

Als wir wieder drinnen waren und schon die nächsten Getränke bestellten, kam tatsächlich das, was ich bereits bauchmäßig geahnt hatte, und Ilona sagte, „Dann sollten wir uns jetzt vielleicht in eine Ecke zurückziehen und verhandeln.“ Und obwohl das sonst die Inge übernimmt, habe ich sofort das Ruder an mich gerissen und gesagt, „Das mache heute wieder ich. Wir wollen die Tradition beibehalten und es wie beim ersten Film machen. Inge und Tom bleiben sitzen, die sollen mal weiter saufen, und Ilona und ich gehen schön verhandeln.“ Und das haben wir dann auch getan, und zwar beinhart, bis auf die letzten Knochen. Ich halte mich da immer an den Spruch: Nie etwas androhen, was man auch nicht wirklich umsetzen will. Doch Ilona ist ein wahnsinniger Profi, so dass ich mich sehr anstrengen musste, argumentativ gegenhalten zu können. Es war also wirklich tough. Schließlich kamen wir an einen Punkt, wo Ilona genau spürte, hier ist Ende der Fahnenstange erreicht. Dort haben wir dann alles mit Handschlag besiegelt und waren beide total happy, weil wir uns wirklich auf den Pfennig genau in der Mitte zwischen ihrem Angebot und meiner Höchstforderung getroffen hatten. Und das ist natürlich das beste Verhandlungsergebnis, das man erreichen kann. So sind wir also beide völlig befriedigt zum Tisch zurück und haben zum Tom gesagt, „It’s a deal.“

Danach wurde noch ein bisschen die Politik besprochen und unter anderem eben festgelegt, dass ich eisern die Schnauze halte, bis ich Bescheid darüber bekomme, wie viel ich erzählen kann. Also habe ich seit dem 11. August, dem Tag, an dem wir von London zurückgeflogen sind, immer nur kryptisch gesagt, ich drehe einen Film in Amerika mit amerikanischen Schauspielern und einer hundertprozentig amerikanischen Crew. Mehr Information war nicht erlaubt. Jetzt ist ja bekannt, dass Laurence und ich die Leading Parts spielen. Tom selber tritt aber auch auf, und ich habe absolut auf dem Boden gelegen vor Lachen, als er mir erzählt hat, wie das abläuft. Es ist unglaublich köstlich! Die Leute werden sich krank lachen. Und was mir an der ganzen Geschichte insgesamt so unglaublichen Spaß macht, ist, dass alles eben „100% politically incorrect“ ist. Darauf freue ich mich wahnsinnig.

WARTEN AUF’S DREHBUCH

Tom hat immer gesagt, „Zwei Monate vor Drehbeginn bekommst Du erst die Endfassung, denn ich will Dir kein Drehbuch schicken, in dem nicht auch die Location und der State, in dem wir drehen, mit verarbeitet ist.“ Und deshalb kriege ich es erst morgen [3. März] per FedEx zugeschickt. Drehbeginn ist im Mai in einem Southern State, aber in welchem, sage ich jetzt noch nicht. Ich weiß sogar schon mein Rückflugdatum, weil Ilona mir das zusichern musste. Denn wenn alles klappt, spiele ich im August bereits bei den Nibelungenfestspielen in Worms. Dorthin würde ich praktisch nahtlos von Amerika aus direkt hinfliegen, und es wird ein Vergnügen sein, nach so einer heftigen, extremen Method-Acting-Geschichte sofort auf die Bühne zu hüpfen. Lockerer kannst Du gar nicht sein, und das befruchtet sich gegenseitig. Außerdem ist das, was die da in Worms treiben, richtig hochkarätiges, teures Event-Theater, mit allen technischen Mitteln, die man sich nur denken kann. Alleine der Sound, den man dort noch in der letzten Reihe mitbekommt, ist total kinomäßig, und auch beleuchtungstechnisch sind die absolut brillant. Unglaublich, was die können!

Aber zurück zum „Centipede“: Obwohl ich die Endfassung des Drehbuchs ja noch nicht kenne, haben Tom und ich inzwischen schon viele Korrespondenzen mit Vorschlägen zu Kostüm, Accessoires und so weiter hinter uns gebracht. „It’s amazing, wie sehr wir auf einer Linie liegen“, hat er mir in seiner letzten Mail mal wieder geschrieben. Ich würde mein reines Vergnügen haben zu sehen, wie viele Punkte, die ich angesprochen habe, ohnehin im Drehbuch seien, aber das zeige eben, was für eine enorm gute Frequenz zwischen uns vorherrscht, oder wie die Psychologen, glaube ich, sagen: was für ein Rapport! Der Rapport zwischen uns ist jedenfalls phänomenal.

Aber auch der Vertrag, den ich in der Tasche habe, ist absolut fantastisch, weil Ilona eben genau weiß, dass sich manche Forderungen, die zunächst vielleicht etwas seltsam klingen mögen, am Ende fürs Produkt auszahlen. Tom und Ilona haben da wirklich eine hyperamerikanische, angelsächsische Arbeitsmethode, das heißt, du wirst als Schauspieler unglaublich gepflegt und wie ein rohes Ei behandelt, kriegst aber zugleich auch eine Riesenverantwortung rübergeschoben und bist in gewisser Weise verantwortlich für Deine Rolle. Du musst was liefern. Und mit so einer Verantwortung herumzulaufen, bringt mir einen Riesenspaß und ist tausendmal besser als bloßes „Heben Sie mal den rechten Arm und gehen Sie mal nach links und jetzt noch mal einen Schritt nach hinten und dann, nein, drehen Sie sich bitte über die linke Schulter, nicht die rechte etc.“ Das alles findet nicht statt.

LACKIERTE FINGERNÄGEL IM OFFICE BERLIN

Wenn ich jetzt morgen das Drehbuch bekomme, werde ich mich natürlich sofort darauf stürzen und in mein privates mentales Trainingslager begeben. Bis Drehbeginn befasse ich mich dann nur noch mit dieser einen Sache, denn es soll schließlich richtig geil werden. Ich ziehe mich also zurück und mache entweder alle Türen des Arbeitszimmers dicht oder gehe sogar aus der Wohnung raus. Dann klemme ich mir nämlich mein Drehbuch unter den Arm und sage zur Inge, „Ich gehe in mein Büro“, und das ist dann Berlin, irgendwo outside, ein Café oder ein Bahnhof oder ein Flughafen oder irgendein anderer Ort, von dem ich denke, dass er für die aller erste Begegnung mit dem Buch ideal ist. Denn die ist ungemein wichtig.

Man kennt das ja, man geht ins Kino und sieht einen Film und findet ihn ziemlich scheiße. Doch vielleicht ein halbes Jahr später oder ein Jahr später oder fünf Jahre später sagt man, „Was für ein Kunstwerk! Was für ein großartiger Film!“ Dass es dann nicht bereits beim ersten Mal gezündet hat, lag an der eigenen Tagesform. Und genauso kann es an der eigenen Tagesform liegen, dass ein Drehbuch einem nicht ins Gesicht springt. Das ist dieses berühmte erste Kennenlernen, der erste Eindruck, wie bei einem Vorstellungsgespräch, und dieser erste Eindruck ist essentiell. Den muss man sehr, sehr pfleglich aufbauen und sorgfältig behandeln. Das heißt, ich muss mir die Fingernägel lackieren, bevor ich das Drehbuch aufschlage, ich muss mir die Zähne putzen, ich muss mich parfümieren und mir vielleicht auch noch ´ne Dauerwelle machen – natürlich alles nur bildlich gesprochen.

Aber vielleicht lese ich auch gar nicht, sondern setze mich sofort hin und schreibe das gesamte Ding auf meinem Final Draft erst einmal ab. Denn es gibt ja in der Tat so etwas wie ein muskuläres Gedächtnis. Und das wird beim Handabschreiben aktiviert. So lernst du die Sachen sehr gut, und indes entdeckst du Raffinessen, die du beim normalen Lesen oder auch am Computer nicht so schnell checkst. Du schmeckst sie sozusagen auf der Zunge, während du schreibst. Und wenn du dann fertig bist, wenn alles abgeschrieben ist, dann hast du irgendwie das Gefühl, als gehöre dir der Text schon ein bisschen mehr. Obwohl das natürlich Schwachsinn ist. Der Körper sagt da einfach: Ich bin es, der dieses Drehbuch geschrieben hat. Das ist also mein ganz eigenes Drehbuch, und das drucke ich mir dann aus. Und vielleicht gehe ich erst daraufhin in mein Office Berlin – aber das werde ich ganz spontan und nach Bauchgefühl entscheiden. So wie ich es immer mache.

[Copyright Dieser Laser & screenread.de – All rights reserved.]

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Tom Six verklagt Dieter Laser
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser ist nicht mehr dabei
• THE HUMAN CENTIPEDE 3: Dieter Laser kehrt zurück
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Stream auf Bountyfilms UK/AUS
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Filmkritik
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Audio-Kommentar von Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Freigabe durch BBFC | 32 Kürzungen
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: US-Poster
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Zweiter US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Erster US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Teaser-Trailer für Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in England
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE: Interview mit Dieter Laser
• THE HUMAN CENTIPEDE: Scream Awards 2010
• Abscheulich, aber Kunst: Tom Six als Maler
• Erster echter Human Centipede entstand 1930 in Illinois

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