Wenn CBS am 24. Juni die erste Folge der langerwarteten Verfilmung von Stephen Kings Opus Magnum „Under the Dome (dt. Die Arena)“ ausstrahlt, werden eine Menge Fans der Vorlage ziemlich genau hinsehen: Im Vorhinein war bereits angekündigt worden, dass die von Steven Spielbergs Amblin Entertainment und „Lost“-Produzent Brian K. Vaughn initiierte TV-Version in mancherlei Hinsicht vom Roman abweichen wird. King selber fungiert zwar als Executive Producer und hat vorab alle Änderungen abgesegnet, doch das muss angesichts früherer Einbindungen des Autors in Verfilmungen eigener Projekte nicht unbedingt beruhigen.

Vielversprechend klingt hingegen die Besetzung hinter der Kamera. Regie beim Piloten führte der Däne Niels Arden Oplev, bislang vor allem bekannt für die erste Verfilmung der „Millennium“-Trilogie nach Stieg Larssons Bestsellern (bevor sich David Fincher des Stoffs annahm). Andere Episoden wurden unter anderem von Jack Bender, einem weiteren „Lost“-Veteranen aus dem Umfeld von J.J. Abrams, und der Kanadierin Kari Skogland („Fifty Dead Men Walking“, „The Borgias“) in Szene gesetzt.

Erste Eindrücke vom Look der Produktion bieten aktuell zwei Trailer. Ob und wann die Serie nach Deutschland kommen wird, ist derzeit noch ungewiss.

[Abbildungen: CBS / Screencaptures]

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Dass der Kinozuschauer heute überhaupt noch über gänzlich lebensecht wirkende Fantasiegeschöpfe auf der Leinwand staunt, ist eher die Ausnahme. 1963 sah das noch ganz anders aus. Nie zuvor hatte man in derartiger Perfektion gesehen, wie reale Menschen mit animierten Kreaturen interagierten. „Jason and the Argonauts“, von Tom Hanks einmal zum größten Film aller Zeiten erklärt, gehört zu den Meilensteinen der Trickgeschichte und der Meister dahinter hieß Ray Harryhausen. Gestern starb der große Animations-Pionier im Alter von 92 Jahren. Noch am selben Tag erstellt, erinnert Filmemacher Jack Perez („Some Guy who kills People“) mit einem kleinen Tribut-Video an die bahnbrechenden und immens einflussreichen Leistungen Harryhausens.

P.S.: Von den vielen Statements prominenter Filmschaffender gehört dieses von Joe Dante zu den schönsten: „Ray Harryhausen took a part of all our childhoods with him when he went. Thankfully he remained with us long enough to realize how universally beloved his work was by so many. Thank you, Ray.“

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Seit ein paar Wochen wird reichlich kontrovers über die Versuche prominenter Namen diskutiert, ihre Filmprojekte mithilfe von Crowdfunding in trockene Tücher zu bringen – darunter Kristen Bell, Melissa Joan Hart oder Zach Braff (ganz abgesehen von Eliza Dushku, Colin Hanks oder vielen anderen, die weitestgehend unbemerkt blieben). Sind die Reichen und Schönen auf dem besten Weg, unabhängigen Neueinsteigern eine populäre Finanzierungsquelle unter der Nase wegzuschnappen? Sicher nicht. Doch jetzt, da die Türen der Schwarmfinanzierung offenbar ganz offiziell für alle geöffnet sind (was sie in Wahrheit natürlich schon immer waren), warum sollten da nicht auch einmal solche Filmemacher in den Fokus rücken, die sich zwar großer Beliebtheit erfreuen, aber auf der Leinwand schon lange nicht mehr wirklich stattfinden? Könnte Crowdfunding nicht eine ideale Möglichkeit sein, sie genau dorthin zurückzubringen?

Es war in etwa dies, was uns durch den Kopf ging, als wir uns spontan dazu entschlossen, unsere Follower bei Twitter zu fragen, welche Filmemacher sie bei ihren Projekten finanziell unterstützen würden. Wir schlugen eine Reihe von Namen vor und konzentrierten uns dabei auf echte Helden aus den 80ern, die zwar immer noch gelegentlich auf dem Regiestuhl Platz nehmen, aber doch im Wesentlichen entweder gezwungen sind, halbgare Auftragsproduktionen abzuliefern oder in Projekten feststecken, die es nicht über die Vorproduktion hinaus schaffen: Genre-Ikonen wie John Carpenter, Wes Craven, Clive Barker oder wer einem sonst noch so einfallen mag. Am meisten dachten wir allerdings an Joe Dante, und wie sich herausstellte, waren wir dabei nicht die einzigen.

Nicht, dass wir wirklich viel Erwartung in unsere kleine inoffizielle Umfrage gesetzt hätten. Umso überraschender fielen aber dann die Reaktionen aus, denn die waren zahlreich. Keiner der Namen, die wir aufgezählt hatten, rief dabei ein größeres Echo hervor als Dante. Binnen relativ kurzer Zeit wurde unser Vorschlag dutzendfach als Retweet verbreitet, und ähnlich gepolte Fans äußerten ihre Bereitschaft, einen Film des Machers von Klassikern wie „Gremlins“, „Das Tier“ und „Piranhas“ mitzufinanzieren.

Dante selber wurde auf die Diskussion aufmerksam und fragte „Was crowdfunden wir denn?“ – eine Frage, über dessen Antwort wir nicht lange nachdenken mussten. 2011 hatte er uns in einem Interview eine Reihe von Projekten aufgezählt, in die er damals auf die eine oder andere Weise involviert war. Jedes von ihnen stand damals hinsichtlich seiner Finanzierung auf tönernen Füßen, und obwohl sie alle ihren eigenen Reiz hatten, stach ein Film ganz klar hervor. Unter dem elektrisierenden Titel „The Man with Kaleidoscope Eyes“ erzählt er eine einscheidende Episode im Leben von Roger Corman – seine Arbeit an „The Trip“, jenem berüchtigten Sonderfall des B-Films nach einem Drehbuch von (tatsächlich) Jack Nicholson. Mit Corman in einer Nebenrolle als sein heutiges Alter Ego besetzt, kam das Projekt nie richtig in die Gänge und konnte sein Budget selbst mit der Zusage eines prominenten Hauptdarstellers nicht sicherstellen.

Wir schlugen diesen Film also für eine hypothetische Dante-Kampagne vor und erlebten eine erneute Überraschung. Es folgte auch hier eine Welle enthusiastischer Zuspruchsbekundungen in 140 Zeichen. Selbst Fans, die noch nie etwas von dem Projekt gehört hatten, zeigten für die Idee, dass Dante einen Film über seinen alten Freund und Mentor drehen könnte, unmittelbare Begeisterung.

Nun sind Tweets natürlich nur Tweets. Sie garantieren nichts und sie finanzieren keinen Film. In diesem Fall zeigten sie aber mit ziemlicher Deutlichkeit, dass es da eine Reihe von Leuten gibt, die an dem Projekt selber durchaus Interesse hätten, und das hat durchaus Relevanz. Zudem ist die Sache eine echte Herzensangelegenheit. Für Dante. Für seine Fans. Für jeden, der den immensen Einfluss zu schätzen weiß, den Roger Corman auf die Entwicklung und Rolle des Independentkinos gehabt hat.

Wer sich hier wiederfindet, kann auf einfache Weise dazu beitragen, dass aus einer spontane Idee am Ende vielleicht tatsächlich ein Film wird. Ein Tweet mit dem Hashtag #crowdfunddante reicht schon aus. Join the force, make it happen.

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If you still think that twitter is only good for posting what you had for breakfast, better stop reading here. Recent disussions on celebrities like Kristen Bell, Melissa Joan Hart or Zach Braff (not to mention the many others before them that went more or less unnoticed) trying to get their projects off the ground via crowdfunding stirred up quite some controversy. Are the rich and famous about to hijack the domain of independent filmmakers and steal their potential donators? Certainly not. But now that the gates are officially open for everyone (which they obviously have always been), why not turn the spotlight on filmmakers we love but haven’t seen much of lately? Wouldn’t crowdfunding be an excellent chance to bring them back where they belong – the big screen?

Such were our thoughts when we turned to twitter and asked our followers which filmmaker’s projects they would be interested and willing to crowdfund. We suggested a couple of names and concentrated on a few of our own heroes from the ‘80s who are still around but either doomed to direct commissioned work or got stuck in films that fail at getting funded. Think genre icons like John Carpenter, Wes Craven, Clive Barker. Think others that turned you into a movie lover when you were a kid. Most of all we thought of Joe Dante, and guess what, we were far from being the only ones.

Without expecting much from our little inofficial poll, the response was surprising. None of the names resonated better with those reading our messages than Dante’s. Within a pretty short amount of time, dozens of people retweeted our suggestion and uttered their willingness to crowdfund a movie by the man behind classics like „Gremlins“, „The Howling“ or the original „Piranha“ (and of course the founder of the marvellous „Trailers from Hell“).

Dante himself saw the tweets and asked „What are we crowdfunding?” and it didn’t take us a minute to think of the ultimate project – a biopic about Roger Corman. In an interview in 2011 Dante had told us about this one, adding it to the lengthy list of films he was attached to back then and in parts still is. Each of them had been struggling with funding for quite some time and was interesting on its own but for some reason „The Man with Kaleidoscope Eyes” sounded like the one that needed to be made most. Telling the story of Roger Corman shooting 1976’s „The Trip” (written by no other than Jack Nicholson) and having the master play himself at his current age, the film never got off the ground even though a major actor was attached at some point.

Suggesting this movie for a Dante Crowdfunding Campaign lead to the second surprise in this litte twitter adventure since it caused another wave of affirmative horrays in 140 characters. Even people who had never heard of the project immediately fell in love with the idea of Joe Dante making a (long overdue) movie on his old friend and mentor.

Tweets are just tweets. They are no money, they don’t guarantee anything, they don’t fund a movie. But in this case they at least provide with an idea of options that probably haven’t been considered before. The project is a matter of the heart. For Dante. For his fans. For everyone who admires the groundbreaking efforts that Corman has achieved for independent filmmaking. Do you want this too? Then join the movement. Tweet #crowdfunddante. Make it happen. [LZ]

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Remakes genießen im Allgemeinen keinen guten Ruf, gelten bei den Studios aber als vergleichsweise risikolos. Schuld daran ist nicht zuletzt der Zuschauer, der sein Geld entweder direkt zur Kinokasse trägt oder spätestens in der Zweit- und Drittverwertung auf den Plan tritt – aus welchen Gründen auch immer. Im Horrorgenre sind mehr oder weniger mainstreamtaugliche Neuauflagen von Klassikern seit einigen Jahren ein anhaltender Trend, der alles abgrast, was jemals seine Produktionskosten eingespielt hat. Dabei ist nicht jedes Exemplar automatisch bloß der lauwarmer Aufguss eines kultisch verehrten Originals. Beispiele wie Rob Zombies „Halloween 2“ oder Marcus Nispels „Freitag der 13.“ gehen in mancherlei Hinsicht ihre eigenen Wege und können den Vergleich mit ihren Vorgängern durchaus standhalten. Für „Evil Dead“ gilt das eher nicht.

Das ist umso ärgerlicher, als die Macher des Originals selber hinter dem Projekt stecken. Schon 2009 haben Initiator Sam Raimi, Hauptdarsteller Bruce Campbell und Produzent Robert Tapert an einer modernisierten Version gebastelt, das Projekt dann zwischendurch wieder abgeblasen, irgendwann erneut aufgegriffen und jetzt schließlich als ebenso blutgetränkte wie glattgebügelte Mainstream-Variante umgesetzt. Und die ist ernüchternd irrelevant ausgefallen. Die Grundstruktur entspricht weitestgehend der Fassung von 1981, doch für die Figuren kann sich kein Mensch ernsthaft interessieren, und um praktisch jede Szene und Wendung vorauszusehen, braucht man nicht einmal das Original zu kennen.

Letzteren Umstand einzig Regisseur Fede Alvarez und seinem Co-Autor Rodo Sayagues zuzuschreiben, wäre allerdings unfair. Raimis „The Evil Dead“ (damals noch mit bestimmtem Artikel und hierzulande als „Tanz der Teufel“ bekannt) gilt nicht umsonst als einer der einflussreichsten Klassiker des modernen Horrorkinos und hat ausreichend Standards und Stereotypen etabliert, um jeden Neueinsteiger irrigerweise glauben zu lassen, das Original sei selber nur eine müde Kopie zahlreicher besserer Vorbilder. B-Filme wie „Shrooms“, Eli Roths Erstling „Cabin Fever“ oder Lars von Triers Arthouse-Horror „Antichrist“ gehören nur zu den bekannteren Beispielen – von der speziellen Position, die Joss Whedons Meta-Spielerei „Cabin in the Woods“ einnimmt, braucht man gar nicht erst anzufangen.

Im Prolog sieht es zunächst so aus, als fände die Neuauflage einen gar nicht so uninteressanten Prequel-Ansatz (der vermutlich auch den besseren Film geliefert hätte), doch davon bleibt schon kurz darauf leider nicht allzu viel übrig – oder präzise gesagt: gar nichts. Die Geschichte ist im Wesentlichen dieselbe wie vor 32 Jahren, nur dass die Geschlechterrollen in Teilen ausgetauscht wurden und am Ende auf ein klassisches „Final Girl“-Klischee hinauslaufen. Zeitgemäß geht anders, aber schließlich will man auch weibliche Zuschauer ins Kino locken, und da setzt man offenbar ganz auf virale Mundpropaganda.

Eine Gruppe Twens zieht es in eine verlassene Waldhütte fernab aller Zivilisation, um einer Freundin beim Drogenentzug beizustehen. Im Kellergeschoss stoßen die Großstädter auf Spuren eines unheimlichen Tötungsrituals und ein versiegeltes Buch voller makabrer Zeichnungen und geheimnisvoller Schriftzeichen. Laut vorgelesen erwecken sie unsichtbare Dämonen, die Besitz von den arglosen Touristen nehmen und sie in ebenso willenlose wie blutrünstige Marionetten des Bösen verwandeln. Nur die Zerlegung des Wirtskörpers in seine Einzelteile oder ihn lebendig zu begraben kann den Bann brechen. Doch beides ist leichter gesagt als getan.

Wer mit Raimis Klassiker nicht vertraut ist und etwa mit der 2003er Neuauflage von „Texas Chainsaw Massacre“ warm werden konnte, wird von dieser Nacherzählung sicherlich kurzweilig unterhalten werden. Für alle anderen sollte „Evil Dead“ eher ein mittleres Ärgernis sein. Der Fokus liegt in erster Linie auf einer – für den Mainstream – möglichst geringen Hemmschwelle in der Gewaltdarstellung. Schrecken und Panik des Originals bleiben gänzlich außen vor. Aber auch auf den Humor des zweiten (oder gar dritten) Teils verzichtet dieses Remake völlig und einen adäquaten Ersatz für Bruce Campbells Charakter Ash gibt es schon mal gar nicht.

In den USA funktionierte der Film zum Startwochenende erstaunlich gut und belegte direkt einmal den ersten Platz der Kinocharts. Für die Zielgruppe bietet sich ein Vergleich mit dem Vorgänger ohnehin nicht an. Unter den veränderten Sehgewohnheiten muss die 81er Version für den auf Mainstream geeichten Zuschauer wirken wie ein Homevideo. Und im Grunde war sie das ja auch. Mit Freunden umgesetzt und mit bescheidenem Budget auf Grundlage des vielleicht ersten Kurzfilmpitches überhaupt finanziert, hat „The Evil Dead“ viel gemein mit der Unzahl digitaler No-Budget-Produktionen, die heute wie (meistens giftige oder doch zumindest ungenießbare) Pilze aus dem Boden schießen.

Raimis tieffliegende Kamera – damals eine echte Sensation – ist heute ebenso overused wie Hitchcocks berühmter „Vertigo“-Effekt. Natürlich taucht sie im Remake auf, doch mehr als ein müdes Zitat ist das nicht. Seiner Modernisierung kann der Film außer jeder Menge comicartiger Gewalt nichts Eigenes hinzufügen, das auch nur ansatzweise originell wäre. Ähnlich dem gänzlich ungenießbaren „Nightmare on Elm Street“-Remake von 2010 fehlt auch hier schlichtweg alles, was den Ausnahmestatus des Originals einst begründet hatte.

Mittlerweile haben Raimi und Campbell eine eigene Fortsetzung ihres Franchise angekündigt, wenn auch ausdrücklich unter dem Titel „Army of Darkness 2“. Man kann vermuten, dass hier vor allem marketingtechnische Überlegungen ausschlaggebend sind, denn die Marke „Evil Dead“ wird jetzt wohl ausschließlich den nächsten (schon geplanten) Teilen der Neuauflage vorbehalten sein. Die Chancen, dass im Zuge des Remakes endlich auch eine unzensierte Fassung des Originals auf dem deutschen Markt erscheinen wird, stehen übrigens weiterhin wohl eher schlecht. [LZ]

OT: Evil Dead (USA 2013) REGIE: Fede Alvarez. BUCH: Fede Alvarez, Rodo Sayagues. MUSIK: Roque Baños. KAMERA: Aaron Morton. DARSTELLER: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore, Phoenix Connolly, Jim McLarty. LAUFZEIT: 91 Min.

[Abbildungen: Sony Pictures Releasing GmbH]

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Noch vor wenigen Jahren sah es eher nicht so aus, als hätte der Episodenfilm eine ernsthafte Überlebenschance. So richtig hat die zu einem abendfüllenden Programm zusammengestellte Sammlung kürzerer Erzähleinheiten auf der großen Leinwand ohnehin nie funktioniert, und es bedurfte schon einer besonders raffinierten Machart, um wirksam über das Ausbleiben echter Dramaturgie hinwegzutäuschen. Bis heute gehören „Pulp Fiction“ und „Sin City“ zu den wenigen Beispielen für anthologisch angelegte Langfilme, die ernsthaften Erfolg an der Kinokasse mit sich brachten. Sowohl der völlig in Vergessenheit geratene „Four Rooms“ als auch das mit immensem Aufwand vermarktete Fake-Double-Feature „Grindhouse“ derselben Macher scheiterten hingegen kläglich.

Zu konservativ fiel die Struktur aus, als dass der reguläre Zuschauer über die volle Distanz bei der Stange zu halten gewesen wäre – zugleich eines der Hauptprobleme, mit denen der Episoden- oder Omnibusfilm von jeher zu kämpfen hat. Nicht selten hängt dem Format zudem der negative Beigeschmack einer Notlösung an. So steht den einschlägigen Beispielen des sogenannten „Hyperlink Cinema“ (etwa „Nashville“, „Traffic“ oder „Babel“), wo episodisches Erzählen ein notwendiges Strukturelement darstellt, eine Unzahl von beliebigen Sammlungen gegenüber, die als roten Faden maximal eine Art motivisches Grundrauschen zu bieten haben.

Im Wesentlichen ist die Anthologie per se der bemühte Versuch, den Kurzfilm auf die große Leinwand zurückzuholen, und das nicht selten mit prominenter Besetzung vor und hinter der Kamera. So vereinten etwa „New York Stories“ (Scorsese, Allen, Coppola) oder „Boccaccio ‘70“ (De Sica, Fellini, Monicelli, Visconti) einige der wichtigsten Filmemacher ihrer Zeit – und vereinten sie eben doch nicht. Zusammenhanglos und stilistisch disparat reihen sich die einzelnen Episoden aneinander und generieren maximal einen schlecht vernähten Human Centipede. Dafür trägt kaum jemand sein sauer verdientes Geld an die Kinokasse.

Anders im TV. Hier funktionierte die episodische Erzählform zeitweise erstaunlich gut. Shows wie „The Twilight Zone“ (1959 – 1964), „The Outer Limits“ (1963 – 1965), Alfred Hitchcock Presents“ bzw. später „The Alfred Hitchcock Hour“ (zusammen 1955 – 1965) erfreuten sich aufgrund ihrer kinotauglichen Machart, cleveren Plots und fantastischen Stoffe langanhaltender Beliebtheit. Erstmals ergab sich die Gelegenheit, die große Leinwand in konzentrierter Form auf den heimischen Bildschirm zu holen – und das lange vor der Erfindung von VHS und Betamax.

In den 80ern konnte das Format auf der Hochphase des Videothekenbooms ein moderates Revival verbuchen. Eine Neuauflage der „Twilight Zone“ hielt sich von 1985 bis ‘89, die ähnlich gelagerten „Amazing Stories“ aus der Spielberg-Schmiede, sowie „Freddy’s Nightmares“, der TV-Ableger der erfolgreichen „Nightmare on Elm Street“-Reihe, brachten es jeweils immerhin auf zwei Staffeln, und die von Stephen King und George A. Romero initiierte Horroranthologie „Creepshow“ wurde dank VHS zum Kulterfolg mit zwei (qualitativ eher dürftigen) Fortsetzungen.

Dem spezifischen Spartenpublikum, das sein Lieblingsgenre im Jahrzehnt von Schulterpolstern und Fokuhila am liebsten vor dem heimischen Bildschirm konsumierte, kam das episodische Format entgegen – erlaubte es doch nächtelange Filmsessions ohne die Notwendigkeit erhöhter Aufmerksamkeit. Danach war für fast zwei Jahrzehnte allerdings weitestgehend Schluss mit Fastfood-Grusel (wenn auch nicht zuletzt wegen des allgemeinen Abebbens der Horrorwelle über die gesamten 90er hinweg).

Inzwischen hat sich die Lage merklich gewandelt. Zwischen 2005 und 2008 rief US-Filmemacher Mick Garris mit „Masters of Horror“ und „Fear itself“ zwei TV-Reihen ins Leben, die das altgediente Format mit Unterstützung von wichtigen Genre-Vertretern wie Clive Barker, John Carpenter, Stuart Gordon, John Landis oder Dario Argento wiederzuerwecken versuchte. Die drastischeren „Masters“ auf dem Bezahlsender Showtime hinterließen dabei deutlich mehr Eindruck als die vergleichsweise harmlose Nachfolgeshow des frei zugänglichen Broadcasters NBC. Doch auch wenn beide Varianten relativ bald wieder von den Bildschirmen verschwanden, hatte Garris auch mithilfe der anschließenden DVD-Verkäufe immerhin bewiesen, dass grundsätzlich ein neuer Markt für das Format existierte.

Als dann Ende 2010 die Produktion einer Horroranthologie mit dem Titel „Paris, I’ll kill you“ angekündigt wurde, ließ das eine Menge von Genrefans aufmerken, denn die Liste der Beteiligten konnte sich sehen lassen: Christopher Smith, Vincenzo Natali, Xavier Gens, Ryuhei Kitamura, Paco Plaza, Julien Maury, Alexandre Bustillo, sowie Altmeister Joe Dante sollten Beiträge leisten. Doch die anfängliche Euphorie schlug bald in Ernüchterung um. Die Finanzierung kam nicht zustande und die Endstation hieß wie so oft „Development Hell“.

Doch die Entwicklung an sich stoppte das Zögern der Investoren nicht. Die Sehgewohnheiten haben sich gewandelt und mit dem Siegeszug von YouTube, Vimeo und anderen Videoportalen hat der Kurzfilm an sich heute längst einen anderen Status. Weniger Zeit im Alltag, geringere Aufmerksamkeitsspannen und mobiler Filmkonsum auf Smartphones und Tablets kommen den zeitlich überschaubareren Formaten entgegen. Im Horrorumfeld funktionieren die „Fast Thrills“ besonders gut und einzelne Filmemacher (allen voran: Drew Daywalt) haben die kurze Erzählform mit maximalem Schockwert längst zu überraschender Perfektion geführt.

Für den Omnibusfilm stellt das – jedenfalls in diesem Genre – eine gute Ausgangslage dar, denn wo die Abfolge mehrerer komprimierter Erzählungen beim Zuschauer früher vor allem unter mangelnden Zusammenhalt gelitten hat, ist sie unter den veränderten Bedingungen gerade von Vorteil. Das zwischen 2011 und 2012 entstandene Episodenprojekt „ABCs of Death“ macht sich diese Ausgangslage konsequent zunutze. Ganze 26 Kurzfilme von ebenso vielen Regisseuren skizzieren zu je einem Buchstaben des Alphabets eine knapp 4-minütige Geschichte, die kaum Raum zum Reflektieren lässt. Im Grunde ein auf die Leinwand projizierter YouTube-Channel.

Das Konzept darf man jedoch getrost als Ausnahmeerscheinung betrachten (mögliche Sequels nach gleichem Schema einmal ausgeschlossen), zumal die radikale Kürze der einzelnen Kapitel die Grundvoraussetzung ist. Merklich klassischer sind die Macher von „Chillerama“ vorgegangen. Drei Episoden mit einer Rahmenhandlung, aus der sich am Ende eine eigene Geschichte entwickelt – das scheint auf den ersten Blick eher konservativ. Doch das Konzept ist wesentlich cleverer und findet einen Weg, die einzelnen Segmente in einen unterhaltsamen Meta-Kontext einzubinden:

Am Abend vor der Schließung seines Drive-in-Theaters will es der Besitzer noch einmal wissen und zeigt seinem Publikum drei Raritäten aus der Mottenkiste des B-Films: eine unterleibslastige US-Variante des japanischen Monsterfilms, ein schwulenfreundliches Werwolf-Musical und echten Nazisploitation-Nonsens. Dass sich währenddessen ein hormongesteuerter Zombie-Virus unter den Besuchern ausbreitet, merken alle Beteiligten allerdings erst, als an Flucht schon nicht mehr zu denken ist.

Im Grunde stellt „Chillerama“ die kleinere, aber besser funktionierende Ausgabe von „Grindhouse“ dar: kompakter, geschmackloser, leichter zu konsumieren. Die einzelnen Segmente stehen disparat nebeneinander und sind doch zugleich schlüssig in die Rahmenhandlung eingebunden. Jede Episode hat ihren eigenen Stil und bleibt unabhängig vom Rest des Films. Das macht sie zwar austauschbar, erlaubt aber zugleich ebenso unbeschwertes wie abwechslungsreiches Zuschauen. Und das inklusive einer fortlaufenden Narration, denn die Zwischensegmente der Rahmenhandlung haben ihre eigenen Handlungsstränge.

Die nächsten Jahre werden zeigen, in welche Richtung sich der Omnibusfilm im Horrorgenre entwickelt, doch die zunehmende Anzahl der mittlerweile aktuell produzierten Beispiele (viele davon im Low-Budget-Umfeld) spricht dafür, dass ein mehr oder weniger stark ausgeprägtes Bewusstsein für die Marktfähigkeit des Formates zunehmend auf dem Vormarsch ist. Vor allem für junge Filmemacher kann das ein gutes Zeichen sein. [LZ]

[Abbildungen: Ariescope | screencaptures]

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Erstaunlich wenig Werbeaufwand für eine Produktion dieser Größenordnung: „Oblivion“ erschien auf den deutschen Leinwänden mehr oder weniger von heute auf morgen und fast gänzlich ohne die übliche 360°-Vorab-Penetration. Ebenso bemerkenswert: Die mit geschätzten 120 Millionen Dollar ansehnlich budgetierte Scifi-Fantasie sollte ihren US-Start erst eine ganze Woche später als der überwiegende Rest der Welt erleben (Japan ausgenommen) – und das nicht etwa, weil man einem wichtigen Mitbewerber um die Publikumsgunst weichen musste. Zudem lässt ein Rezensions-Embargo bis einen Tag vor der Premiere gewöhnlich nichts Gutes erwarten.

Vielleicht war man nach den wenig berauschenden Einspielergebnissen von „Jack Reacher“ vorsichtig geworden, was die Zugkraft von Hauptdarsteller Tom Cruise anging und hielt sich deshalb mit der Verschwendung von Werbeetats zurück. Vielleicht wollte man aus demselben Grund den außeramerikanischen Markt nicht mit mittelmäßigen heimischen Besucherzahlen negativ beeinflussen. Und vielleicht befürchtete man wenig wohlwollende Kritik, die vorab für schlechte Mundpropaganda hätte sorgen können (was erstaunlich genug wäre angesichts des geringen Wertes, den die Studios professionellen Rezensionen heute beimessen). Alles in allem: Welche strategischen Überlegungen und Bedenken hier auch immer am Werk gewesen sein mögen, der Film selber ist jedenfalls nicht das Problem.

Ganz im Gegenteil, möchte man hinzufügen. Das erste Drittel ist geradezu (und hier besteht auch kein Anlass zu kritischer Bescheidenheit) berauschend. Wenn man etwa die arg komplizierte und viel zu lange Exposition aus dem Off nur am Rande nachvollziehen kann, so liegt das weniger an der eigenen Begriffsstutzigkeit als vielmehr daran, dass die auf visuelle Überwältigung getrimmten Bilder ungeteilte Aufmerksamkeit für sich beanspruchen. Und als wäre das nicht genug, liefert die Tonspur obendrauf noch eine alles vereinnahmende großorchestral-elektronische Bombastarchitektur (des französischen Electro-Duos M83), die einem endgültig die Sinne vernebelt. Hier ist jeder Widerstand schlicht zwecklos.

Schauplatz ist eine postapokalyptische Erde, lange Jahre nach dem mit Nuklearwaffen geführten Verteidigungskrieg gegen außerirdische Invasoren. Die verbliebene Menschheit, so erfahren wir, ist auf den Saturnmond Titan ausgewandert, während auf dem Heimatplaneten nur noch einige wenige Dronenmechaniker stationiert sind, die beim Aufräumen helfen und sicherstellen, dass die letzten Ressourcen reibungslos abgezogen werden können. Einer von ihnen ist Jack Harper (nicht mit Charlie, Jake und Alan verwandt). Zusammen mit seiner Partnerin Victoria, die ihn während seiner Außeneinsätze von einer gesicherten Basisstation kilometerweit über der Erdoberfäche aus überwacht, steht er kurz vor Beendigung seiner Aufgabe und der Weiterreise zu Titan. Doch seltsame Erinnerungen an die Zeit vor der Invasion halten sein aus Sicherheitsgründen gelöschtes Gedächtnis wach. Warum fühlt er sich dem radioaktiv verseuchten Planeten verbundener als er eigentlich sollte?

Die Geschichte beginnt vielversprechend, kann aber die hohen Erwartungen, die sie weckt, nicht wirklich erfüllen. Das mag bedauerlich sein, ist aber kein ernstzunehmendes Problem, denn „Oblivion“ genügt sich als eklektische Hommage ohne Meilensteinanspruch. Und so hat Autor und Regisseur Joseph Kosinski (und seine gerüchteweise janusköpfige Drehbuch-Armada) auch ausgiebig bei so ziemlich allem Motivsuche betrieben, was innerhalb der letzten beiden Jahrzehnte unter dem Label Science-Fiction über die Leinwand geflimmert ist. „Moon“, „Wall-E“, „Terminator Salvation“ und „Matrix“ sind wahrscheinlich die Haupteinflüsse, doch die Bausteine reichen auch weiter zurück bis zu „Alien Resurrection“, „Logan’s Run“ oder gar „Zardoz“. Wer eine vollständige Liste machen will, braucht einen großen Bogen Papier.

Tiefgründiges sollte man nicht erwarten, auch wenn der Film sich vermutlich selber gerne so sieht. Zivilisationskritik, Doppelgängertum, Messianismus, Metempsychose – das ist alles zuviel für den letztlich doch recht simplen Widerstandsplot, wie man ihn aus den meisten Starvehikeln für Hauptdarsteller Tom Cruise kennt. Doch wie gesagt, das ist alles halb so schlimm, denn „Oblivion“ unterhält ganz prächtig, sieht exzellent aus und kann sogar überraschen. Dass der Film dabei der Versuchung multipler Enden erliegt, wie sie seit Peter Jacksons drittem Ringe-Teil immer mal wieder durch die Drehbücher geistert, lässt sich hinnehmen. Jedenfalls ist es Kosinski nach dem eher ermüdenden „Tron Legacy“ gelungen, einen eigenständigen Blockbuster ganz ohne 3D und Sequelambitionen vorzulegen. Und das darf man durchaus beachtlich finden. [LZ]

OT: Oblivion (USA 2013) REGIE: Joseph Kosinski. BUCH: Joseph Kosinski, Karl Gajdusek, Michael Arndt. MUSIK: Anthony Gonzalez (M83), Joseph Trapanese. KAMERA: Claudio Miranda. DARSTELLER: Tom Cruise, Andrea Riseborough, Olga Kurylenko, Morgan Freeman, Nikolaj Coster-Waldau, Melissa Leo, Zoe Bell. LAUFZEIT: 126 Min.

[Abbildungen: Universal Pictures Germany]

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Geschmacklos, albern, tromaesk – und das ganz ohne Zutun von Llloyd Kaufman. Nichts desto trotz hat das, was die Viererbande Adam Rifkin, Tim Sullivan, Adam Green und Joe Lynch hier ohne nennenswerte Zurückhaltung abgeliefert hat, eine Menge mit dem sehr eigenwilligen Anarcho-Stil zu tun, für den das langlebigste Independent-Studio der Filmgeschichte berüchtigt ist. Ursprünglich als Hommage an das klassische Horrormagazin „Famous Monsters of Filmland“ konzipiert, vereint „Chillerama“ vier hemmungslose Varianten archetypischer B- und Exploitation-Filme aus dem Fundus längst vergangener Drive-in-Zeiten. Das ist prinzipiell durchaus meta, vor allem aber mega gaga.

Tabubrüche gehören hier zum guten Ton. Von Nekrophilie bis Holocaust ist alles dabei, und manches davon bereits in den ersten Minuten. Wer also nicht frühzeitig aussteigt, darf sich nachher nicht beschweren. Generell teilt sich „Chillerama“ mit „Grindhouse“ die Grundidee eines fiktionalen Double- bzw. Triple-Features. Doch im Gegensatz zum Kassengift des Duos Tarantino/Rodriguez sind die einzelnen Programmbestandteile in eine Rahmenhandlung eingebaut, aus der am Schluss gar eine eigene Episode erwächst. Der Plot bleibt trotzdem eher überschaubar.

Es ist der letzte Abend vor der Schließung seines Drive-in-Kinos, doch bevor die Leinwand unwiderruflich aufgerollt wird, will es der suizidgefährdete Betreiber Cecil B. Kaufman (also DeMille und siehe oben) noch einmal wissen. Vier verloren geglaubte Anti-Meisterwerke des Trash-Kinos sollen den Besuchern in ihren fahrbaren Untersätzen zum letzten Mal eine Überdosis Schlock und Schreck verpassen. Doch während die Vorstellung mit Eventcharakter nach gewohntem Schema abläuft, macht sich unter den Zuschauern langsam aber sicher echtes Grauen breit: Ein Virus verwandelt die Anwesenden in sexbesessene Zombies und sorgt für ein finales Schlachtfest aus Blut und Sperma.

Ausgedacht hat sich Rahmenepisode mit dem wortspielerischen Titel „Zom-B-Movie“ der zuletzt wenig glückliche Joe Lynch („Wrong Turn 2“), und es wäre verlockend, die völlig aus dem Ruder laufende Untoten-Orgie als Reaktion auf die unerfreulichen Entwicklungen um seinen aktuellen Film, die Fantasykomödie „Knights of Badassdom“, zu interpretieren (Lynch wurde die Kontrolle komplett entzogen). Doch die Chronologie der Ereignisse spricht dagegen. Stattdessen hat man es eher mit einer spätpubertären Verklemmtheits-Fantasie zu tun, in der Sex entweder mit comicartiger Gewalt einhergeht oder einfach ausgeblendet wird.

Sex ist auch das Ausgangsproblem von „Wadzilla“, der ersten in die Rahmenhandlung eingebundenen Episode, für die Independent-Veteran Adam Rifkin („The Chase“) gleich Regie und Hauptrolle übernahm (inklusive absurdem Haarteil). Um seine Spermienproduktion anzukurbeln, erklärt sich der leicht zurückgeblieben Miles Munson auf Anraten eines dubiosen Arztes (der unverzichtbare Ray Wise) mit einer unerprobten Behandlungsmethode einverstanden. Zunächst sieht alles gut aus, doch die Nebenwirkungen sind enorm und am Ende wird New York von einem gigantischen Monsterspermium attackiert, dem nur noch das Militär (unter Führung von Eric Roberts) Einhalt gebieten kann.

Rifkins Segment imitiert Stil und Machart einschlägiger Monsterfilme der 50er und lässt dabei zugleich Erinnerungen wach werden an Woody Allens „Was Sie schon immer über Sex wissen wollten“ (bekanntlich ebenfalls ein Episodenfilm). Seinen Humor verdankt „Wadzilla“ aber vor allem einer ausgedehnten Slapstick-Einlage und profitiert zudem von den trashigen Spezialeffekten der Chiodo Brothers (bei Kennern in erster Linie als Macher des B-Film-Klassikers „Killer Klowns from Outer Space“ bekannt).

Anders die von Tim Sullivan („2001 Maniacs“) konzipierte zweite Episode, in der es durchweg homoerotisch zugeht. Angelegt als Parodie auf Jugenddramen wie „Rebel without a cause“, aber auch „Grease“ oder zahlreiche Elvis-Gurken, erweist sich „I was a Teenage Werebear“ als cleveres Coming-Out-Musical mit einigen überraschend schmissigen Gesangseinlagen. Nicht umsonst spielt Sullivan derzeit mit dem Gedanken, sein Segment zu einer kompletten Bühnenshow auszuweiten. Insgesamt ist „Werebear“ vielleicht die größte Überraschung des gesamten Films und könnte als „Gaysploitation“ durchaus ein neues Subgenre begründen.

Der vielleicht beste Beitrag kommt aber von Adam Green („Hatchet“), und „The Diary of Anne Frankenstein“ ist genau das, was der Titel verspricht: Eine respektloser Nazi-Burleske mit Homunkulus – also in etwa genau der Film, den in Deutschland niemand wagen würde. Rifkin und Sullivan hatten den Titel bereits festgelegt, als Green zum Projekt stieß und nun überlegen musste, was sich damit anfangen ließ. Das Ergebnis ist verblüffend gut gelungenes absurdes Theater.

In einer Dachkammer versteckt sich die jüdische Familie Frank vor dem Zugriff der Nazis. Eine Generation früher noch trug die Sippe den Namen „Frankenstein“, aber weil man mit den schauerlichen Experimenten des Großvaters nicht in Verbindung gebracht werden wollte, entschied man sich für die unverfänglichere Kurzform. Doch Hitler lässt sich nicht täuschen und ist hinter dem geheimen Tagebuch des Vorfahren her – birgt es doch die Anleitung zur Erschaffung eines künstlichen Wesens, mit dem sich der Holocaust bequem vorantreiben lassen würde.

Noch nicht geschmacklos genug? Keine Sorge. Green nutzt jede Gelegenheit für NS-Kalauer, Adolf-Slapstick und unendliche Dummheit auf reichsdeutscher wie jüdischer Seite. Ein alberner Führer, eine nymphomanische Eva Braun (die deutschstämmige Kristina Klebe), Kulissen, die in sich zusammenfallen und eine gänzlich absurde Umdeutung der Geschichte von Anne Frank machen dieses Segment zu echtem Nazisploitation. Am Ende gelingt Hitler die Erschaffung des Monsters Meshugannah („Jason Vorhees“-Darsteller Kane Hodder), doch sein Plan geht erwartungsgemäß nicht wirklich auf.

Green hat seine Episode selbstredend in Schwarzweiß gedreht und mit einem standardisierten Alterungsfilter versehen. Alle Darsteller parlieren in sauber antrainiertem Deutsch, nur Joel David Moore als Hitler muss mit einer chaplinesken Fantasiesprache auskommen. Wie das bei fremdsprachigen Zuschauern wirken muss, lässt sich leider nur vermuten.

„Chillerama“ ist im Ganzen fraglos nur für ein sehr spezielles Publikum wirklich unterhaltsam, aber die unterschiedlichen Ansätze der einzelnen Episoden verteilen das Risiko doch ausreichend genug, um auch unabhängig vom Rest auf sich aufmerksam zu machen. Adam Green und Joe Lynch sind übrigens seit letztem Jahr auch die Titelhelden der originellen Horror-Sitcom „Holliston“ auf dem US-Spartenkanal FearNet. Dass es die Produktion mit jeder Menge bekannter Genre-Stargästen allerdings jemals auch im deutschen TV zu sehen geben wird, kann man getrost bezweifeln. [LZ]

OT: Chillerama (USA 2011) REGIE, BUCH: Joe Lynch, Adam Rifkin, Tim Sullivan, Adam Green. MUSIK: Bear McCreary, Patrick Copeland, Andy Garfield. KAMERA: Will Barratt. DARSTELLER: Adam Rifkin, Ray Wise, Eric Roberts, Sarah Mutch, Ron Jeremy, Sean Paul Lockhart, Anton Troy, Tim Sullivan, Joel David Moore, Kristina Klebe, Kane Hodder, Jim Ward, Melinda Y. Cohen, Richard Riehle, Corey Jones, Kaili Thorne. LAUFZEIT: 115 Min. VÖ: 11.04.2013 auf DVD und Blu-ray.

[Abbildungen: Sunfilm/Tiberius]

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Wer sagt eigentlich, dass in der Hölle keine Ostereier versteckt werden? Eine Vorstellung davon, wer sich dafür einsetzen könnte, liefert Clive Barker heute über sein offizielles Facebook-Profil. Nicht unbedingt brauchtumskonform ist auch das, was sich Michael Dougherty für seinem bereits 2011 entstandenen kleinen Ableger des beliebten Halloween-Episodenfilms „Trick ’r Treat (Süßes, sonst gibt’s Saures)“ hat einfallen lassen. In beiden Fällen ist der Osterhase jedenfalls merklich verzichtbar geworden. Wir schließen uns den beiden an und wünschen auf diesem Weg allen unseren Lesern frohe Feiertage.

[Abbildungen: FearNet | facebook.com/officialclivebarker | instagram.com/viscerart]

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Im Finale von Tod Brownings 1932er Klassiker nehmen die titelgebenden Freaks (allesamt physisch deformierte Attraktionen einer Jahrmarktshow) grausame Rache an ihren Peinigern und machen sie gewaltsam zu Ihresgleichen. Den Freaks von „American Mary“ ist Derartiges fremd. Die einzigen Körper, die sie verunstalten, sind ihre eigenen, und das praktizieren sie mit Stolz und manchmal unter echtem Leidensdruck. Im Zentrum dieses Films, der scheinbar mühelos über den schmalen Grat zwischen Grand Guignol und Cassavetes hinweg balanciert, steht nichts desto trotz ein kompromissloser Racheengel und zugleich eine der bemerkenswertesten Frauenfiguren, die das Genre jemals hervorgebracht hat.

Mary Mason ist eine ebenso strebsame wie mittellose Medizinstudentin mit guten Aussichten auf eine vielversprechende Karriere als Chirurgin. Als ihre zunehmend prekärer werdende Schuldenlage sie dazu bewegt, in einem Nachtclub anzuheuern, wird sie überraschend zur Protagonistin einer illegalen Not-OP. Entsetzt, verstört, aber um 5000 Dollar reicher will sie die blutigen Ereignisse der Nacht schnell wieder vergessen. Doch ihr Ruf eilt ihr bereits voraus. Als Stripperin Beatress ihr ein verlockendes finanzielles Angebot macht, kann sie nicht widerstehen und führt eine bizarre Schönheitsoperation durch. Einmal und nie wieder, denkt sie sich, doch die Dinge nehmen eine radikale Wende. Ein furchtbares Ereignis erschüttert ihre Welt und Mary beschließt, sich fortan in den Dienst von Body Modification und Underground Surgery zu stellen – doch leider mit fatalen Folgen.

Wer im letzten Jahr auch nur ansatzweise die einschlägigen Festivals im Auge gehalten hat, konnte „American Mary“ schwerlich übersehen. Seit seiner Uraufführung im vergangenen August legte der zweite Langfilm der kanadischen Soska-Schwestern Jen und Sylvia einen derart beispiellosen Siegeszug hin, dass selbst Universal nicht mehr wegschauen konnte und sich die europäischen Vertriebsrechte in die Tasche steckte – für eine mit überschaubaren Mitteln realisierte Independent-Produktion ein echter Paukenschlag. Englands populärster Filmkritiker Mark Kermode zog gar anerkennende Parallelen zum Body Horror eines David Cronenberg und äußerte zugleich deutliches Unverständnis darüber, dass die Mehrheit seiner Kollegen den Film einfach links liegen lässt.

Man muss den Hype, der mit aktiver Unterstützung der Macher vor allem viral ausgebrochen ist, tunlichst ausblenden, um einen einigermaßen unvoreingenommenen Blick auf den Film zu bekommen. Schon im Umfeld ihres Erstlings, dem hierzulande noch gänzlich unbekannten „Dead Hooker in a Trunk“, hatten sich die Soskas als clevere Selbstvermarkter erwiesen, die keine Gelegenheit ungenutzt ließen, ihre eineiige Zwillingsschaft augenzwinkernd in den Mittelpunkt zu rücken. Doch wer angesichts des mit Videokamera und hemmungslosem Anarchismus umgesetzten Debüts glaubte, das Duo als eines von vielen kurzlebigen No-Budget-Phänomenen abhaken zu können, muss sein Urteil jetzt grundlegend revidieren und sich stattdessen mit dem Gedanken anfreunden, dass die selbsternannten „Twisted Twins“ vielleicht gar die weibliche Variante der Coen-Brüder sein könnten.

„American Mary“ jedenfalls ist deutlich vielschichtiger und raffinierter, als man auf den ersten Blick meinen könnte. Oberflächlich betrachtet, vereint und variiert der Film auf geschickte Art gängige Subgenre-Motive aus dem Umfeld von Rape/Revenge und Torture Porn. Bei genauerem Hinsehen jedoch sind das lediglich Bausteine einer eigenwilligen Rachetragödie, bei der die Wiederherstellung der Gerechtigkeit auf mehrere Ebenen verlagert wird. Mary stürzt im Grunde zweimal, zunächst schlagartig und in der Opferrolle, dann schleichend langsam und als Täter. Die symbolische Dichte des Films ist dabei ebenso hoch wie unauffällig.

Auf- und Abstieg Marys etwa finden ihre räumliche Widerspiegelung in der Position der Orte, an denen sich die einschneidenden Dinge ereignen, die ihren Wandel einleiten. Ihre erste illegale Not-OP etwa findet in einem Kellergewölbe statt; auf einer der oberen Etagen eines Hochhauses wird sie zum wehrlosen Opfer eines gnadenlosen Gewaltaktes; und im Aufzug auf dem Weg nach unten lässt sie alles hinter sich, woran sie bis dato geglaubt hat. Aber auch sonst sind die Verhältnisse von oben und unten bezeichnend für Marys Entwicklung. Wenn sie mit ihrem Peiniger die Rollen tauscht, dann tauschen sie auch die Position (und den Status völliger Wehrlosigkeit). Erst bei ihrer letzten Begegnung wird oben und unten wieder verteilt sein wie zu Beginn, doch dann liegt die Erniedrigung darin, dass das Opfer zwar auf seinen Peiniger herabblickt, ihm dabei aber gänzlich ausgeliefert ist.

Das muss einem ziemlich sophisticated erscheinen, und auch sonst ist die motivische Architektur des Films alles andere als beliebig. „American Mary“ erweist sich als Film über Transformation, und das betrifft nur auf sichtbarer Ebene die körperlichen Veränderungen der Body-Modification-Community. Die Protagonistin selber erlebt dabei die radikalste Verwandlung von allen, doch auch diese vollzieht sich – wie bei ihren Klienten – über einen physischen Akt als Zerrbild eines chirurgischen Eingriffs. Die junge Frau, die der Zuschauer zu Beginn kennen lernt, hat mit der Figur, zu der sie mit einem Schlag wird, nicht mehr viel zu tun. Marys Transformation ist in gewissem Sinne eine Wiedergeburt durch passiv erlebte Gewalt.

Ihre Vorbilder entpuppen sich vor ihren Augen als hedonistische Soziopathen („Ich werde dafür bezahlt, Menschen aufzuscheiden“, stellt ein angesehener Chirurg fest und begleitet seine Erkenntnis mit hysterischem Lachen). Die bizarren Freaks mit ihren freiwillig herbeigeführten Deformationen hingegen, aber auch die halbseidenen Gestalten und gewalttätigen Kriminellen am Rande der Gesellschaft, werden zu Freunden, Verbündeten und Bewunderern. Hier herrscht ein ganz eigener Ethos, und Mary, der weibliche Paulus (oder Saulus, je nach Perspektive) wandelt als dunkler Messias zwischen den Welten, bestrebt, diejenigen zu erlösen, die von der Normalität ihrer Körper unterdrückt werden, und jenen Angst einzujagen, die nicht nach den Regeln spielen wollen. Ihr grausames Meisterstück steht dem finalen Schockeffekt von Brownings Jahrmarkthorror in nichts nach.

Parallele Welten, Spiegelungen, Doppelgänger – in „American Mary“ gibt es überall ein Vorher und Nachher, ein Nebeneinander von Gegensätzen, ein Sowohl als Auch. Es sind die Zutaten eines finsteren Märchens, die der Geschichte ihre Koordinaten geben. Der Wandel der Hauptfigur ist viel zu rasch und radikal, um wirklich realistisch zu sein, zu rasant ihr Aufstieg im Wunderland der Community aus Freaks und Fabelwesen, als dass der Zeitstrahl der Außenwelt (in der eine Mordermittlung im Gange ist) mithalten könnte. In parallelen Welten ticken die Uhren unterschiedlich, und Mary muss gelegentlich zwischen ihnen hin und her navigieren. Gleich zwei Ritter wollen sie erlösen, doch entstammt jeder von ihnen einer anderen Seite des Spiegels. Dass dabei keiner wirklich etwas ausrichten kann, beruht schlichtweg auf der Unvereinbarkeit der beiden Welten. Am Ende steht eine Eruption aus Hass und Gewalt, die genau dort ihre Wurzeln hat.

Es wäre echte Küchenpsychologie, eine derartige Doppelhelix der Motive auf die Zwillingsschaft der beiden Filmemacherinnen zurückzuführen. Doch was bleibt einem übrig, wenn sie sich nicht nur selber in die Geschichte einbauen (nur deutlich weniger dominant als zuvor bei „Hooker“), sondern zugleich auch die absurdeste Operation von allen an sich durchführen lassen? Als „Demon Twins from Berlin“ (der wiedervereinten, einst geteilten Stadt) lassen sie je einen ihrer Arme austauschen, um selbst nach dem Tod einer Schwester noch als Zwillinge leben zu können. Mehr Meta geht nicht.

„American Mary“ ist ein radikales, irrwitziges, dunkles und zugleich traumhaft schönes Stück Kino, das bei wiederholtem Ansehen zunehmend an Tiefe gewinnt. Eng verwandt mit Clive Barkers „Nightbreed“ und vom Geist des französischen und asiatischen Horrorkinos beseelt, spielt dieser Film im Genre-Umfeld unbestreitbar in einer ganz eigenen Liga. Dass die Soskas ihrer Hauptdarstellerin, der großartigen Katharine Isabelle („Ginger Snaps“), ganz nebenbei die Rolle ihres Lebens auf den Leib geschrieben haben, versteht sich von selbst. [LZ]

OT: American Mary (USA 2012) REGIE, BUCH: Jen Soska, Sylvia Soska. MUSIK: Peter Allen. KAMERA: Brian Pearson. DARSTELLER: Katharine Isabelle, Tristan Risk, Antonio Cupo, John Emmet Tracy, David Lovgren, Clay St. Thomas, Paula Lindberg, Twan Holliday, Nelson Wong, Sylvia Soska, Jen Soska. LAUFZEIT: 103 Min (dt. 98 Min). VÖ: 28.03.2013 auf DVD und Blu-ray.

[Abbildungen: Universal Pictures Germany]

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Es ist immer erfreulich, wenn ein Film den Erkenntnishorizont seines Publikums erweitert. Im Fall der 2009er Wiedergeburt des langlebigsten aller Horrorfilm-Reihen zum Beispiel klärte eine schlichte Infotafel bereits zu Beginn darüber auf, dass ein Remake inhaltlich nicht identisch mit dem Original sein muss. Der fleißige Kinogänger hat sich das zwar schon immer gedacht, doch hier bekam er es endlich auch einmal schwarz auf weiß (bzw. umgekehrt). – Welche dubiosen rechtlichen oder marktstrategischen Hintergründe diese Richtigstellung auch immer haben mochte, der bislang letzte Baustein im nicht totzukriegenden Slasher-Franchise um den Mann mit der Hockeymaske hielt sich daran und war im Wesentlichen eben keine Neufassung des Films von 1980.

Das hat seinen guten Sinn, denn die Figur selber, der die Serie ihre ungemeine Popularität verdankt, hatte in dem billig produzierten, mittelmäßig inszenierten und talentfrei gespielten Original überhaupt keinen Auftritt. Im Fahrwasser von „Halloween“ entstanden, bedienten sich Regisseur Sean S. Cunningham und Autor Victor Miller nicht nur fleißig bei John Carpenters erfolgreichem Vorstadthorror, sondern griffen auch beherzt bei „Psycho“ zu – nur dass die Rollen vertauscht wurden. So war es eben nicht der ödipal verkorkste Sohn, sondern eine rachebesessene und geistig umnachtete Mutter, die für jede Menge ebenso einfallsreiches wie drastisches Abschlachten hormongesteuerter Teenager sorgte.

Die spätere stumme Ikone des Schlitzerfilms namens Jason Voorhees (Vorsicht vor holländischen Einwanderern) erschien lediglich als untotes Kind in einer jener schockartigen Traumsequenzen, die seit Brian De Palmas „Carrie“ so effektiv die Leichtgläubigkeit des Zuschauers ausnutzen und immer mal wieder für einen zusätzlichen Adrenalinstoß vor den End Credits gut sind. Erst der unerwartet große Erfolg des Films hatte den Gedanken geboren, den Jungen, der zwei Jahrzehnte zuvor der Unachtsamkeit seiner Betreuer wegen im Crystal Lake ertrunken war und damit den Rachefeldzug seiner Mutter gegen alle Teenager dieser Welt ausgelöst hatte, einfach zum erwachsenen Untoten zu erklären und fortan selber mordend über die Leinwand ziehen zu lassen.

Cunningham konnte mit der Idee wenig anfangen und klinkte sich aus. Erst 1983, nachdem alles andere, was er als Filmemacher zu initiieren versucht hatte, nicht so richtig zünden wollte, stieg er wieder in die Serie ein und produzierte bis heute vier weitere Teile mit. Dass er im Grunde eigentlich gar nichts zum Erfolg des Franchise beigetragen hat, wohl aber sein Leben lang davon zehren wird, ist ein echter Treppenwitz der Filmgeschichte.

1981 erschien die Figur des Jason zum ersten Mal (damals noch ohne Maske) und wurde schnell zum Urbild des ikonischen Serienschlächters – wortlos, ultrabrutal, unkaputtbar und mit einer bemerkenswerten Instinktsicherheit ausgestattet. In seinen Tötungsszenarien einfallsreicher als Michael Myers, aber weitaus fantasie- und humorloser als Freddie Krueger (weshalb das Zusammentreffen der beiden 2003 auch nur bedingt funktionieren konnte), zudem meilenweit entfernt von der sadistischen Eloquenz eines Pinhead (aus Clive Barkers „Hellraiser“-Serie), zementierte er einen seltsamen Typus von Projektionsfläche, die zusammen mit den vier anderen Figuren trotz eines minimalen Variationsspektrums bis heute äußerste Langlebigkeit aufweist.

Nirgendwo greift das Gesetz der Serie so punktgenau wie im Slasher-Genre, und die Wiederbelebung, die nach und nach alle Beteiligten dieses Quartetts erfuhren (Pinhead erst kürzlich mit „Hellraiser: Revelations“), stellt lediglich eine Anpassung an veränderte Sehgewohnheiten dar. Wie groß der Bedarf nach einer zeitgemäßen Erneuerung derart bewährter Konzepte ist, zeigte das sensationelle US-Startwochenende, das den Film mit satten 43 Millionen Dollar (bei einem Budget von 19 Millionen) auf den ersten Platz der Kinocharts katapultierte. Fast drei Jahrzehnte nach dem Original mordete sich Jason unter der Regie von Marcus Nispel (zuletzt wenig erfolgreich mir seinem „Conan“-Reboot) bereits nach der ersten Viertelstunde munter durch die dünne Handlung und sorgte dabei für blutigen Schrecken. Beim US-Publikum kam das erstaunlich gut an.

Während zum gleichen Zeitpunkt etwa Tom Tykwers solider bis belangloser Verschwörungsthriller „The International“ kaum auf nennenswertes Interesse stieß, zeigte Jasons Rückkehr auf die große Leinwand einmal mehr, dass praller Horror in Krisenzeiten besonders gut funktioniert. Wer will sich schon das skrupellose Treiben von Großbanken im Kino ansehen, wenn er es seit Monaten täglich in den Nachrichten serviert bekommt? Richtig, niemand. Um wie vieles verlässlicher, überschaubarer und vor allem irrealer ist da das amoralische Gemetzel des Hockeymaskenträgers?

Mit ihrem Beitrag (dem insgesamt zwölften der Reihe) wiederholen die Initiatoren Andrew Form und Brad Fuller ihr zuvor vielfach bewährtes Remake-Konzept. Mal mehr, mal weniger gut funktionierte der modernisierte Neuansatz bereits bei „The Texas Chainsaw Massacre“ (ebenfalls unter der Regie von Nispel), „The Amityville Horror“, „The Hitcher“ und schließlich im Folgejahr bei „A Nightmare on Elm Street“. Zeitgemäße Optik, drastischere Gewalt, doch im Grundsatz keine allzu weite Abweichung von den Vorgängern, so lautet das schlichte, aber verkaufsfördernde Rezept.

Im Fall von Jasons Rückkehr gab es als Bonus jede Menge nackte Haut und ein bisschen Beischlaf zu sehen (im Slasher-Genre immer ein passender Anlass für den bigott erzogenen Schlitzer, strafend einzugreifen). Was den Film zudem von der Vielzahl der Asia-Remakes und Torture-Pornos seiner Zeit abhob, war die konsequente Gnadenlosigkeit, mit der nicht nur die üblichen Bauernopfer dran glauben mussten, sondern auch die Sympathieträger abgemetzelt wurden. Vor Jason ist niemand sicher, und daran ließ das Reboot keinen Zweifel.

Zugleich bewahrte diese Form der Konsequenz den Film davor, in die Selbstparodie abzustürzen. Denn während die Serie nach den ersten vier Teilen, an die sich Nispels Fassung im Wesentlichen anlehnte, zunehmend ihres Schreckens verlustig gegangen war und immer absurdere Szenarien entwickelte (inklusive eines Science-Fiction-Plots im von Todd Farmer konzipierten „Jason X“ mit Gastauftritt von David Cronenberg), setzte dieser „Freitag, der 13.“ gänzlich auf blankes Entsetzen.

Vom Paramount-Logo in blutigem Rot bis zum schocklastigen Finale gab es keinen Raum für ein relativierendes Augenzwinkern, und Steve Jablonskys äußerst drastischer Soundtrack (Elektronik wie sie seit den einschlägigen Partituren von Maurice Jarre und Jerry Goldsmith nicht mehr im Kino zu hören war) trug das Seine dazu bei, dass jeder bloße Gedanke an ein befreiendes Lachen bereits im Keim erstickt wurde.

Bis heute halten sich die Gerüchte über ein Sequel, das angesichts des beachtlichen Kassenerfolgs eigentlich längst überfällig ist. Von einem winterlichen Setting bis zu kostengünstigem Found-Footage lässt sich eine Menge Spekulation finden, offizielle Bestätigungen blieben bislang aber aus. Dass eine Fortführung des Franchise jedoch früher oder später stattfinden wird, gehört zu den Naturgesetzen der Branche. [LZ]

[Abbildungen: Paramount Home Entertainment (Remake 2009)]

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Vielfach preisgekrönt, kontrovers diskutiert und am 20. März zum ersten Mal auch in Deutschland zu sehen: „House for Sale“, ein 18-minütiger Kurzfilm der Kanadierin Eisha Marjara („Desperately Seeking Helen“), läuft im Programm des diesjährigen Transgender Film Festivals in Kiel. Das Drei-Personen-Stück um sexuelle Identität vor dem Hintergrund einer bürgerlichen Fassade hat bislang vor allem auf einschlägigen Queer- und Gay-Festivals für Begeisterung gesorgt und zahlreiche Auszeichnungen davongetragen.

Sorgsam komponierte Bilder, eine raffiniert-schonungslose Erzählung und nicht zuletzt die vielschichtige Darstellung von Atif Saddiqi machen „House for Sale“ zu einem einprägsamen Drama, das sein provokantes Grundkonzept auf effektive Weise verdichtet. Eisha Marjara hatte erstmals 2000 auf sich aufmerksam gemacht, als ihr Dokumentarfilm „Desperately Seeking Helen“ in Locarno mit dem Prix de la Semaine de la Critique ausgezeichnet worden war. Der kanadische Schauspieler Neil Napier ist in seiner Heimat durch die Serie „Bullet in the Face“ bekannt, in der er an der Seite von Eddie Izzard zu sehen ist.

[Abbildungen: Magic Carpet Films | Productions 7e Vague Inc.]

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Nein, der Titel bezieht sich nicht darauf, dass praktisch alle Figuren dieses Films als blutleere Blaupausen daherkommen, um deren Leben oder Sterben sich kein Zuschauer ernsthaft schert. Im Countdown-Slasher ist das an sich nichts Ungewöhnliches, macht die Sache aber auch nicht besser. Denn wo einzig interessiert, wer als nächstes niedergemetzelt wird und auf welche Weise, da besteht weder sonderliches Identifikations- noch Innovationspotential. Wem allerdings serielles Dahinschlachten als Dramaturgie ausreicht, der ist bei „No one lives“ an der richtigen Adresse. Vor diesem Hintergrund ließe sich die zweite US-Arbeit von Ryuhei Kitamura eigentlich mit einem Schulterzucken abhaken. Die Tatsache jedoch, dass eben kein beliebiger Miethengst auf dem Regiestuhl gesessen (oder Michael Bay produziert) hat, erfordert dann doch ein genaueres Hinsehen.

Zumal Eröffnungssequenz und erster Akt durchaus vielversprechend ausfallen: Ein Mädchen versucht panisch, ihren Verfolgern zu entkommen und wird in letzter Sekunde auf spektakuläre Weise eingefangen. Ein junges Paar reist mit seinem gesamten Hab und Gut durchs Land, während zwischen ihnen ein dunkles Geheimnis zu stehen scheint. Eine innerlich zerstrittene Gang wird beim Ausrauben einer Villa von den Besitzern entdeckt und richtet ein Blutbad an. Als ihre Mitglieder wenig später auf das Pärchen treffen, eskalieren die Dinge auf unerwartete Weise, denn manches ist keineswegs so, wie es auf den ersten Blick erscheint.

Das sind in etwa die ersten 20 Minuten, und die haben es durchaus in sich. Kitamura setzt den Auftakt effektiv in Szene, danach schraubt er das Tempo sichtbar zurück und lässt den parallel verlaufenden Handlungssträngen und offenen Fragen Zeit, sich zu entfalten. Eine Weile scheint es unmöglich zu sagen, in welche Richtung sich die Geschichte entwickelt, und so gibt der ansteigende Spannungsbogen einiges her. Umso ernüchternder muss wirken, was folgt.

Ein überraschender Twist stellt alles bis dato Gezeigte in Frage und eröffnet ungeahnte Möglichkeiten. Doch anstatt die auf der Hand liegenden Möglichkeiten zu nutzen, verfällt der Film in eine simple Slasher-Routine, die offenbar einzig mit hohem Blutanteil und möglichst absurden Tötungsmethoden punkten will. Unerwartet ist hier jedenfalls nichts mehr, und wer gar Logik oder Glaubwürdigkeit erwartet, muss von allen guten Geistern verlassen sein. Zu allem Überfluss bewegen sich die Schauspieler inklusive Luke Evans („Der Hobbit“) durchweg am Rand der Charge und fügen ihren eindimensionalen Figuren nichts Wesentliches hinzu.

Die Schuld liegt aller Wahrscheinlichkeit nach in erster Linie am Drehbuch von Newcomer David Cohen, dem so etwas wie Charakterzeichnung offenbar unbekanntes Terrain ist. Für den Japaner Kitamura jedenfalls, der 2008 mit „Midnight Meat Train“ sein US-Debüt gab und gleich eine der besten Clive-Barker-Adaptionen überhaupt ablieferte, war „No one lives“ ein echter Fehlgriff. Dass er visuell zumindest im ersten Drittel einiges aus der missglückten Geschichte herausholt, spricht immerhin für ihn.

Sein nächstes Projekt „Marble City“ ist erneut eine amerikanische Produktion. Es bleibt zu hoffen, dass er bei der Stoffauswahl diesmal wieder eine glücklichere Hand gehabt hat. [LZ]

OT: No one lives (USA 2012) REGIE: Ryuhei Kitamura. BUCH: David Cohen. MUSIK: Jerome Dillon. KAMERA: Daniel Pearl. DARSTELLER: Luke Evans, Adelaide Clemens, Derek Magyar, Beau Knapp, America Olivo, Lee Tergesen, Lindsey Shaw, George Murdoch, Laura Ramsey, Gary Grubbs. LAUFZEIT: 86 Min.

[Abbildungen: Tiberius Film | WWE Studios]

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Gar nichts – so lautet vermutlich die einzig sinnvolle Antwort auf diese derzeit heiß diskutierte Frage. Doch daran scheiden sich die Geister. Folgendes ist der Anlass: Fünf Jahre nach Ende der hierzulande im späten ZDF-Nachtprogramm gut versteckten US-Serie „Veronica Mars“ hat Showrunner Rob Thomas jetzt bewiesen, dass die Fans nicht nur immer noch großes Interesse an einer Fortsetzung haben, sondern auch bereit sind, dafür vergleichsweise tief in die eigene Tasche zu greifen.

2007 war die kurzlebige Serie um die titelgebende Schülerin (später Studentin), die gemeinsam mit ihrem Vater eine Detektei betreibt, sehr zum Verdruss ihrer Fans ausgelaufen. Kritiker und Zuschauer hatten sich allzeit begeistert gezeigt, doch zu einem echten Quotenhit wurde keine der gerade einmal drei Staffeln. Nicht desto trotz hielten sich Gerüchte um eine Fortführung über sechs Jahre hinweg aufrecht. Jetzt wird es sie tatsächlich geben.

Das ist an sich nicht wirklich sensationell. Was aber aufmerken lässt, sind die Umstände. Rechteinhaber Warner hatte zugestimmt, die Kosten für Vertrieb und Marketing eines „Veronica Mars“-Kinofilms zu übernehmen, wenn Serienerfinder Rob Thomas und Hauptdarstellerin Kristen Bell es schaffen sollten, den Fans mindestens 2 Millionen USD zu entlocken. So jedenfalls die offizielle Version.

Am 13. März startete Thomas wie Hunderte Filmemacher vor ihm eine Crowdfunding-Kampagne beim Marktführer Kickstarter. Nach weniger als einem halben Tag hatte er das Geld zusammen. Doch damit nicht genug: Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieses Beitrags lag die Spendensumme von fast 54.000 Fans bereits bei rund 3,5 Millionen. Ein Ende ist erst einmal nicht in Sicht, denn die Kampagne läuft noch bis zum 12. April.

Man könnte die Angelegenheit als Kuriosum abhaken, doch die Reaktionen sind durchaus kontrovers. Der Hauptvorwurf geht an die Initiatoren. 2 Millionen aufzubringen könne für den Konzern wohl kaum ein Problem sein. Dass man stattdessen die Fans zur Kasse bittet, kommt vielfach nicht sonderlich gut an. Zudem sehen nicht wenige die Independent-Kultur von Crowdfunding per se gefährdet.

Letzteres ist pure Ideologie. Kickstarter, Indiegogo, Sponsume und sonstige Plattformen stehen selbstverständlich jedem zur Verfügung. „Anybody can ask for fucking help with their fucking art. Anybody big anybody small anybody known anybody unknown anybody”, tweetete Amanda Palmer mit einigem Ärger im Bauch – musste sich die Musikerin (ehemals Dresden Dolls) doch selber schon für ihre Crowdfunding-Aktivitäten rechtfertigen.

Tatsächlich ist sie da aber längst kein Einzelfall mehr. Colin Hanks und Eliza Dushku etwa finanzierten mittels Crowdfunding jeweils eigene Dokumentarfilme. Joe Dante sicherte das Überleben seiner Online-Filmschule „Trailers from Hell“ dank Kickstarter. Charlie Kaufman und David Fincher sammelten vergleichsweise hohe Budgets für Kurzfilme ein, und Ralph Bakshi bahnte sich seine überraschende Rückkehr ins Filmgeschäft jüngst ebenfalls per Fansupport.

Das Finanzierungsmodell auf die Independent- oder gar Amateurszene beschränkt sehen zu wollen, spricht nicht nur für Kurzsichtigkeit, sondern negiert auch die quasi-demokratische Grundidee. Finanziert wird, woran genügend Leute Interesse haben. Kritiker von Celebrity-Crowdfunding vergessen dabei gerne, dass Kickstarter und alle anderen Portale zudem grundsätzlich nach dem „Perks“-Prinzip funktionieren: Wer Geld gibt, bekommt dafür eine Belohnung.

Was im Einzelfall und jeweils nach Spendenhöhe gestaffelt angeboten wird, obliegt den Initiatoren der Kampagne. Gerade im Fall von Celebrity-Crowdfunding sind die Perks in aller Regel besonders reizvoll und bieten nicht selten echte Unikate, die es nirgendwo sonst zu kaufen gibt (also etwa signierte Drehbücher, Skype-Sessions mit den Beteiligten, exklusives Hintergrundmaterial etc). Ein exzellentes Beispiel dafür ist auch die „Veronica Mars“-Kampagne. Zudem nimmt sie jenen Kritikern allen Wind aus den Segeln, die sich an dem Gedanken festhalten, Warner würde bei den Fans zweimal abkassieren – denn schließlich müssten diese ja am Ende auch noch die Kinokarten kaufen, um den Film zu sehen.

Das Gegenteil ist der Fall. Bereits ab 35 Dollar gibt es eine digitale Kopie, ab 50 Dollar sogar eine DVD mit Making-of und zusätzlichem Bonusmaterial, zudem ein T-Shirt und eine pdf-Version des Drehbuchs. Zum Vergleich: Auf Amazon.com kosten alle drei Staffeln der Serie zusammen aktuell rund 80 Dollar. Eine DVD- oder Bluray-Box eines Films mit zusätzlichen Gimmicks bewegt sich preislich in vergleichbarer Höhe (wer etwa „The Dark Knight Rises“ in der „Bat Cowl“-Edition mit alberner Batman-Maske haben will, muss derzeit rund 70 Dollar investieren). Vor diesem Hintergrund kann sich niemand beschweren.

Der Fall „Veronica Mars“ mag einen Crowdfunding-Rekord gebrochen haben, doch für das Modell an sich wird sich kaum etwas ändern. Zu befürchten, dass die Studios ihre Großprojekte in Zukunft von den Fans finanzieren lassen, ist schlichtweg absurd. Niemand kann ernsthaft glauben, dass es Warner um die vergleichsweise lächerlichen 2 Millionen gegangen wäre. Dass die gesamte Angelegenheit stattdessen vor allem als clevere PR-Aktion funktioniert hat, lässt sich kaum übersehen.

Den echten Independent-Projekten kann die erzeugte Aufmerksamkeit nur nützen, denn der Fall belegt nachhaltig, dass Crowdfunding auch für anspruchsvollere Budgets funktioniert. Ende 2010 lag die höchste je über Kickstarter erzielte Summe noch bei 150.000 Dollar. Filmemacher Christopher Salmon hatte sie für eine animierte Adaption der Kurzgeschichte „The Price“ von Neil Gaiman erzielt – allerdings auch dort mit prominenter Unterstützung durch den Autor selbst.

Was zählt, ist das Projekt selbst, die Vermarktung der Kampagne und das Angebot an Perks. Aktuell etwa sammelt Travis Stevens („The Aggression Scale“) eine Restbudget von 50.000 Dollar für den von ihm produzierten Horrorfilm „Starry Eyes“. Besonderer Clou: Wer mindestens 200 Dollar spendet, erhält ein Dankeschön im nächsten Roman von Chuck Palahniuk („Fight Club“) – auch eine Art von Celebrity-Crowdfunding. Daran jedoch stößt sich niemand. [LZ]

[Abbildung: Rob Thomas | Kickstarter]

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Noch so ein Projekt, von dem Robert Rodriguez seit Jahren erzählt, ohne dass irgendein Fortschritt in Sicht wäre: eine Realfilmadaption der legendären Comicreihe „Métal Hurlant“, die den meisten wohl vor allem in Gestalt der animierten Verfilmung von 1981 und unter dem amerikanisierten Titel „Heavy Metal“ bekannt ist. Zwischenzeitlich war gar einmal von einer Bühnenversion die Rede, doch bis heute ist aus keinem der Pläne etwas Greifbares geworden. Guillaume Lubrano und Justine Veillot kann das Stocken nur recht sein. 2009 begannen die beiden mit der Entwicklung einer TV-Serie und legten erst einmal einen selbstfinanzierten Piloten vor. Das Konzept ging auf: Die sechsteilige erste Staffel ist bis heute in rund 30 Länder verkauft worden.

Im Grunde lag die Idee auf der Hand. Die Comicreihe war von ihren Erfindern Dionnet, Druillet and Moebius als SciFi-Anthologie konzipiert worden und stand damit ganz in der Tradition von TV-Serien wie „Twilight Zone“ oder „The Outer Limits“. Jede Geschichte setzt mit neuen Figuren an und wechselt mitunter gar die Universen. Einziges Verbindungsglied ist der einsam durchs All irrende „Métal Hurlant“, verbliebener Restbestand eines von seinen Bewohnern zerstörten Planeten, verdammt zu einer ewig währenden Odyssee ohne Ziel. Er bringt Verderben über alle, deren Weg er kreuzt, und so wartet jede Episode am Ende mit einer für die Protagonisten wenig erfreulichen Überraschung auf.

Die Macher haben sich ganz an das Konzept der Comics gehalten, und das tut den Episoden denkbar gut. Ausschließlich Originalgeschichten haben sie sich ausgesucht und diese zu jeweils 26-minütigen Folgen verarbeitet. Dass hier echte Fans bei der Arbeit waren, lässt sich kaum übersehen. Detailgetreu ist der Look der Vorlagen reproduziert worden, einzelne Panels wurden zum Teil offenbar gar bis ins Framing hinein nachempfunden (Regie bei allen Episoden: Guillaume Lubrano).

Erwartungsgemäß kommt eine Menge Greenscreen zum Einsatz, der die futuristisch-fantastischen Welten der Comics zum Leben erweckt, aber auch zwangsweise eine gewisse Künstlichkeit mit sich bringt. Dass die Serie dabei nur sehr eingeschränkt mit ähnlich gelagerten Produktionen konkurrieren kann, ist keine Frage von Talent, sondern ausschließlich von Budget. Der nächste Verwandte der „Schwermetall Chronicles“ ist in Stil und Tonfall ohnehin weniger „Sin City“ oder „300“ als vielmehr Enki Bilals „Immortal“.

Einsame Krieger, mythische Kreaturen, allwissende Aliens – das sind die Bewohner der Universen, in denen sich die einzelnen Geschichten abspielen: In einer archaischen Zukunft entscheiden gladiatorenartige Zweikämpfe über die Nachfolge des Königs; göttergleiche Kreaturen entsenden einen Killer, um einen Dämon zu töten, der großes Leid über die Menschheit bringen wird; ein vor Jahrhunderten eingefrorener Überlebender aus vergangenen Zeiten wird wieder zum Leben erweckt und kurz darauf hingerichtet; eine außerirdische Rasse schaut dabei zu, wie sich ihre Weissagungen über den Todeszeitpunkt jedes Individuums bewahrheiten. Und so weiter.

So und ähnlich verlaufen die Schicksale in der Welt der „Schwermetall Chronicles“: mystisch, düster und höchst unterhaltsam. Eine echte Ausnahme vom durchgängig futuristischen Setting bietet die Episode „Shelter Me“, die ausschließlich in einem Bunker spielt und vor allem als Charakter-Drama funktioniert. Ein bisschen wirkt sie neben den anderen Folgen wie ein Fremdkörper, doch zeigt sie zugleich auch das breite Spektrum der Comicreihe und macht Lust auf mehr. Ob es eine zweite Staffel geben wird, ist derzeit allerdings noch nicht bekannt.

Durchweg überraschend gut sind übrigens die schauspielerischen Leistungen der (allesamt englischsprachigen) Darsteller. Einige prominente Gesichter wie Rutger Hauer, Dominique Pinon, James Marsters oder Kelly Brook (richtig, „Piranha 3D“) sorgen zwar für interessante Cameo-Effekte, wären aber ebenso gut auch verzichtbar gewesen. Und das ist letztlich ein echtes Qualitätsmerkmal. [LZ]

OT: Métal Hurlant Chronicles (FR/BE 2012) REGIE: Guillaume Lubrano. BUCH: Guillaume Lubrano, Justine Veillot, R.A. Jones. MUSIK: Jesper Kyd. KAMERA: Matthieu Misiraca. DARSTELLER: Scott Adkins, David Belle, Craig Fairbrass, Joe Flanigan, Rutger Hauer, Grégory Basso, Kelly Brook, Michelle Ryan, James Marsters, Dominique Pinon, Michael Jai White, Charlie Dupont. LAUFZEIT: 156 Min. In Deutschland auf DVD und Blu-ray.

[Abbildungen: Universal Pictures Germany (Stills, Cover) | WE Productions (Comics)]

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Wer das Ende des Musikvideos als Kunstform längst beschworen hat, muss Wunderwerke wie diesen Clip für das amerikanisch-französische Dream-Pop-Duo Beach House schlichtweg ignorieren. Für „Wishes“ entwarf der hierzulande noch eher unbekannte US-Comedian, Autor und Regisseur Eric Wareheim eine in Pastellfarben getauchte Märchenvariante des Super Bowls irgendwo zwischen Ken Russell, Monty Python und David Lynch. Aus dem filmischen Universum des letzteren hat er sich Ray Wise geholt, der dem traumwandlerisch-kitschigen Szenario eine gehörige Portion gnadenlos überhöhten Pathos verschafft. Musikalisch trifft „Wishes“ in etwa genau die Schnittmenge von Julee Cruise und Air. Ansehen, schwärmen, Kopf schütteln.

[Abbildungen: Screencaptures]

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Über 13 Jahre ist es her, dass David Bowie zwei Kurzauftritte in „Omikron: The Nomad Soul“ absolvierte und damit zu den ersten Weltstars gehörte, die ihr Konterfei im Umfeld eines Videospiels auftauchen ließen. Seitdem hat sich technisch eine Menge getan. Wenn im Herbst diesen Jahres mit „Beyond: Two Souls“ das aktuelle Game aus der Entwicklerschmiede Quantic Dream („Heavy Rain“) erscheint, dann wird das, was es dort zu sehen gibt, im direkten Vergleich zu Bowies 1999er Einsatz wohl wie ein echter Quantensprung wirken. Schaut man sich jedenfalls die ersten Bilder von Willem Dafoe und Ellen Paige in ihrer Game-Variante an, so kann man fast den Eindruck bekommen, dass die Originale ihren Alter Egos optisch kaum mehr etwas voraus haben.

Zu verdanken haben die Macher den hyperrealistischen Effekt dem heutigen Stand der Motion-Capture-Technolgie. Seit der Entwicklung von Gollum aus Peter Jacksons Ringe-Trilogie ist das Verfahren zum echten Standard geworden und machte Produktionen wie „King Kong“, „Avatar“ oder „Planet der Affen: Prevolution“ überhaupt erst möglich. Gollum-Darsteller Andy Serkis eröffnete zwischenzeitlich gar eine eigene Schauspielschule für den Umgang mit der neuen Technik.

In „Beyond“ dient vor allem die von Ellen Paige dargestellte Protagonistin als zentrale Identifikationsfigur. Über sie soll der User volle Kontrolle haben und die Geschichte aus ihrer Perspektive erleben. Auf seltsame Weise mit einem unsichtbaren Wesen verbunden und ausgestattet mit übernatürlichen Kräften muss sie sich – so man der Marketing-Abteilung von Sony denn Glauben schenken darf – „unfassbaren Herausforderungen stellen, die vor dem Hintergrund emotional aufgeladener Ereignisse stehen, wie man sie noch nie in einem Videospiel gesehen hat.“ Die von Willem Dafoe gespielte Figur – ein Regierungsbeamter, der in bester „Fringe“-Tradition paranormale Aktivitäten untersucht – sorgt für zusätzliche dramaturgische Finessen.

„Beyond: Two Souls“ erscheint im Oktober 2013 für die PlayStation3.

[Abbildungen: Sony Computer Entertainment Europe]

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„Valium“, hat sich unsere Redakteurin Laila Oudray beim Begutachten dieses kaum öffentlich wahrgenommenen Schwedenkrimis gedacht. „Wie Valium.“ Vor dem Hintergrund, dass der zweifache Oscar-Kandidat Lasse Hallström nach 25 Jahren erstmals wieder in seiner Heimat und ausschließlich mit schwedischen Darstellern gedreht hat, ist ein solches Urteil umso bedauerlicher. Vielleicht war das Bedürfnis einfach zu dringlich, nach „Lachsfischen im Jemen“ und „Dear John“ einmal radikal die Tonart zu wechseln. Dass das offenbar keine allzu gute Idee war, belegte die unmittelbare Rückkehr zu vertrauteren Gefilden. Wenn am 7. März Hallströms aktueller Film „Safe Haven“ in Deutschland startet, ist sein erst zwei Wochen zuvor angelaufener Ausflug ins Spannungsgenre jedenfalls schon wieder von den meisten Leinwänden verschwunden.

Valium aus Schweden: DER HYPNOTISEUR

Sollte ein Thriller nicht eigentlich mit seiner Geschichte packen, den Zuschauer bis zur letzten Minute kaum mehr loslassen, vielfach überraschen und zum Grübeln bringen? Der arg belanglosen Bestsellerverfilmung „Der Hypnotiseur“ geling immerhin letzteres: Man fragt sich, was dem sonst recht treffsicheren Lasse Hallström bei der Wahl des Stoffs wohl durch den Kopf gegangen ist.

Dabei hat die Geschichte eigentlich Potential: Stockholm wird durch den brutalen Mord an einem Sportlehrer und seiner Familie erschüttert. Es gibt keine Spuren und der einzige Zeuge ist Josef, der 15-jährige Sohn der Familie, der allerdings schwer verletzt im Koma liegt. Da der Vater immense Spielschulden hatte, nehmen die Ermittlungen zunächst das organisierte Verbrechen unter die Lupe. Kommissar Joona Linna ist sich allerdings sicher, dass die Familientragödie ganz andere Ursachen hat. Um den Fall zu lösen, greift er zu unkonventionellen Methoden und überzeugt den aus der Bahn geworfenen Arzt Erik Maria Bark nach anfänglichem Widerstand, Josef unter Hypnose zu befragen. Dass er dabei die Tür zu einem schrecklichen Geheimnis aufstoßen wird, mit dem er auch seine eigene Familie in Gefahr bringt, kann der Hypnotiseur allerdings nicht ahnen.

Es ist nicht der originellste Plot, und auch die erfolgreiche Vorlage von Lars Kepler (ein Pseudonym für ein schwedisches Autorenduo) erfindet das Genre nicht unbedingt neu, bietet aber immerhin einiges an Spannung. Das Drehbuch von Paolo Vacirca entschlackt den Roman deutlich. Ein Großteil der zahlreichen Rückblenden, Handlungsstränge und Nebenfiguren fällt weg und hält damit den Verwirrungsgrad gering. Im direkten Vergleich mag manches arg verkürzt wirken, doch bei runden 120 Minuten macht die Fokussierung durchaus Sinn.

Dass dabei ganz konsequent aber auch mehr oder weniger alle Spannungselemente auf der Strecke geblieben sind und die Geschichte vielfach vorhersehbar geworden ist, lässt sich kaum positiv bewerten. Verwundern muss beispielsweise, dass abseits der betroffenen Familie nahezu alle Personen, die im Buch sterben, im Film überleben und teilweise sogar gänzlich unbeschadet davonkommen. Viele eigentlich dankbare Ansätze der Vorlage werden entweder gar nicht erst aufgenommen oder nur kurz angeschnitten. Besonders auffällig: Der Rufmord des Hypnotiseurs, der im Buch einen immensen Einfluss auf die Geschichte hat, wird im Film einfach rasch in fünf Minuten abgehandelt.

Insgesamt sind die Charaktere denkbar eindimensional geraten. Aus der sorgenvollen, zweifelnden, aber trotzdem starken Ehefrau der Vorlage etwa ist eine ebenso hysterische wie passive Furie geworden. Josef, im Roman abgrundtief böse und in eine inzestuöse Affäre verwickelt, erscheint im Film als bloße Marionette. Und aus der eiskalt manipulativen Psychopathin Lydia, die keine Scheu kennt, jeden zu verstümmeln, der ihr nicht gehorcht, hat das Drehbuch eine bemitleidenswerte Irre gemacht. Solche Figuren will man behandeln lassen, damit alles wieder gut wird. Fürchten kann man sie jedoch nicht.

Für ein mögliches Franchise geradezu fatal: Den selbstbewussten und an sich überzeugenden Kommissar (der eigentliche Protagonist der Buchreihe) degradiert der Film zur eintönigen Nebenfigur. Einzig der gebrochene Hypnotiseur selbst ist gut getroffen und wird von Mikael Persbrandt (Gunvald Larsson aus der „Kommissar Beck“-Reihe und Beorn in der „Hobbit“-Trilogie) einfühlsam verkörpert.

In der beständig wachsenden Reihe von Schwedenkrimis ist „Der Hypnotiseur“ leider ein besonders verzichtbarer Beitrag und dabei so genre-konform, dass außer Langeweile nicht viel übrig bleibt. In welchem Maß sich Lasse Hallström hier auf Terrain bewegt, mit dem er sich überhaupt nicht auskennt, hat er jedenfalls deutlich gezeigt. [Laila Oudray]

OT: Hypnotisören (SE 2012) REGIE: Lasse Hallström. BUCH: Paolo Vacirca. KAMERA: Mattias Montero. M: Oscar Fogelström. DARSTELLER: Tobias Zilliacus, Mikael Persbrandt, Lena Olin, Helena af Sandeberg, Anna Azcarate, Jonatan Bökman, Tomas Magnusson. LAUFZEIT: 122 Min.

[Abbildungen: Prokino]

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Auch wenn die kontrovers geführte Diskussion um Quentin Tarantinos arg comicartige Auseinandersetzung mit der Sklaverei in „Django Unchained“ langsam wieder abebbt und Spielbergs „Lincoln“ bei den diesjährigen Oscars auf der Strecke blieb, haben beide Filme doch auf ihre Weise dazu beigetragen, dass Fragen ethnischer Diskriminierung im Kino eine neue Relevanz und Sensibilität gewinnen konnten. Ein Grund mehr, das Thema auch von anderer Seite her zu beleuchten. In ihrer erhellenden Analyse zweier Schlüsselwerke des Zombiefilms deckt Brittney-Jade Colangelo ein interessantes Subtext-Verhältnis auf, das eine Menge über Rassismus im amerikanischen Zeitgeist zu sagen hat.

Zombies gehören zu den beliebtesten Kreaturen im Horrorkino, und das nicht erst seit gestern. Denn auch wenn George A. Romero als eigentlicher Vater des modernen Zombiefilms gilt, machen die Untoten bereits seit den 1930er Jahren die Leinwände unsicher. Im Allgemeinen werten die Filmhistoriker „White Zombie“ als ersten echten Zombiefilm überhaupt, während „Night of the Living Dead“ als Urbild der modernen Variante gilt. Ein direkter Vergleich beider Schlüsselwerke offenbart eine deutliche Neujustierung im Umgang mit dem Subgenre und dem Storytelling im Horrorkino an sich.

1932 fanden die Brüder Victor and Edward Halperin abseits der gut geölten Monstermaschinerie von Universal einen sehr eigenen Weg, eine völlig neuartige Kreatur des Schreckens zu etablieren. Denn während die kostspieligen Frankensteins und nächtlichen Blutsauger aus dem Studioumfeld die sexuelle und gesellschaftliche Moral der Zeit aus dem Gleichgewicht brachten, erlaubte das Konzept der Untoten, Tendenzen ethnischer Diskriminierung auszuschlachten. „White Zombie“ ist ein typisches Beispiel für einen unverhohlenen Rassismus, wie er in den 30er Jahren zum US-Alltag gehörte.

Die Idee des Zombies an sich entsprang einer Obsession für die als exotisch empfundenen Voodoo-Rituale auf Haiti, die sich deutlich vom christlichen Hintergrund der meisten Amerikaner abhoben. Dabei gefiel vor allem der Gedanke, dass sich weißen Befehlshabern die Möglichkeit zur hemmungslosen Sklaverei bot. Das exotische Setting von „White Zombie“ ließ die Ausbeuter zudem mit weißer Weste dastehen. Denn schließlich hatten sie es mit untoten Haitianern und nicht mit gleichgestellten freien Bürgen zu tun. Der Schrecken der Untoten lag dem gemäß auch nicht im Angriff auf gesellschaftliche Werte, sondern beruhte vielmehr auf dem alptraumhaften Gedanken der Zombifizierung selber und der Vorstellung, hilflos den Bedürfnissen anderer ausgeliefert zu sein.

Filmkritikerin Elizabeth A. Kingsley entdeckt zudem ein Klassensystem innerhalb der einzelnen Typen von Untoten: „Clarence [die zombifizierte weiße Hauptfigur, d. Red.] sticht wie ein bunter Hund aus den schwarzen Charakteren des Films hervor, hinter denen im Wesentlichen weiße Schauspieler mit schwarzer Maskierung stecken. Die Zombies, die auf Legendres [des Sklavenhalters, d. Red.] Zuckerfarmen arbeiten, werden nur am Rande beleuchtet. Es sind die weißen Zombies, die Bodyguards von Legendre, die den Horror des Films ausmachen.“ Die Schwarzen, so der Gedanke, bleiben irrelevant, und das Grauen der Verwandlung konzentriert sich auf die weißen Figuren. Zudem dienen weiße Zombies als rechte Hand des Sklavenhalters und behalten so ihre Individualität, während schwarze ausschließlich im viehähnlichen Kollektiv gezeigt werden. Wie essentiell hier Filmmonster als Träger eines gut maskierten Rassismus fungieren, wird allerdings erst aus heutiger Perspektive offensichtlich. Ganz anders drei Jahrzehnte später.

George A. Romero begründete den modernen Zombiefilm, wie man ihn heute kennt. Eine Instrumentalisierung von Figuren und ethnische Diskriminierung sind ihm fremd. Statt Afro-Amerikaner als nutzlos oder gar aktiv böse zu zeigen, machte Romero einen schwarzen Protagonisten zur Stimme der Vernunft. Ben, der unheroische Heldencharakter von „Night of the Living Dead“, ist Beschützer und Anführer zugleich, und zudem der einzige, der einer weißen Frau sagt, was sie zu tun hat. Seine bürgerliche Freiheit steht zu keinem Zeitpunkt in Frage, und so kann er tun und lassen, was er will. Doch die Figur weist auch menschliche Schwächen auf, verliert die Beherrschung, und nicht alle Entscheidungen sind richtig. Ben ist keineswegs perfekt und deshalb umso mehr eine reale Figur und keine Karikatur.

Ähnlich wie „White Zombie“ ist „Night of the Living Dead“ ein wichtiges Beispiel dafür, wie sich der Zeitgeist im Film niederschlagen kann. Kendall Phillips weist in seinem Buch „Projected Fears“ darauf hin, dass Romero sich nicht nur „der politischen Bilder und Sorgen bedient, die für die Gegenkultur der 1960er bedeutsam waren, sondern die narrative Struktur spiegelt auch den Aufstieg und Fall der politischen Ambitionen dieser Bewegung wider.“ Mit der Entscheidung, einen männlich Schwarzen zum Protagonisten zu machen, bestätigte er die politischen und sozialen Normen der Zeit im Schatten der Bürgerrechtsbewegung um Martin Luther King. Romero versichert zwar bis heute, dass Duane Jones die Rolle von Ben nicht seiner Hautfarbe wegen bekam, sondern weil er beim Vorsprechen schlichtweg der beste Schauspieler war, doch auch ganz unabhängig von der Intention bleibt Ben einer der progressivsten afroamerikanischen Charaktere im Horrorkino.

Phillips fügt in seinem Buch hinzu: „Selbst für Zuschauer, die sich nicht unmittelbar mit der ethnischen Problematik identifizieren können, wie sie in Bens Handlungen implizit werden, ist er trotzdem ein interessanter Protagonist, weil er pragmatischen Kampfgeist verkörpert.“ Unabhängig von persönlichen Gefühlen über ethnische Akzeptanz steuert der Film seine Geschichte so geschickt, dass sich der Zuschauer unmöglich auf die Seite des weißen Antagonisten Harry Cooper schlagen kann und stattdessen gezwungen ist, sich mit der schwarzen Hauptfigur zu identifizieren.

Im Gegensatz zu „White Zombie“ spielt „Night of the Living Dead“ zudem im dörflichen Amerika, einem Umfeld, das der Großzahl des damaligen Publikums nicht unbekannt gewesen sein dürfte. Indem der Film die Angst in die Vorgärten derer brachte, die auf die Leinwand schauten, setze er das sichere Gefühl des räumlichen Abstandes außer Kraft, mit dem „White Zombie“ erfolgreich operiert hatte, und zwang das Publikum, seinen Fokus auf das reale Nordamerika zu richten.

Romeros progressive Sichtweise hat das Ihre dazu beigetragen, dass ein wichtiger Denkprozess gegenüber Minderheiten im Kino eingesetzt hat. Statt die Ausbeutung rassistischer Ängste fortzuführen, das ein weißes Amerika mit all seiner Besessenheit in den 1930ern offen zur Schau gestellt hatte, setzte er auf offene Missbilligung und ließ sein Publikum beschämt zurück. [BJC]

P.S.: Unter der Regie von Filmemacher und Musiker Creep Creepersin („The Brides of Sodom“) entsteht derzeit ein Remake von „White Zombie“. Dass dort ein Statement zu Fragen ethnischer Diskriminierung zu finden sein wird, lässt sich allerdings getrost bezweifeln.

P.S.2: Brittney-Jade Colangelo beitreibt seit 2009 den Horrorfilmblog Day of the Woman.

[Abbildungen: Screencaptures]

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Wem die selbsternannten „Twisted Twins“ Jen und Sylvia Soska mittlerweile immer noch kein Begriff sind, muss zwangsweise so ziemlich alle einschlägigen Horrorfilm-Festivals der letzten sechs Monate ignoriert haben. „American Mary“ ist ein echtes Genre-Phänomen. Der Siegeszug und Preisregen der kanadischen Independent-Produktion um Body Modification und Underground-Chirurgie seit der Premiere im August vergangenen Jahres ist dabei nicht zuletzt einer immensen viralen Präsenz der eineiigen Filmemacherinnen zu verdanken. Für eine Kinoauswertung in Deutschland reicht das jedoch immer noch nicht aus.

Wer vor der DVD-Premiere am 28. März trotzdem die Chance nutzen will, das ungewöhnliche Skalpell- und Revenge-Drama auf der großen Leinwand zu sehen, hat dazu im Rahmen der Fantasy Filmfest Nights Gelegenheit. Der zweitägige Frühjahrsableger des langlebigen Events zeigt „American Mary“ in sieben Städten. Ein zunächst angekündigter Besuch der Soska-Schwestern ist allerdings kurzfristig wieder abgesagt worden.

Zu den weiteren Filmen des diesjährigen Programms gehören unter anderem der ungewöhnliche Episodenfilm „The ABCs of Death“, Don Coscarellis „John dies at the End“, Chan-Wook Parks „Stoker“ und „The Bay“, Barry Levinsons erster Ausflug ins Horror-Genre.

Alle Filme und Termine finden sich auf der Festivalhomepage.

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