Stoker, Shakespeare, Shelley, Doyle und Poe gehören nicht umsonst zu den meistverfilmten Autoren der Literaturgeschichte, denn für die Adaption ihrer Werke fallen schließlich keine Lizenzgebühren mehr an. Eine von Edgar Allan Poes bekanntesten Arbeiten ist zugleich auch seine meistverfilmte, und dabei umfasst „The Tell-Tale Heart (dt. Das verräterische Herz)“ gerade einmal nur rund 700 Worte. Ein Großteil der über vierzig Filmfassungen beschränkt sich deshalb auch auf eine Spiellänge von durchschnittlichen fünfundzwanzig Minuten, doch auch abendfüllende Beispiele sind dabei. Zur letzteren Kategorie gehört eine aktuelle Version, die seit dem 20. Oktober in New Orleans gedreht wird und mit Rose McGowan, Patrick John Flueger („4400“) und Regieveteran Peter Bogdanovich („Paper Moon“, „The Last Picture Show“) prominent besetzt ist.

Weniger aufmerken lassen die Namen hinter der Kamera dieses gänzlich unabhängig produzierten Films. Regisseur John La Tier gibt hier sein Spielfilmdebüt, und Produzent Daniel Zirilli und seine Popart Film Factory ist bislang vor allem mit B-Ware, Direct-to-DVD und Videoclips in Erscheinung getreten. Die Konstellation ist also eher skurril, doch das will nichts heißen.

Zu den bemerkenswertesten Adaption der Geschichte gehört übrigens ein knapp 8-minütiger, expressionistisch angehauchter Animationsfilm von 1953, bei dem James Mason als Erzähler fungiert. Die atmosphärische Version von Ted Parmalee („Rocky & Bullwinkle & Friends“) wurde zum ersten Trickfilm, für den das British Film Board of Censors (die heutige BBFC) ein X-Rating vergab.

[Abbildungen: Popart Film Factory]

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Seit 1986 zeichnet die American Cinematheque einmal im Jahr Vertreter der Filmindustrie aus, die (so die Statuten) „sich mit außergewöhnlichen Leistungen um die Kunst des Kinos verdient gemacht haben”. Zu den bisherigen Preisträgern gehören Steven Spielberg, Martin Scorsese, Al Pacino, George Clooney und andere schillernde Persönlichkeiten. Dieses Jahr geht die renommierte Auszeichnung an „Iron Man“-Darsteller Robert Downey jr.

Die Verleihung findet am heutigen Freitag, dem 14. Oktober, statt und wird mit rund eintausend Gäste aus der Entertainment-Industrie gut besucht sein. Wer vergessen hat, sich einen Platz für die Veranstaltung mit anschließender Multimedia-Show zu besorgen, kann immerhin noch von zuhause aus dabei zusehen, wie die Stars über den roten Teppich flanieren.

Per Live-Stream zu sehen gibt es neben dem Preisträger und seinem Vater Robert Downey sr. die Laudatoren Jennifer Aniston, Jack Black, Michael Douglas, Jon Favreau, Jodie Foster, Jamie Foxx, Anthony Michael Hall, Guy Ritchie, Garry Shandling, Joel Silver, Robin Wright und andere mehr. Übertragen wird das Event von WyTV, einem aufstrebenden Live-Streaming-Kanal mit derzeit fünf regulären Shows im Programm, Weltweite Aufmerksamkeit erlangte der Sender vor einigen Monaten mit „Sheen’s Korner“, dem ersten Webformat von Charlie Sheen.

Brad Wyman, Programmdirektor von WyTV und Produzent von Independent-Klassikern wie Adam Rifkins „The Chase“, der kontroversen Fernsehserie „Look“ und dem oscarprämierten Drama „Monster“, hat uns als einzigem deutschen Online-Medium freundlicherweise angeboten, den Stream an dieser Stelle live einzubinden. Die Übertragung beginnt für Mitteleuropa in der Nacht von Freitag auf Samstag um 3.30 Uhr.

[Abbildung: Iron Man 2 | Marvel]

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Man mag es zunächst für einen Scherz halten, doch dieser Besetzungscoup ist real: Kein Geringerer spielt demnächst an der Seite von Tom Cruise als Autorenfilmer, Grenzgänger und mittlerweile auch 3D-Dokupionier Werner Herzog. In „One Shot (dt. Sniper)“, einer Adaption des gleichnamigen Romans des britischen Autors Lee Child, wird der allzeit risikowillige deutsche Filmemacher die Rolle eines mysteriösen Russen und Gegenspielers der Hauptfigur übernehmen. Weitere hochkarätige Namen auf der Besetzungsliste sind Robert Duvall, Rosamunde Pike und Richard Jenkins. Die Regie des von Cruise und Paula Wagner produzierten Thrillers übernimmt Christopher McQuarrie.

Herzog ist bislang als Schauspieler praktisch nicht in Erscheinung getreten. Bekannt wurde er vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Klaus Kinski, dem er 1999 die Dokumentation „Mein liebster Feind“ widmete. In den vergangenen Jahren festigte er seinen Ruf unter anderem mit Filmen wie „Grizzly Man“, „Rescue Dawn“ oder dem von David Lynch produzierten Drama „My son, my son, what have ye done“. Als erster Regisseur überhaupt realisierte er 2009 mit „Die Höhle der vergessenen Träume“ einen Dokumentarfilm in zeitgemäßer 3D-Technik. Gerade erst hat er in Toronto seinen aktuellen Film „Into the Abyss“ vorgestellt.

Längst ist Herzog aber auch selber eine echte Marke geworden, zu der in einer geschickten Balance aus Skurrilität und Genie auch eine eigenwillige Sprachmelodie und (im Englischen) ein unverkennbarer deutscher Akzent gehört. Als Voiceover gab es ihn sogar schon einmal bei den „Simpsons“ zu hören, Roger Ebert ließ ihn Filmkritiken vorlesen, und in einem Kurzfilm mit dem Titel „Plastic Bag“ gibt er den Erzähler – und zwar als Plastiktüte. Umso mehr lässt sein Auftritt in einer Hollywood-Großproduktion Ungewöhnliches erwarten.

Die Vorlage des Films gehört zu Lee Childs Romanserie um den ehemaligen Militärpolizisten Jack Reacher, einen aufrechten Aussteiger, der ohne gültigen Pass und festen Wohnsitz umherzieht und sich dabei immer wieder in Konstellationen wiederfindet, bei denen sein Leben auf dem Spiel steht. Bislang sind sechzehn Bücher um den schweigsamen Veteranen erschienen. „One Shot“ ist die erste Filmversion und zugleich der offensichtliche Versuch, ein neues Franchise-Modell für Hauptdarsteller und Produzent Tom Cruise zu etablieren.

Doch gerade an diesem scheiden sich die Geister. Denn körperlich könnten die Romanfigur und sein Alter Ego kaum weiter voneinander entfernt sein. Child beschreibt Reacher als zwei-Meter-Hünen mit einem Körpergewicht von etwa 110 kg und muskulöser Statur. Hinzu kommen blaue Augen und dunkelblondes Haar – Tom Cruise ist nichts davon. Konsequenterweise wurde das Projekt bislang überaus kritisch betrachtet. Der Autor selber sieht die Angelegenheit jedoch ganz anders: „In den Büchern ist Reachers Körperlichkeit eine Metapher für eine unaufhaltbare Kraft, die Tom Cruise auf seine eigene Weise zum Ausdruck bringt.“ (Zitat: Deadline)

Wie ernst man derartige Aussagen nehmen darf, sei einmal dahingestellt. Nicht selten werden Autoren vertraglich dazu verpflichten, negative Aussagen zur Verfilmung ihrer Stoffe zu unterlassen, und so ist auch Childs (ohnehin sehr diplomatische formuliertes) Statement durchaus mit Vorsicht zu genießen. Im übrigen mag die Diskussion mag so manchen an eine frühere Besetzungskontroverse erinnern, die ebenfalls Tom Cruise betraf. Damals gingen die Fans auf die Barrikaden, als er die Rolle des dekadenten Blutsaugers Lestat in Neil Jordans Verfilmung von „Interview mit einem Vampir“ übernahm. Autorin Anne Rice hatte sich zunächst distanziert, war aber später nicht nur zurückgerudert, sondern wurde gar zum begeisterten Fürsprecher des Schauspielers.

Für Regisseur Christopher McQuarrie ist der Thriller bereits die dritte Zusammenarbeit mit Cruise. Zuvor hatte er 2008 dessen Stauffenberg-Drama „Operation Walküre“ geschrieben und produziert, aktuell lieferte er das Drehbuch für „Mission Impossible – Phantom Protokoll“. Bekannt wurde McQuarrie vor allem als Autor für den Gangsterfilm „Die üblichen Verdächtigen“, der ihm einen Oscar einbrachte. Weniger begeistert zeigte sich die Kritik im vergangenen Jahr hingegen von der an den Kinokassen verunglückten Hitchcock-Reminiszenz „The Tourist“. Das Drehbuch zu „One Shot“ verfasste er zusammen mit Josh Olson.

[Abbildung: Werner Herzog Presseservice]

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Nach über sechs Jahren standen Charlie und Martin Sheen jetzt erstmals wieder gemeinsam vor der Kamera. Allen Spekulationen über ein völlig zerrüttetes Verhältnis der beiden sollte damit ein Ende bereitet sein. In einem Promo-Spot für „The Roast of Charlie Sheen“ auf Comedy Central parodieren sie jene ikonische Sequenz aus „Apocalypse Now“, in der Captain Willard seine finale Transformation zum Schlächter durchlebt. Der kurze Teaser-Clip geht jedoch eher den umgekehrten Weg.

Insgesamt zwölf Mal waren die beiden bislang zusammen in TV- und Kinoproduktionen zu sehen. Vater und Sohn spielten sie dabei in „Wall Street“, „Chaos City“ und „No Code of Conduct (dt: Mörderisches Doppelspiel)“. Zuletzt hatte Martin Sheen unter der Regie seines älteren Sohnes Emilio Estevez die Hauptrolle in dessen Drama „The Way“ gespielt.*

*[Deutschlandpremiere auf dem diesjährigen Filmfest Oldenburg]

[Abbildung: Screencapture]

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In seinem aufsehenerregenden Interview mit ABC im Februar diesen Jahres hatte Charlie Sheen ohne falsche Bescheidenheit darauf hingewiesen, wer nach seinem unerwarteten Ausscheiden bei der Erfolgs-Sitcom „Two and a Half Men“ so alles mit ihm arbeiten wolle. Explizit brachte er den Namen Roman Coppola ins Gespräch, doch zum damaligen Zeitpunkt nahm kaum jemand wirklich ernst, was der skandalgebeutelte Schauspieler zu sagen hatte. Umso mehr müssen die Zweifler jetzt ins Staunen geraten, denn das Team Sheen / Coppola findet tatsächlich für ein gemeinsames Projekt zusammen.

Laut Variety übernimmt Sheen an der Seite von Jason Schwartzman die Hauptrolle in der Independent-Produktion „A glimpse inside the mind of Charlie Swan III“. Erzählt wird die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines erfolgreichen Grafikers und Womanizers, dessen Leben zerbricht, als sich seine Freundin von ihm trennt – ein Stoff also, der ganz auf seinen Star zugeschnitten zu sein scheint. Coppola (u.a. Co-Autor von „Darjeeling Limited“) übernimmt Drehbuch und Regie in Personalunion. Youree Henley, der zuvor bereits an „Somewhere“ von Coppola-Schwester Sofia beteiligt war, fungiert als Produzent.

Sheens nächster öffentlicher Auftritt ist ein auf ihn zugeschnittener „Roast“ von Comedy Central am 19. September.

[Abbildung: Screencapture]

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Als Schauspieler mag Andy Serkis an über 130 Kino-, TV- und Theaterproduktionen beteiligt gewesen sein, diejenigen Rollen jedoch, die ihn zu einem der wichtigsten Namen in der Industrie gemacht haben, sind ausgerechnet jene, in denen er selber gar nicht zu sehen ist. Serkis nämlich gilt als unangefochtener Marktführer auf dem Gebiet der Performance Capture. In Peter Jacksons „Herr der Ringe“-Trilogie hatte er mit der Darstellung des Gollum einem reinen CGI-Charakter verblüffend detailliertes Leben eingehaucht. Zusammen mit den WETA-Studios in Neuseeland gelang ihm eine filmtechnische Sensation. Gleichzeitig eröffnete sich für den Schauspieler eine echte Nische, die er bis heute beständig ausbaut. Im Kino folgten „King Kong“ und für die Playstation 3 „Heavenly Sword“. Aktuell ist Serkis als Caesar in „Planet der Affen: Prevolution“ zu sehen, demnächst als Käpt’n Haddock in Spielbergs „Adventures of Tintin“, sowie 2012 und 2013 erneut als Gollum in den beiden „Hobbit“-Filmen.

Jetzt plant Serkis, seine Erfahrungen in die Gründung des ersten Europäischen Performance Capture Studios einfließen zu lassen. In einem offiziellen Statement weist er darauf hin, dass die Technik vielfach immer noch als Bedrohung für traditionelles Schauspiel und Filmemachen begriffen werde. Diesem Vorurteil wolle man entgegenwirken und zeigen, dass man es stattdessen mit einer Art kreativer Schnittstelle zwischen bloßer Vorstellung und realisierbaren Fantasiewelten zu tun habe.

Die Londoner Studios sollen unter dem Namen „The Imaginarium“ in engem Verbund mit der von Serkis, Jonathan Cavendish und Tora Young gegründeten Produktionsgesellschaft Caveman Films entstehen. Neben der Bereitstellung der Technik und der Entwicklung eigener Filmprojekte plane man auch die Errichtung einer Akademie, an der junge Talente Performance Capture erlernen können.

[Abbildung: Screencapture]

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Der US-Künstler Richard Phillips ist bekannt für großformatige Ölgemälde mit popkulturellen Motiven an der Grenze zum Kitsch (oder weit darüber hinaus). Erst Anfang des Jahres hatte seine Ausstellung „Most Wanted“ im White Cube London auch jenseits der Fachwelt für Interesse gesorgt. Hyperrealistische Porträts von Superstars wie Miley Cyrus, Robert Pattinson oder Zac Efron mit sachtem Heiligenschein vor Sponsorenaufstellern im Step-and-Repeat-Modus kreisten um das Verhältnis von Ikonografie und Branding. Mit einem 90-sekündigem Videoclip hat Phillips diese Thematik jetzt in die mediale Form eines produktlosen Werbespots übersetzt. Sein Testimonial: Lindsay Lohan.

Gezeigt wird die Schauspielerin in assoziativen Nachinszenierungen, die sich Godards „Verachtung“ und Bergmans „Persona“ zum erklärten Vorbild nehmen. Für Phillips, so formuliert er es gegenüber der New York Times, verkörpert Lohan „eine Relevanz, die auf gleicher Ebene mit einer Bardot oder einer Ullmann liegt.“ Seinen Clip versteht er als psychologisches Porträt, das vor dem Hintergrund der genannten Filme versucht, unüberwindbare Gegensätze von Lohans Persönlichkeit („eine Kombination aus Fantasterei und Realität“) miteinander zu vereinen. Dass er dabei zugleich mit der Ästhetik von Werbeclips operiert, hat seinen guten Grund.

Seine Arbeit ist eins von insgesamt 80 Videos, die im Rahmen der Gruppenausstellung „Commercial Break“ vom 1. bis 5. Juni parallel zur 54. Kunstbiennale Venedig als Loop auf einem gigantischen Jumbotron-Display direkt und unübersehbar am Canal Grande gezeigt werden. Alle setzen sich mit Spielarten der Werbung auseinander und kommentieren so die Tatsache, dass sich ein riesiger Kunsthandel ausgerechnet in einer Stadt abspielt, die jegliche Form öffentlicher Produktanpreisung verbietet.

Für Philips ist der zusammen mit Taylor Steele inszenierte und schlicht „Lindsay Lohan“ betitelte Clip die erste Auseinandersetzung mit dem Medium Film und zugleich „ein Ansatz, um über eine neue Form der Porträtmalerei nachzudenken.“

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• RICHARD PHILLIPS @Gagosian.com
• RICHARD PHILLIPS: Most Wanted (White Cube, London)
• N.Y. Times: Artifacts | Lindsay Lohan, Art Star

[Abbildungen: Screencapture / A still from „Lindsay Lohan“, a film by Richard Phillips. Courtesy of Richard Phillips. ]

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Noch eine neue US-Serie, die das Lebensgefühl und Zeitkolorit der frühen 60er Jahre feiert. Während NBC mit „The Playboy Club“ in die Welt von Bunnys, Cocktails und Havannas eintaucht, hebt ABC mit „Pan Am“ in höhere Gefilde ab. Beide Produktionen haben jede Menge gemein. Klinisch rein ist die Ausstattung, klar aufgeteilt das Gesellschaftsbild. Die weibliche Hauptrollen sind mit Amber Heard im ersteren und Christina Ricci im letzteren Fall prominent besetzt, und doch stehen Männer auffällig im Mittelpunkt der Handlung. In erster Linie aber docken beide Produktionen am Erfolgsmodell von „Mad Men“ an, und das mit gutem Grund.

Die Serie um die fiktive Werbeagentur „Sterling & Cooper“ auf der New Yorker Madison Avenue hat ein Erfolgsmodell in Gang gesetzt, das bei Publikum wie Kritik gleichermaßen gut ankommt. Look und Feel der Zeit sind detailgenau nachempfunden, und die Einbindung historischer Ereignisse sorgt für einen angemessen realitätsgetreuen Eindruck. Doch genau das ist selbstverständlich Nonsens. Was hier als ein Abbild eines Jahrzehnts verkauft wird, spielt mehr oder weniger in einem Paralleluniversum, das mit der Wirklichkeit nur sehr bedingt zu tun hat.

Dagegen ist nichts einzuwenden. Die idealisierte Variante eines Amerikas der 60er, in dem es ebenso konservativ wie kosmopolitisch zugeht, lässt sich gut verkaufen, und das auch ganz wörtlich. Aus Sicht der Historikers Michael Allen, der Seminare über „Man Men“ abhält, ist das Konzept hochgradig werbewirksam, „weil es Werte der oberen Mittelklasse widerspiegelt.“ Das angepriesene Produktumfeld ist entsprechend ausgerichtet, klar definiert und der werbetreibenden Industrie gezielter zu verkaufen. Und darum geht es den betreffenden Networks nun einmal in erster Linie.

Im Wesentlichen weiß und gut gebildet seien die Menschen der Serien-60er, so Allen weiter, und deshalb nicht wirklich repräsentativ für die Mehrheit der Amerikaner jener Zeit. Die Nähe zu Gesellschaftskomödien wie „Lover come back“ oder dessen 2003er Quasi-Remake „Down with Love“ ist eben wesentlich größer als zur tatsächlichen historischen Realität. Nicht umsonst swingen die Trailer der beiden neuen Serien gut gelaunt zu zwei Sinatra-Titeln.

„Pan Am“ spielt in den revolutionären frühen Jahren des Düsenzeitalters, als sich erstmals innerhalb weniger Stunden um die halbe Welt reisen ließ. Pan American war die erste Fluggesellschaft, die mit der neuen Technik von New York nach Paris flog und dazu an Bord die Korken knallen ließ. Die Stars der Serie sind jedoch nicht die Macher hinter dem Konzern, sondern (ähnlich den Bunnys im „Playboy Club“) die Piloten, Stewards und Stewardessen – allesamt hoch kultivierte, gebildete und durchweg gutaussehende Imageträger. In den Worten des Pressetextes:

„The planes are glamorous, the pilots are rock stars and the stewardesses are the most desirable women in the world.”

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• PAN AM @ABC.com
• PAN AM @Facebook
• L.A. Times: On NBC’s THE PLAYBOY CLUB and ABC’s PAN AM

[Abbildungen: Screencaptures © ABC]

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Was für eine Altherrenfantasie: Frauen in Bunny-Kostümen schwingen die Hüften und servieren harte Drinks. In den frühen 60ern war das geradezu revolutionär. Hugh Hefner hatte die gloriose Idee mehr oder weniger vom Gaslight Club in Chicago abgekupfert und seine eigene Variante ins Leben gerufen. Die Unterschiede waren zwar marginal, doch während die Frauen des Originals im Stil der 20er Jahre für ansprechende Optik sorgten, trugen ihre Geschlechtsgenossinnen im Playboy Club selbstverständlich Hasenohren und Blumenschwanz. Das genügte, um für marktrelevante Begehrlichkeiten zu sorgen, und quasi über Nacht rissen sich Männer jeden Alters und Standes um eine Mitgliedschaft in den exklusiven Etablissements aus dem Hause Playboy Enterprises. Die Anfangsjahre dieses einstmals ungemein erfolgreichen Geschäftsmodells sind der Hintergrund einer neuen Fiction-Serie im Herbstprogramm von NBC.

Irgendwo zwischen Coppolas „Cotton Club“ und „Mad Men“ angesiedelt, regieren Zeitkolorit, Kolportage, Sex, Crime und eben die Bunnys. Amber Heard (zuletzt in „Drive Angry“ und John Carpenters „The Ward“ zu sehen) und David Krumholtz („Numb3rs“) gehören zu den bekanntesten Namen vor der Kamera. Brian Grazer, dessen ambitionierte Adaption des „Dark Tower“-Zyklus von Stephen King derzeit auf der Kippe steht, fungiert als ausführender Produzent.

In erster Linie als werbewirksames Maßnahme muss man wohl die Tatsache werten, dass die Darsteller einer sogenannten „Nudity Clause“ und damit der Möglichkeit von Nacktaufnahmen zustimmen sollten – eine Praxis, die mehr oder weniger absurd ist, da eine entsprechende Ausstrahlung im öffentlichen US-Fernsehen ohnehin ausgeschlossen wäre. EW.com vermutet allerdings (und das vielleicht nicht zu Unrecht) eine Hintertür für die internationale Auswertung und den Home-Entertainment-Markt.

Für Indie-Actress Deneen Melody ist „The Playboy Club“ ein weiterer Schritt in Richtung Mainstream. Neben ihrem Auftritt in der Serie selber ziert ihr Konterfei derzeit die zugehörige Online-Kampagne in den USA.

Weiterführende LINKS zu diesem Beitrag:

• THE PLAYBOY CLUB @NBC.com
• THE PLAYBOY CLUB @Facebook
• THE PLAYBOY CLUB @Twitter

[Abbildungen: Screencaptures © NBC]

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Gestern noch hatten die von Starphotograph Tyler Shields angeheizten Spekulationen für eine Menge Aufmerksamkeit gesorgt, heute sind sie schon wieder erledigt. Lindsay Lohan wird demnächst nicht als Roman Polanskis Ehefrau Sharon Tate zu sehen sein. Für Shields, der bei „Eyes of a Dreamer“, einem Film über die berüchtigte Manson Family, Regie führen wird, galt sie eigenen Aussagen gemäß als Idealbesetzung. Am 4. April hatte ihn EW hierzu interviewt und bereits auf mögliche terminliche Schwierigkeiten im Umfeld eines drohenden Gerichtsverfahrens hingewiesen. Heute nun teilte uns Produzent Brad Wyman (Oscar für „Monster“) mit, dass die Schauspielerin die Rolle nicht übernehmen wird.

Für Shields wäre es nicht die erste Zusammenarbeit mit Lohan gewesen. Im Rahmen seins Buches „The Dirty Side of Glamor“ hatte eine vorab publizierte Fotosession für Furore gesorgt, in der die Schauspielerin unter anderem beim Spiel mit einer Schusswaffe gezeigt wird. Wer nun stattdessen die Rolle von Tate, die bis heute als Mordopfer der Manson Family gilt, übernehmen wird, ist bislang nicht entschieden.

Lohan war zuletzt als drogensüchtige Tochter von Jeff Fahey in Robert Rodriguez’ Grindhouse-Hommage „Machete“ (in Deutschland ab dem 21. April auf DVD und Blu-ray) zu sehen. Im Allgemeinen gelingt dem einstmals hoch gehandelten Kinderstar jedoch seit Jahren kein konstanter beruflicher Wiedereinstieg. Lange Zeit war sie von Regisseur Matthew Wilder als Wunschbesetzung für dessen Film „Inferno“, ein Biopic über die Pornodarstellerin Linda Lovelace, gehandelt worden, wurde aber im November vergangenen Jahres von der Besetzungsliste gestrichen.

[Szenenfoto aus „Machete“ © 2010 Sony Pictures Releasing GmbH]

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Die PR-Maschinerie, die US-Schauspieler Charlie Sheen seit ein paar Wochen mit wahnwitzigen Radio- und TV-Interviews in Gang gesetzt hat, erreicht am heutigen 6. März ihren vorläufigen Höhepunkt. Völlig überraschend kündigt Produzent Brad Wyman (Oscarpreisträger für „Monster“) an, dass Sheen um 7 p.m. PST (4 Uhr CET) mit einem eigenen Video-Livestream unter dem Titel „Sheen’s Korner“ für eine Stunde online gehen wird.

Wyman hatte mit dem umstrittenen Star zuvor 1994 bei dessen Film „The Chase (Highway Heat)“ zusammengearbeitet. Die Idee zur Online-Show entstand kurzfristig. Sollte auch nur ein Bruchteil von Sheens 1,8 Millionen Twitter-Followern zuschauen, muss man sich ernsthafte Sorgen um den Server des Anbieters machen. Einen vergleichbaren Ansturm hat es dort jedenfalls bislang vermutlich noch nicht gegeben.

Unter dem Label WyTV produziert Wyman seit kurzem mehrere wöchentliche Webshows auf USTREAM, darunter eine Latenight-Variante mit Comedian Charles Fleischer, der in den USA vor allem als Stimme von Roger Rabbit bekannt ist. „Sheen’s Korner“ ist als regulär wiederkehrendes Format geplant.

ustream.tv/charliesheen

Weiterfühende LINKS zu diesem Beitrag:

• Offizielle Homepage: CHARLIE SHEEN
• CHARLIE SHEEN @Facebook
• CHARLIE SHEEN @Ustream
• CHARLIE SHEEN @Twitter

[Abbildungen: © Charlie Sheen/WyTV]

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Charlie Sheen – „Platoon“-Actionfigur

Horrorfilme erleben im Independent-Sektor derzeit einen echten Boom. Die Budgets mögen zwar überschaubar sein, Blut und Schrecken gibt es jedoch reichlich. Und die Szene schafft sich längst ihre eigenen Helden und Markennamen. Tom Six und die Soska-Twins gehören als Schöpfer wilder Kopfgeburten derzeit zu ihren größten Stars. Vor der Kamera hingegen ist die gebürtige Texanerin Deneen Melody ein Name, der sich nur noch schwerlich ignorieren lässt. Mit sieben Produktionen alleine in 2010 ist sie für die Branche bereits ein wichtiger Identifikationsträger geworden. Gerade frisch als Beste Nebendarstellerin beim Dark Carnival Film Festival nominiert und mitten in der Arbeit an ihrem ersten Film als Produzentin, stand sie uns Rede und Antwort zu ihrer Karriere innerhalb und außerhalb des Horror-Genres, plauderte über Comics, sieben Geschwister, ihren Hintergrund als Ballett-Tänzerin und ihre unsterbliche Faszination mit Tolkien.

screen/read: Eine ironische Anmerkung vorweg: Wie kommt es, dass ein so nettes Mädchen wie Du in all diese schlimmen Horrorfilmen zu sehen ist? Und was sagt Deine Mutter dazu?

Deneen Melody: Oh, meine Mutter hat keinen einzigen meiner Filme gesehen. Ginge es nach meinen Eltern, dann würde ich romantische Komödien machen [lacht].

screen/read: Was Du vermutlich bleiben lässt. In jedem Fall ist Horror ja dasjenige Genre, mit dem Du am ehesten identifiziert wirst, und für das Du im Independent-Kino bekannt bist. Kam es dazu per Zufall, oder war das eine bewusste Entscheidung?

Deneen Melody: Die Sache mit Horror ist die: Es ist eines der beliebtesten Genre, wenn nicht das beliebteste überhaupt. Die Fanbase ist einfach riesig. Es gibt eher keine Festivals und Conventions für Dramen oder Komödien, aber im Fall von Horror findet schon so einiges statt. Und für eine Schauspielerin im Independent-Sektor war es schlicht einfacher, in diesem Umfeld Castings zu besuchen, denn dort hat der Independent-Markt am meisten zu bieten. Deshalb kennen mich die meisten Leute im Zusammenhang mit Horror. Aber ich bin auch ein Fan und liebe das ganze blutverschmierte Drumherum. Meine anderen Lieblingsgenres neben Horror sind aber Fantasy und Science Fiction, und ich hatte das Glück, an Produktionen wie der Webserie „Western X“ beteiligt zu sein, die mehr so eine Art postapokalyptische Fantasygeschichte erzählt, oder an „A midsummer Nightmare“, wo es mehr um Fantasy als um Horror geht, und aktuell an „Rose White“, einem düsteren Fantasyfilm, den ich mit produziere.

screen/read: Mittlerweile spielt Horror ja wieder eine relevante Rolle im Mainstream, wovon die Mehrheit der unabhängig produzierten Genre-Beiträge mit Microbudget sicherlich auch profitiert.

Deneen Melody: Genau, derzeit reiht sich Hollywood mit Filmen wie „Zombieland“, „Twilight“ oder „Wolfman“ wieder ins Horrorgenre ein. Das sind alles erfolgreiche Filme, und das verhilft dem Independent-Horror natürlich auch zu größerer Wahrnehmung. Ich bin jetzt seit zwei oder drei Jahren dabei, und natürlich geht so eine Welle rauf und runter, aber im Moment ist sie ziemlich weit oben. Ich kenne eine Menge Leute, die Horrorfilme machen, ganz egal, ob sie ein Budget haben oder nicht. Filmemacher, die in die Branche einsteigen wollen, beginnen mit Horror. Und wie gesagt, es gibt eine Menge Festivals da draußen, und mit diesen lässt sich leichter ein gewisser Bekanntheitsgrad erzielen und eine Fanbase aufbauen.

screen/read: Als Du jünger warst, welche Art von Horrorfilmen hast Du Dir da angesehen, und wie hast Du reagiert? Gibt es welche, die Dich zu Tode erschreckt und sogar im Schlaf noch verfolgt haben?

Deneen Melody: [lacht] Ich glaube, weil ich so früh damit angefangen habe, mir Horrorfilme anzusehen, haben sie mir nie richtig Angst gemacht. Selbst vor den Puppen in „Chucky“ oder „Puppetmaster“ habe ich mich nicht gefürchtet. Ich fand es eher sehr faszinierend zu sehen, wie diese Spielzeuge zum Leben erweckt wurden, auch wenn sie dann Leute umbrachten. Mein Lieblingshorrorfilm ist „Day of the Dead“, weil er eine so eine wirklich großartige Dramaturgie hat, und ich mag Lori Cardille darin wirklich sehr. Unabhängig davon bin ich auch ein großer Fan von Scifi-Horrorfilmen wie „Das Ding aus einer anderen Welt“ oder „Alien“. Aber obwohl ich den einen oder anderen Alptraum hatte, in dem mir ein Facehugger ins Gesicht gesprungen ist, gab es nicht wirklich einen speziellen Film, der mich früher besonders geängstigt hätte. Jetzt, da ich älter bin, sieht das etwas anders aus. „Wolf Creek“ hat mir zum Beispiel hat mir wirklich Angst eingejagt, oder auch „A far cry from Home (Gallery of Fear)“ von Alan Rowe Kelly. Diese Filme sind einfach sehr furchteinflößend, weil die Situation so realistisch ist und es nun einmal wirklich Menschen gibt, die bereit sind, all die schrecklichen Dinge zu tun, die man dort zu sehen bekommt. Ich denke, der Unterschied ist, dass ich damals den Unterschied zwischen Realität und Fiktion nicht wirklich sehen konnte. Heute ist das anders, und das kann einem schon echte Angst einjagen.

screen/read: „Wolf Creek“ ist ein gutes Beispiel für einen Film, der ziemlich genau an der Grenze zwischen Independent und Major stattfindet und deshalb eine Chance für die Beteiligten bietet, den Sprung in den Mainstream zu schaffen. Ist das auch ein Ziel für Dich, oder ist Dir die Freiheit im Independent-Sektor einfach zu wichtig dafür?

Deneen Melody: Ich habe großen Respekt für die Independent-Branche, und ich glaube, dass ich immer Independentfilme machen werde – einfach weil dort so viel Freiheit und Kreativität möglich ist, und weil man Dinge tun kann, die im Mainstream eher nicht möglich wären, und zwar ganz egal, ob man Schauspieler, Autor oder Regisseur ist. Aber obwohl ich Horror und Independentfilme so sehr mag, würde ich gerne auch mehr Mainstream machen. Aber daran arbeite ich. Selbst dann würde ich allerdings immer noch im Independent-Umfeld bleiben. Es gibt ja Beispiele für Schauspieler, die da zweigleisig fahren, und das würde ich eben auch gerne tun.

screen/read: Hast Du nicht die Befürchtung, dass Deine Beteiligung an so vielen Horrorfilmen irgendwann zum Typecasting führen könnte, oder siehst Du das eher gelassen?

Deneen Melody: Da bin ich nicht allzu besorgt. Es stimmt schon, dass eine Reihe von Schauspielerinnen ab dem Moment, wo sie das Label „Scream Queen“ haben, tatsächlich nur noch mit Horror identifiziert werden. Aber es gibt auch Beispiele wie Jamie Lee Curtis, die mit „Halloween“ bekannt wurde und danach aber auch im Mainstream erfolgreich war. Da habe ich also keine allzu große Angst. Ich versuche immer, in meiner Schauspielerei eine möglichst große Bandbreite zu zeigen. Es ist ja auch nicht so, als würde man in Horrorfilmen zwangsweise immer denselben Figurentypus spielen. Ich war mal Held, mal wahnsinnig, mal böse und gemein – da ist also immer die Chance, auch im Umfeld desselben Genres etwas anderes zu machen. Und ich hatte eben auch Glück, ganz andere Sachen zu machen, und wie gesagt, das ist ein Weg, den ich in Zukunft noch mehr einschlagen will.

screen/read: Typecasting in Horrorfilmen ist jedenfalls vermutlich immer noch besser als in romantischen Komödien.

Deneen Melody: [lacht] Da stimme ich zu. Seltsamerweise kann ich Horror, Drama und Fantasy gut hinbekommen, aber Komödien fallen mir wirklich schwer. Nicht dass mit romantischen Komöfien irgendetwas nicht stimmen würde, die können schon sehr lustig sein, aber ich denke, dass im Horrorgenre einfach mehr Variation bei den Geschichten und Figuren möglich ist.

screen/read: Nun arbeitest Du nebenher ja auch noch als Comic-Model. Mittlerweile ist das ein echtes Geschäftsfeld geworden, auf dem sich auch bekannte und etablierte Namen bewegen. Lass uns darüber ein bisschen reden. Wie kam es dazu, und wie muss man sich die Abläufe vorstellen?

Deneen Melody: Vorweg muss ich sagen, dass ich, was Comics betrifft, ein echter Nerd bin. Und ich glaube, dass jeder, der so ist, irgendwann gerne selber einmal in einem Comic auftauchen würde. In meinem Fall kam es bei zwei Gelegenheiten dazu. Die erste ergab sich mit Legion Studios, einem Independent Comicbuch-Verlag in Chicago. Ich hatte einen ihrer Filme gemacht, und zwar „Master’s Devils“ mit Ari Lehma, dem originalen Jason aus „Freitag, der 13.“, und danach sagte man uns, dass ein Begleitcomic geplant war, in dem alle Darstellerinnen aus dem Film wieder auftauchen würden. Mir hat man dann auch direkt noch angeboten, auf dem Cover ihres nächsten Comics „Xes“ zu erscheinen. Die zweite Gelegenheit ergab sich mit Jeff Huges von „Comic Book Divas“, der mich ansprach, ob ich bei ihnen mit einsteigen wollte. In all diesen Fällen ist es im Grundsatz so, dass die Figuren nach unserem Vorbild gezeichnet werden. Manchmal machen wir auch Referenzfotos. Das heißt, wir modeln für bestimmte Bilder, die dann im Comic auftauchen. Man schickt uns also das Skript, und wir machen dann die Fotos. In jedem Fall ist es sehr cool, denn wenn man dann den fertigen Comic sieht, ist man da tatsächlich drin. Und wenn wir dann in die Promotion gehen, fahren wir zu Conventions, wo die Leute uns wiedererkennen und sich ihre Comics signieren lassen können. So kam es also dazu. Im Augenblick bin ich an einer ganzen Reihe von Comics beteiligt. Da ist einmal „Fangs“, ein Vampircomic von Jeff Hughes, dann „Ginger Stein: Life of the Undead“, eine Zombie-Geschichte, sowie „A life behind the Mask“, ein Online-Comic, in dem unterschiedliche Models, Schauspielerinnen und Scream Queens als Superheldinnen auftauchen. Meine Figur heißt Blackbird, eine Batman-Parodie. Sie ist ein toughes Ding, und als Batman-Fan hat mir das ziemlichen Spaß gemacht.

screen/read: Wenn man in Deiner Biografie einen Blick zurückwirft, stellt man fest, dass Du ursprünglich vom Ballett kommst. Sehr überraschend.

Deneen Melody: Ja, das stimmt, ich habe tatsächlich als Ballett-Tänzerin begonnen. Die meiste Zeit meines Lebens habe ich trainiert und getanzt, um das einmal beruflich betreiben zu können. Das war immer mein Ziel, und als ich etwas älter wurde, habe ich wirklich intensiv trainiert. Ich bin sogar zuhause unterrichtet worden, damit ich tanzen und mich auf mein Training konzentrieren konnte. Vier Jahre lang habe ich professionell getanzt, aber leider hatte ich mit 16 eine Fußverletzung, und so konnte ich irgendwann nicht mehr weitermachen. Das hat mir fast das Herz gebrochen, aber die Arbeit als Berufstänzer ist einfach sehr hart. Jeder, der sich mit dem Tanzen auskennt oder in klassischem Ballett ausgebildet ist, weiß, wie sehr das den eigenen Körper in Anspruch nimmt, und wenn einen ein verletzter Fuß davon abhält, ausgiebig zu trainieren, dann muss man einfach irgendwann akzeptieren, dass es nicht mehr geht. Aber weißt Du, wenn es dazu nicht gekommen wäre, würde ich jetzt keine Filme machen, und das ist eben, was ich heute gerne tue.

screen/read: Mit ziemlicher Sicherheit hat Deine Vergangenheit im Ballett auch Einfluss auf Deine Schauspielerei genommen. Würdest Du sagen, dass es da einen bestimmten Ansatz gibt, der Dich von anderen Darstellerinnen unterscheidet, und der eben genau auf diese Herkunft zurückzuführen ist?

Deneen Melody: Tja, eine Menge Leute fragen mich immer, wo ich meine Ausbildung als Schauspielerin gemacht habe. Und ich muss dann immer zugeben, dass ich das überhaupt nicht professionell gelernt habe. Aber ich glaube, dass eine Menge meiner Fähigkeiten tatsächlich vom Ballett kommen. Wer sich mit Ballett auskennt, vor allem der klassischen Variante, weiß, dass die eigentliche Kunstform sehr emotional und dramatisch ist. Und ich denke, dass eine Menge meiner Emotionen vom Ballett her kommen. Auf eine eigene Weise ist das eben auch Schauspielerei. Man steht auf der Theaterbühne, und egal ob es „Dornröschen“ ist oder „Schwanensee“ oder „Don Quichotte“, man spielt halt immer eine Figur. Man drückt Dinge aus und Emotionen werden sichtbar. Als ich also mit Film anfing, konnte ich auf diese Erfahrung zurückgreifen, um einen Charakter darzustellen. Und egal, ob man eine Kampfszene spielt oder weint oder schreit, man muss doch immer einen gewissen Anteil Theatralik abliefern. Unabhängig davon bin ich immer gerne in Bewegung und will irgendetwas physisches tun, ich mache gerne Stunts, ich kämpfe gerne, und das hat eben alles seinen Ursprung im Ballett. Mir hilft das, denn es gibt nicht allzu viele Schauspielerinnen, die bereit und fähig dazu sind, ihre eigenen Kampfszenen oder Stunts durchzuführen. Ich hingegen kann das in den meisten Fällen. In „As Nigth falls“ zum Beispiel musste ich mit dem Schwert kämpfen, würde in einen Zaun geworfen, hing kopfüber an einem Seil, stürzte in die Tiefe und vieles andere mehr. Das klingt aber härter als es ist, denn wenn man trainiert ist, muss man sich keine Sorgen um Verletzungen machen. Wenn man am Set ist, weiß man also, was sicher ist, und was nicht. Für die Produktion selber ist das außerdem ziemlich angenehm, denn so muss für mich niemand bezahlt werden, der mich doubelt. Und das spart natürlich Geld.

screen/read: Du hast mit sieben Geschwistern einen für heutige Verhältnisse ziemlich ungewöhnlichen familiären Hintergrund. Ich kann mit vorstellen, dass es Dir von daher sehr leicht fällt, mit all den Leuten am Set zurecht zu kommen. Und möglicherweise stellt sich da auch schnell das Gefühl einer Zweitfamilie ein.

Deneen Melody: Unbedingt. Ich bin das jüngste von acht Kindern, und ironischer Weise hatte ich nie diese enge Beziehung zu meinen Geschwistern, wie man sie erwarten würde, denn als ich geboren wurde, waren die meisten meiner Brüder und Schwestern schon aus dem Haus. Wenn ich aber am Set bin, gibt es da eine Menge Leute, mit denen ich arbeite, die ich als meine Familie ansehe. Zum Beispiel Anthony Sumner, mit dem ich „III Slices of Life” gedreht habe, aber auch andere, die mich seit Beginn meiner Karriere kennen und heute sehr enge Freunde sind. Es geht also schon ziemlich familiär zu, wenn ich mit diesen Leuten zusammen bin.

screen/read: Lass uns ein bisschen spekulieren. Wenn Dir eine gute Fee die Möglichkeit eröffnen würde, in irgendeinem Film Deiner Wahl mitzuspielen und Dir eine Rolle auszuwählen, die eigentlich längst vergeben ist, würde Dir da spontan etwas einfallen?

Deneen Melody: Oh, das wäre auf jeden Fall „Herr der Ringe“. Ich bin ein Riesenfan von Tolkien, ich liebe die Bücher und die Filme, und ich würde nichts an ihnen ändern wollen. Aber wenn ich die Gelegenheit hätte, mir eine Rolle auszusuchen, dann wäre das schon das Allergrößte. Am liebsten wäre ich Arwen, denn sie hat eine Kampfszene und ist eine sehr starke Figur. Also ja, das wäre definitiv meine Traumrolle. Im Hinblick auf Horrorfilme wäre es wohl Ellen Ripley aus den „Alien“-Filmen. Sigourney Weaver ist einfach atemberaubend, und die Rolle ist einfach zu gut. Oder auch die Braut in „Kill Bill“ mit all den Kampfszenen. Das wäre ein großer Spaß. Aber an allererster Stelle eben doch „Herr der Ringe“. Mit „Rose White“ werde ich vermutlich so nah an eine vergleichbare Fantasygeschichte herankommen wie nie zuvor.

screen/read: Deine erste eigene Produktion. Erzähl uns da doch ein bisschen mehr. Ist das eine Romanadaption?

Deneen Melody: Die Grundlage der Geschichte ist „Schneeweißchen und Rosenrot“ der Gebrüder Grimm. Das ist eines meiner Lieblingsmärchen, und als Fantasy-Fan wollte ich immer einmal etwas in dieser Art machen. Die Geschichte ist ein zeitgemäßes Märchen, sehr düster und blutig, aber gleichzeitig gibt es da diesen Fantasy-Anteil. Ich glaube also, es wird sehr interessant. Wir werden den Film mit einer RED drehen, und gerade sind wir mit dem Casting fertig.

screen/read: Wir wünschen Dir für dieses und all Deine anderen Projekte viel Glück. Danke, dass Du Dir die Zeit genommen hast.

Deneen Melody: Danke für diese Gelegenheit und dafür, dass von Deutschland aus auf mich zugekommen seid.

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Independent horror is booming. The budgets may be low but the gore and scare factor is high. And the scene creates its own heroes and household names, with Tom Six and the Soska twins being its biggest stars behind the camera right now. As far as actors are concerned, Texas-born Deneen Melody is an important name to watch and a stunning beauty hard to ignore. Having entered the industry in 2008, the sheer amount of productions she was involved in since then (seven in 2010 alone) proves her ambition to become a lasting brand of her own. Freshly nominated for Best Supporting Actress at the Dark Carnival Film Festival and in the midst of her first film as a producer, Deneen took the time to sit down with us and talk about her career, horror, comics, seven siblings, a background in ballet and a lifelong fascination with Tolkien.

screen/read: To start on an ironic note, why is a nice young girl like you so busy with doing all those gory horror movies? And what does your mom say?

Deneen Melody: Oh, my mom has not seen any of my movies. If it was up to my parents I would be doing romantic comedies [laughs].

screen/read: Which you probably won’t. Anyway, so far horror is pretty much the genre you’re identified with and known for in the independent scene. Did that happen by chance or was it actually an intentional decision?

Deneen Melody: Actually the thing with horror, you know, it’s one of the most popular genres, if not the most popular genre of all. It has such a huge fanbase. I mean, you don’t hear about drama or comedy festivals and conventions necessarily, but horror, there are quite a few. So for an independent actress it was just easier to go out to auditions in that field, because that is what is most available in the independent market. And so a lot of the publicity comes from horror and most people just know me from there. But I’m also a fan and love getting bloody and all that. My favorite genres aside from horror though would be fantasy and science fiction, and I’ve been very fortunate to be involved in productions like the webseries „Western X“ which has more of a science-fiction, post-apocalyptic, fantasy type of story, and the „A Midsummer Nightmare“ which is more fantasy than horror and then the upcoming dark fantasy „Rose White“ which I am also producing.

screen/read: Nowadays, the horror genre has found its profitable place in mainstream cinema and the majority of today’s independent gore films with micro budgets certainly benefit from that development.

Deneen Melody: Exactly, at the moment Hollywood is jumping back into the horror genre cue with successful movies like „Zombieland“, „Twilight“, „The Wolfman“ and that sort of thing. They’re really big right now, and that helps the independent horror getting out there even more. I am involved with it for the last 2 or 3 years now and of course I know that it can go up and down, but right now it’s pretty high up there. I know a lot of people are making horror films whether they have a budget or not. Filmmakers that want to get a start, they’re starting out with horror films. And as I said, there are a lot of film festivals out there and because of them it’s easier to get publicity and a fanbase.

screen/read: When you were younger, a child or a teenager, what type of horror movies did you watch and what was your response to them? Any that scared you to death, kept you from sleeping and haunted you in your dreams?

Deneen Melody: [laughs] I think because I started watching horror movies at such a young age I was never really scared of any of them. Even the dolls in „Child`s Play“ or „Puppetmaster“ did not really scare me. I rather found it very fascinating to see these toys come to life even though they were killing people. My favorite straight horror film would be „Day of the Dead“, which has just such a great storyline and I love Lori Cardille in it. Aside from that I like the more science fiction related ones such as „The Thing“ or „Alien“. But although I had occasional nightmares about the face huggers jumping at my face, there wasn’t really one film that has particularly scared me at a younger age. Now that I’m older though I have actually seen films that scared me. „Wolf Creek“ freaked me out for instance and „A far cry from Home (Gallery of Fear)“ by Alan Rowe Kelly. They are just very very scary in a sense that the situation is realistic and there’s actually people out there willing and able to do all the horrible stuff you get to see in those films. I think the difference is that I couldn’t tell what’s real and what’s not when I was a child, but now I do. And that can be a very scary thing.

screen/read: „Wolf Creek“ is a good example for a film pretty much at the crossroad between independent and major productions and a chance for people involved to move on to a mainstream market. Is that something you’re aiming at, making it to the majors, or do you enjoy the freedom of independent filmmaking way too much for that?

Deneen Melody: I have a lot of respect for the independent film world, and so I feel as though I will always do independent films just because there is so much freedom and creativity and you can do certain things that you couldn’t necessarily do in mainstream, no matter if you’re an actor or a writer or director. But as much as I love horror and independent films I would appreciate an opportunity to do more of a mainstream sort of work as well. But I’m working on that. But even then I would like to always hold on to doing independent films. There are examples for actors out there going both ways. And I would love to do that as well.

screen/read: Do you see a danger of becoming typecast due to the fact that you are almost exclusively in the horror genre, or is that nothing you’d in any way be scared of?

Deneen Melody: I’m not necessarily afraid of being typecast. It is true that some actresses once they get that Scream Queen label do have to struggle with being only identified with horror. But there are also examples like Jamie Lee Curtis who got famous for „Halloween“ and then went on to become successful in mainstream as well. So I’m not too scared. I always try to show as much variety of my acting abilities as possible. You know, acting in horror movies doesn’t mean you always have to play the same type of character over and over. I’ve been the heroine, I’ve been the insane girl, I’ve been the villain, so there’s always a chance to do something different even within the range of the same genre. And I’ve been very fortunate to do other stuff as well and as I said will follow that path even more in the future.

screen/read: I guess it’s still better being typecast in horror films than being typecast in romantic comedies.

Deneen Melody: [laughs] Agreed. You know that’s very funny because I can do horror, I can do drama and fantasy but I can not do comedy very well. Not that there’s anything wrong with romantic comedies, they’re defintely fun, but I think there’s a lot more variety to the characters and to the stories in the horror genre.

screen/read: Now there’s also a second field you’re busy at. You’re working as a comic book model, which is something rather new to actors but happening more often nowadays even with big household names. Let’s talk a little about that. You appeared in a couple of comic books already, so how did this come about and what is the process like?

Deneen Melody: First of all I have to say that I am a nerd and I love comic books. And I think everybody who is like that would love to become a comic book hero one day. In my case it came up on two different occasions. The first one was with Legion Studios in Chicago, an independent horror comic book company. I did one of their films called „Master’s Devils“ with Ari Lehman, who played the original Jason in „Friday the 13th“. Afterwards they let us know that they’re doing a companion comic based on the likeness of all the girls who were in the film and I was also offered being the cover model for their upcoming comic called „Xes“. On another occasion I was approached by Jeff Hughes of Comic Book Divas and he asked me if I wanted to become a part of them. Now in either case they basically draw the characters based on our likeness. Sometimes we will also do reference photos, which means we model for the pictures of the comic. They send you a script and you have to kind of model for it. In both cases it’s just very cool because when you then see the comic book, it’s you. And at the point where we promote the comics we go to the conventions, we sell them, people see that it’s us and we can autograph the books. So that’s basically how it started. I’m involved in quite a few comics at this time. There’s a vampire comic by Jeff Hughes called „Fangs“, then there’s the zombie-related „Ginger Stein: Life of the Undead“ and also „A life behind the Mask“ which is an online web comic featuring several models, actresses and scream queens from all over the country portraying different superheroines and villains. My character is called Blackbird and she is actually a Batman parody. She is very intense and a tough little thing and as a Batman fan I was quite excited to do this.

screen/read: Moving a few steps backwards in your history, you are originally coming from ballet?

Deneen Melody: Yes, that’s right, I actually started off as a ballet dancer for most of my life I’ve been training and dancing, so I could be a professional ballet dancer. That was always my goal, and when I was older I started training a lot more intensely. I was homeschooled, I basically schooled myself during my junior and senior years of highschool so I could dance and focus on my training. I danced professionally for four years, but unfortunately due to a foot injury that I had at the time when I was sixteen I just got to the point where I couldn’t keep up with it anymore. It was very heartbreaking but being a professional dancer is extremely hard. Anybody who is involved in the dance community or is trained in classical ballet knows it’s very demanding for your body and if something like your foot is keeping you from doing classes and from doing hours of rehearsals, you kind of have to accept the fact that you can’t do it anymore. But you know, if it wasn’t for that I would not have been involved in film, and that’s what I love doing now.

screen/read: Fortunately that’s what life has to offer sometimes. I’m quite sure though there’s a certain part very central to ballet dancing that has an impact on your work as an actress as well. So would you say there’s a certain approach that you have which is different from other actresses and which is due to the fact that you’re coming from ballet?

Deneen Melody: You know, a lot of people ask me where I got trained for my acting. And I will always have to admit that I have never been professionally trained. But I think a lot of the ability just comes from ballet. People who know ballet, especially the classical ballet, area aware that the final art form is basically very emotional and dramatic. And I think a lot of my emotion comes from ballet. Because in some way it is acting as well. You are in theatre and whether it’s a ballet like „Sleeping Beauty“ or „Swan Lake“ or „Don Quixote“ you are playing a character. Your expression comes through and the emotion comes through. And so for me when I started film I was able to connect with that level of ballet, where you kind of have to deliver a certain emotion and become that character. And whether you are running around, kicking butt or if you are crying and screaming, you have to add a certain level of theatricalness to it, and that is where a lot of that comes from. And above that I love to be very active, I want to do something physical, I love to do stunts, I like to fight, and it all comes from ballet. It really helps with the acting because there aren’t that many actresses being trained or willing to do their own fight scenes or stunts. But I do in most of the cases. In „As Night falls“ for instance I got to sword fight, I got thrown into a fence, I had to hang from a rope, I had to do stunt falls and stuff like that. It sounds tougher than it is though cause if you are trained you don’t have to worry about getting hurt. So if you’re on a set you know what’s safe and what’s not. And it comes in quite handy for the production because they don’t have to hire someone all the time jumping in for me. Which helps saving money.

screen/read: Thinking of your family background, you actually have seven siblings, which is rather unusual these days. I can imagine that because of that it’s probably easier to get along with people on the set and maybe they even become some kind of part-time family for you.

Deneen Melody: Definitely. I am the youngest of eight kids but funny enough I actually didn’t have a very close sibling relationship because by the time I was born most of my brothers and sisters were already out of the house. So when I am on a set, there’s a lot of people that I work with that I consider family, such as Anthony Sumner who I did „III Slices of Life“ with and others who knew me from the beginning of my career and are very close friends now. So when I’m around them there’s very much of a family atmosphere.

screen/read: Let’s speculate a bit. If a fairy came around and offered you the chance to be in a film that’s already been done or a role that’s already been taken, is there one you would immediately chose?

Deneen Melody: Oh, that would be „Lord of the Rings“. I am a huge Tolkien fan, I love the books, I love the movies, and I would not want to change them. But if I had the opportunity to pick any role or film I would absolutely love to be a part of that. I would love to be Arwen because she has the fight scene and she is a strong character. So yeah, that would definitely be my dream role. In terms of horror movies it would be Ellen Ripley in the „Alien“-movies. Sigourney Weaver is just amazing and it’s such a good role. Or even the bride in „Kill Bill“. You get to run around, you kick butt, and that is just fun. But first and foremost „Lord of the Rings“. „Rose White“ will probably be the closest I’ve ever gotten to a comparable fantasy story like that so far.

screen/read: Let’s talk a little bit about that one, as you’re involved in the production process there. Is it an adaption of a novel?

Deneen Melody: It’s a story based on the Brothers Grimm tale „Snow White and Rose Red“, which not many people have heard of here in the US. It’s one of my favorite stories and being a fan of fantasy and fairy tales, I wanted to do something that was along those lines. So the script is a contemporary fairy tale, very gritty and very dark and very bloody, but at the same time there is a fantasy aspect to it. So I think it’ll be interesting. It’s going to be shot on the Red camera and we just finished the casting process.

screen/read: Well, we wish you good luck with that and with all the other projects you’re involved in. Thank you for taking the time.

Deneen Melody: Thank you for giving me this opportunity and reaching out to me from Germany.

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Als kleiner Junge hätte er mit dem Malen angefangen, um sich vom Erlös der Bilder ein Busticket für den Heimweg von der Schule kaufen zu können. Wäre es nicht Sylvester Stallone, man würde derartiger Legendenbildung wohl keinen Glauben schenken. Dass er jetzt erstmals eine Auswahl seiner Arbeiten als Maler im größeren Rahmen einer Ausstellung präsentiert, mutet an sich schon seltsam genug an. Doch warum eigentlich nicht? Immerhin schwingt der Mann, der gerade erst mit „The Expendables“ bewiesen hat, dass sich als Action-Held auch mit 64 noch gut Kasse machen lässt, den Pinsel eigenen Angaben gemäß bereits seit 35 Jahren, und so traut er sich jetzt auch an eine breitere Öffentlichkeit. Die meisten der insgesamt dreißig Exponate im Preissegment zwischen 50.000 und 150.000 USD sind nach Galerieangaben zudem bereits verkauft.

Ende der 60er habe er ernsthaft mit dem Malen angefangen, sagt Stallone im Interview mit dem New Yorker Autor und Kunstkritiker Anthony Haden-Guest. Seine Themen entstammen vor allem der eigenen Branche. „Ich hatte dieses Paralleluniversum der Filmstars betreten, in dessen Umfeld man mich auch als Person beurteilte. Als Rambo und Rocky, als Held, meine echte Identität war eher sekundär. Das war irgendwie interessant. Ich begann also mit einer Serie von Gemälden über andere Schauspieler, die ein zweites Gesicht trugen. Ich habe ihre Erscheinungsweisen porträtiert. Und normalerweise habe ich auch immer eine Uhr in das Bild eingebaut, die zeigte, wo sich ihre Karriere gerade befand. Also wenn es zum Beispiel sechs Uhr war, hatte das Bild etwas Optimistisches an sich. Um elf oder zwölf wurde dann der Preis fällig, den diese Industrie einem abverlangt.“

Stallone gibt sich auf ironische Weise kritisch. Sein Fazit mag nicht jedem gefallen, aber bemerkenswert ist es aus seinem Mund allemal: „Wenn alles, was man macht, ständig kritisch begutachtet wird, fängt man früher oder später an, sich irgendwie anders zu verhalten. Man wird eingebildet oder asozial. Es ist sehr seltsam, was der Erfolg mit Menschen macht.“

Zu sehen gibt es Stallones Bilder vom 19. Februar bis 15. März 2011 in der Galerie Gmurzynska, St. Moritz.

[Abbildung: Stallone in front of „Untitled (michael jackson)“ | Foto: Sabine Brauer für Galerie Gmurzynska]

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Bislang gilt das rapide wachsende Angebot an Webserien vielen Beobachtern vor allem als Spielfeld für Miniaturproduktionen ohne nennenswertes Budget und narrativen Atem. Wie zutreffend dieses Urteil derzeit auch vielfach noch sein mag, so wenig wird es sich langfristig aufrecht erhalten lassen, denn das Potential des Mediums ist immens. Einer der ersten Schauspieler aus Hollywoods A-Riege, der hier echte Experimentierlust zeigt, ist Kiefer Sutherland. Nach dem Serienfinale von „24“ und noch vor Beginn der Dreharbeiten zu Lars von Triers „Melancholia“ fing er Feuer für ein Webprojekt, das es ab März auf dem US-Webkanal Hulu zu sehen geben wird.

In 10 fünfminütigen Episoden spielt er an der Seite von John Hurt einen Auftragskiller, der mit seinem Gewissen hadert und zu begründen versucht, warum seine Opfer den Tod verdient haben. Ein Großteil der Serie bestehe dabei aus Rückblenden. „Ich weiß so wenig über das Internet“, sagte Sutherland gegenüber dem US-Magazin Entertainment Weekly, „aber viele meiner Freunde verdienen dort ihr Geld. Das meiste, was fürs Netz produziert wird, ist Comedy im Stil von Jackass – großartige Sachen, aber nichts, was mich anspricht.“

Umso mehr habe ihn die Idee eines Dramas in fünfminütigen Episoden fasziniert. War das machbar? Drei Tage lang sei ihm die Sache durch den Kopf gegangen, bis er die Idee einer Beichte gehabt hätte. Vom Endresultat, das er selber mitproduziert hat, ist er vollkommen begeistert: „In aller Bescheidenheit, es sieht sensationell aus.“

Chris Young von der Digital Broadcasting Group, der Sutherland ursprünglich für das Projekt angesprochen hatte, sieht die Angelegenheit als echten Meilenstein. Die Serie sei „ein Musterbeispiel dafür, was mit originalen webisodischen Inhalten möglich ist. Nie zuvor hat es auf der dritten Leinwand hinsichtlich Größe und Kinoqualität etwas Vergleichbares gegeben.“

Autor und Regisseur von „The Confession“ ist mit Brad Mirman ein alter Weggefährte Sutherlands. Für dessen 1997er Kinoregiedebüt „Truth or Consequences, N.M. (dt. Ort der Wahrheit)“ hatte Mirman einst das Drehbuch verfasst.

[Abbildung: Hulu.com ]

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• Next up for KIEFER SUTHERLAND: An Internet Series (EW.com)
• THE CONFESSION @Hulu.com

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When fictional characters take possession of the audience in a way that causes an instant cult, their creators must have done something very right. In the case of fascist surgeon Dr Joseph Heiter, main character of the controversial horror thriller „The Human Centipede”, the effect is most of all the result of a fascinating and most disturbing portrayal by German actor Dieter Laser. Even those who dislike the film feel unable to escape the enormous impact of Laser’s acting. How much more surprised does one have to be when meeting this very humorous, warm-hearted and deep person behind that scary figure. In our interview he talks in detail about his experiences before, during and after shooting the film, explains his acting approach, remembers his past as a left-wing member of the 1968 protest movement and points out the difference between guns and chocolate bars.

screen/read: It is a couple of weeks ago now that I saw „The Human Centipede“ but the ímmense response to your portrayal of Dr Heiter are still fresh in my mind. It is a rare case anyway that a villain gets embraced immediately and with such an excitement as happened here. Now you attended quite a few screenings during the last months. Is it like that everywhere?

Dieter Laser: Yes, it’s really insane. The effect was the same at all screenings that I attendend. In New York it was totally intense and in London and also Brussels. It actually seems to be like that all over the world. In America after every screening a lot of young guys marched past me just like at a funeral and each of them shook my hand reverently and said „Awesome, awesome”. Totally crazy.

screen/read: It’s a great thing for a filmmaker and an actor likewise, having created a character that immediately clings tightly to audiences as it does in this case.

Dieter Laser: Exactly, especially as we never speculated on that, and neither did we expect it. We’re of course totally happy now that the film has had such an impact. For us though it was always only about making the whole thing as good as we could and getting it done the way we’d like it to be. In doing so it was extremely nice to work with Tom and Ilona and the wonderful cinematographer Goof de Koning, whose roots are in advertising and who’s a fantastically fast, creative and positive guy. We were a true Gang of Four, so to speak, and very much on the same level, and hence working on this was just enormous fun. The great thing about these three is, they never check left or right, have no worries and never ask, „What is our core audience?“ or „Will people really like this or that?”, but instead approach the whole thing with huge fun as well as huge seriousness and just get it done.

screen/read: That shows in the film, and the audience also realizes that there has been no strict calculation.

Dieter Laser: Exactly.

screen/read: How did the whole thing come about, how did the first contact between Tom and you happen? And what was your first reaction to the role, what did you think about it?

Dieter Laser: Here’s how it all came about: My wife Inge, who is also my manager, received an email by Six Entertainmant, saying the director wanted to get to know Dieter Laser. At first I thought, „Six Entertainment? Sounds a little weird.” Back then I didn’t know that this was their surname – just as we all have funny surnames. Six, Laser, all of them funny names (laughs). Well, and so we said, although it’s weird in a way, let’s contact them neverteless and see what they want. And so we made an appointment on a sunday morning at Hilton Hotel in Berlin, and before I went there I thought, they had mentioned something about a scientist, so I should probably put on my British glencheck suit and a tie in order to sort of look like some kind of scientist.

And I told my wife, „You know, Inge, they will meet about 50 or 60 people, and when I arrive, Uwe Ochsenknecht [a famous German actor] will cross my path and when I leave, Herbert Knaup [another famous German actor] will already be waiting, but I’ll go there anyway.” But when I did arrive at the hotel they really told me I was the only reason they had come to Berlin. And so I thought, „Oh, these must be people with really good taste.“ (laughs) And then Tom told me about the role in detail, described every shot, how he’d shoot things, what kind of images he wanted and so on. That took almost the complete runtime of the film itself, about one and a half hours, and when he finished I was so excited about his passion and the preciseness of his vision, that I said to him „You know exactly what you want. We must make this thing. No question about it.” And only three minutes later we had a deal. Then I went home and told Inge, „Glencheck worked perfectly, I have leading part and a deal.” Everything was just delightful.

But then the script arrived and that was when I realized for the first time what was really going in there: anus to mouth to anus! And all of a sudden I got scared, really scared, and I thought, „What will German theatre audiences think? What will German critics say? Oh, oh, oh, could it be I committed myself to some really embarrassing shit?” But then I told myself, „Come on, pal, think. If you had just received a script entitled ’Silence of the Lambs’, having no famous names attached, and the production company was also unknown, what would you say? Would you sit in your kitchen just the same, whining ’Oh, oh, oh, someone eating other people’s brains, what shall I do? What will German critics think?’“ – And so I said, sit down on your ass and work on this and make the best of it and have fun.

And then I did what I always do when preparing a role. Every morning at five I sit in my kitchen, I stare in front of me, meditate on the role and try to imagine every detail of what the guy is doing. Whether he uses his left hand or the right one, whether he does this or that. And hence a sequence of events evolves on the mindscreen from day to day, and I watch the guy and say to myself „Wow, what’s he doing there?“ I don’t write anything down though, but wait instead if a certain image returns, and only if I see it again, it is worth being used.

When the shooting finally started I was totally happy that there was nothing filthy or pornographic or sexistic about it. Instaed, a horror comedy emerged, though without us having aimed at being funny. But Tom, Ilone and the cinematographer liked the black humor, that I kept detecting while playing my part, and because all of us had the same taste and level of style, we didn’t even have to discuss this too much. And thus an awful lot of stuff could be improvised spontaneously while shooting. As an actor you’re always on the level of your character and at the same time have to think technically, e.g. watch out that you’re on your marks, and that you’re in the light and so on. And when you’re all relaxed and feel dandy, this third level is added, where all of a sudden an idea flashed through my mind and I start to think, hey, he could also be doing this or that. And that is for instance how the licking of blood on the stairs came about. I was crawling up there and suddenly discovered this blood stain of the Centipede. And within hundredths of a second ich thought, I urgently need to lick this off! (laughs) And that is how these things just happen.

Another example was that sequence when the Centipede is visible for the audience for the first time. Originally I had no intention at all being tender to them but wanted to handle it in the familiar cold style of Dr Heiter. But then in the last minute before the camera started to roll, I thought, „No! Stop! Finally this is a creature, for which this man, who hates human beings and who is totally armored and blocked, can feel tenderness!” And thus I improvised all of the caring and crying of joy and all that stuff while the camera was already rolling. After that it was actually planned though for me to show to the Centipede in the mirror what they look like, but having Dr Heiter finally tear the mirror high in order to marvel at himself with this blissful godlike feeling and go totally nuts was also improvised.

screen/read: Those are all really very unexpected reactions, and that is why their effect is so exremely disturbing.

Dieter Laser: Yes, and that is huge fun and was simply based on these great working conditions. Compared to many other teams I’ve experienced, it was so adorable that there were never more than 25 or 30 people on the set, so that everything was kept small and nobody felt like being too good for anything. The cinematographer sometimes emptied ashtrays and the clapper loader didn’t mind at all quickly wiping an actor’s shoes.

This atmosphere contributed to the fact that many very complex sequences could be done with only one shot. So in the evening I often sat in the hotel, called Inge and said „You are talking to the One-Clap-Man.“ (laughs) And that is only possible by meticulous preliminaries, so that everyone mentally knows what hs to be done. And then jump in at the deep end. Same is true for all things spontaneous. I always say, you can’t improvise until you have a very, very detailed framework. And then you can be like a child and start a pillow fight in this infant bed, i.e. being spontaneous all of a sudden without being misplaced or hurting the style of the film. You stay inside this world and still swim around without boundaries.

Also Ilona immediately understood what I was about when I told her, „If the budget allows it, I’d need a single ride in the morning, a single car and a single driver, so I don’t waste energy on chats and anecdotes. Back to the hotel in the evening you can put me on a broken bus with one hundred extras and smeared sandwich paper, but on my way to work I need complete isolation. And she did that immediately and took care of me being totally isolated all day long, that my meals were delivered to my dressing room, and that I could face the camera immediately when entering the set. And that I could return to my dressing room just as immediately after a shot was done. Never did I have any contact with my acting colleagues, and so they were already scared because I never talked to them. So I just had to enter the set coming from my dressing room in order to confuse them. Of course, after we wrapped we all became best friends, especially because I appreciated their strict discipline and passion so very much, and they told me, how immensely my private behaviour had helped them while shooting. The audience perceives this intrusively, and that might cause a feeling of cult and that people get strung out on the movie, because they realise they are provided with something very authentic.

screen/read: Staying in character all the time was presumably so scary and helpful because shots are usually rather short and so it’s more difficult to keep the atmosphere up. Here it was completely different though.

Dieter Laser: Yes, exactly, exactly. It was like this all day long. I’m this type of guy anyway who gets up at four or five in the morning, does an hour of running and then totally enters his specific psycho state of mind. Everything hat will be shot during the day I picture in detail again and then stay in character all day long. Only after shooting, in the evening, this dude starts to babble, and he’s as unstoppable as a waterfall, because he didn’t communicate all day long (laugh). A whole lot must get out, and also all the adrenaline that has accumulated. The price is though that you don’t sleep too well most of the time, but surprisingly that is not really a problem, because the weariness on the next day adds a certain sensibility and permeability that is good for the role.

screen/read: One of the interesting moments of your portrayal of Dr Heiter is the fact that on the one hand the character is very rigid and uses only very few and slow movements, and on the other hand he explodes and  completely breaks loose. These are two poles being very far apart from each other.

Dieter Laser: Yeah, that’s insane and very susprising for me as well. When I watched the film for the first time at the filmfestival in Brussels, the role was already a stranger to me, and I was astonished myself how he sometimes is just totally stoned face and then again completely over the top. Because I never watch any footage when shooting. I always say, I don’t want to see how far I was able to throw the javelin, but instead only want to keep in mind, that I am aiming at, let’s say, throwing it 300 metres, and hence don’t want to see day by day how I only achieve 80%. And so when I watch the movie for the first time I don’t have the slightest idea what the result is like. So I was very surprised by this stranger up there on the screen and I permanently poked Tom in the ribs and said, „Look at what he does, ain’t that insane?” (laughs) And during some scenes I just peed on myself laughing.

screen/read: All these surprises and the fact, that the character keeps switching all of a sudden and acts in a way no-one would expect, certainly add up to the cult of the film. Even more remarkable, that much of it was completely improvised.

Dieter Laser: That is the amazing thing about it. This archetypal nature of the character totally hits the mark, without me ever having planned that. And that is why many critics keep speaking of an „icon“ or mention a „pantheon of villains“, or Hannibal Lecter, Christopher Walken and all those persons and characters I admire so much. During shooting we would have never expected that. The only ones who early said to me, „You will be cult“ were the technicians on the set. They often have an astonishing flair for these things, same at the theatre. After two, three days they had immediately developed a certain feeling that this is going to be cult. And all I thought was, „Yeah, right, that would be it.“ But fortunately they were right.

screen/read: Absolutely. And especially compared to the roles of your competitors for the Spike Scream Award it is undeniable that the only real cult villain is Dr Heiter.

Dieter Laser: That is something I am unbelievably happy about. And I really hope we stand a chance against these highly admired competitors. Although of course with their big budget productions they were able to reach a much broader audience. On the other hand though our chances are good due to the cult status we’ve achieved all over from Asia to Northern America.

screen/read: That would be a great thing, especially as the obvious references to Mengele and the human experiments of the Nazis add a historic background to the character. Did you prepare in any special way on this or did the character evolve exclusively in your mind?

Dieter Laser: All of this evolved exclusively in my mind, but on the premise that I am a child of a generation of murderers. My fathers’ generation and that of every member of the protest movement of 1968 in this country, was criminal Germany, where a whole nation in darkness and delusion, and not just Hitler alongside a few demonic figures, committed enormous crimes or authorized or at least supported them. And if only by intentionally ignoring them. And so from childhood on I always had this feeling of guilt. For instance, when I went hitch-hiking to Holland as a 14 year old boy and didn’t get a cup of coffee there because I was German, I silently agreed and said to myself, „They are right. They are completely right, I am a German, my fathers are murderers.” Just as children totally adopt a feeling of guilt when their parents did something criminal and felonious, I did the same for my parents’ generation. And although my own father had been sent to a penal batalion due to religious reasons which kept him from joining the system, I always felt this guilt, especially because the whole topic was hushed up in Germany after the war, and because such an infinite number of perpetrators were still authorities in highest departments, and because court failed in most of the trials. And to disclose all of that dirt, which even today is still not properly reappraised, I became a very strict member of the 1968 protest movement.

And this is of course a huge psychological basis and perfect premise for having enormous fun playing some sort of SS-doctor like Heiter. Thus I sat in my kitchen and had a thousand ideas and thought, „I need to get the Eppendorfer doctor’s coat! And how about a pair of riding boots and black riding breeches?“ And then I called Tom and asked him, „Can’t we call him Joseph as a hint at Mengele, what do you think?“ And that was how it all evolved step by step. The whole Nazi background was in a way my tunnel, through which I lead the role. And because I kick a certain Nazi psychology in the balls with my role and the black humor of it, I also had the ideal vehicle for myself to overcome all the shocking potholes of the film with fun. Because the basic idea was something that scared me first due to the fact that it is so shocking and unpleasant and even disgusting, that you develop certain inhibitions, even as an actor. However, I went through one single crisis only, which occurred during that one sequence where I urge on the head of the Centipede by yelling, „Feed her, feed her!” For though the whole movie is so much more harmless than any breast surgery you get to see on daytime tv, I pictured that horrible image myself, which was actually meant to evolve in the mind of the audience, and hence was completely blocked – which Tom quickly helped me to overcome.

screen/read: That A. your approach worked perfectly and that B., as you said before, Germany is still not able to handle the whole topic apprropriately, gets proven by the fact that there is no German distributor so far – which is totally ridiculous. Every successful horror movie causes a bidding war immediately, and here nothing happens at all.

Dieter Laser: Well, they’re enormously scared, more than anybody else. In that respect I said to Ilona, „You think Holland is bad? I tell you, Germany is much, much worse!” And so from the beginning my proposal was to chose Germany as the very last country to offer the film to. Because then you can at least hope that the pressure of the global cult status is big enough to make some German distributor say, „Apart from all the worries, I can’t avoid this, I need to get my share.“

In that relation I already had a couple of comparable experiences. „The Man inside” for instance, a film about Günter Wallraff [a famous German investigative journalist] infiltrating the Bild-Zeitung [Germany’s biggest yellow press newspaper], where I play an editor-in-chief, could not be shot in Germany but was made as an American-French co-production in Paris instead. And although the film got screened worldwide, it didn’t find a German distributor. Wallraff at Bild, go figure!

screen/read: That shows how people here are completely unable to handle issues of controversial nature. Foreign countries are way more relaxed there, especially concerning the whole NS subject.

Dieter Laser: Yes, sure. But being our liberators they naturally have a more relaxed stance on this issue anyway. In Germany however, the handling is A. not relaxed enough and B. not serious enough. I considered it unbelievably shabby for instance, that the end credits of „Downfall (Der Untergang)“ contained a written line, saying „6 million jews have been killed.” Well, aren’t we talking about movies here, about images and motion? So when such an extremely important message is not an inherent part of the images, then something must be wrong with the film itself. And then there is this other, this emotional type of reappraising, which in recent years mostly appeared under a headline saying, „Us poor Germans”. The bombing of Dresden. And again „Downfall“.It’s not as if all of a sudden a pile of jewish corpses is shown, instead I get to see some Hitler Youth being shot in the head. Or I get to see the children of Goebbels, and how they are getting killed. And all of this implies, would we not have had this evil Führer, then none of this had happened. Us poor Germans! This is the current trend, and hence reappraising is still not done properly.

Now first of all a film like „The Human Centipede“ is pure entertainment, which occurs on the outemost surface. And I think this is important because a young person watching this movie wants to be entertained in the first place. But under this surface our film has many more levels, and one of them is the Nazi psychology, being played out inherently. Having anal fixation and all the dispositions that make it psychologically and emotionally easier to bear killing human beings and whole groups of them – namely by considering them as insects, just like the Nazi ideology did it. And the great thing is that exactly this works subconsciously, because movies are entertainment, mass entertainment. Which is only of any value when it also carries a lot of stuff in its companion package, in the hull, stuff that makes you think. And here it is the inhuman insect image of Nazi psychology. If a level like this is missing, I leave the theatre after eating three bags of candy and feel somehow completely sick.

It’s different here, and hence a certain sustainability can evolve. That is why Tom cast a German, who could use his body to transport the whole story with some sort of genetic knowledge on Nazism, so to speak. And only for that reason the role has true depth, only by this it becomes exceptional – and not because I would have checked out famous horror characters left and right in order to play like this actor or that.

screen/read: Of course, the popcorn level ist important in order to make the subject communicable for younger audiences. In Germany though the handling is of a terribly didactic and sober nature, and by this not compatible with the habits of a younger generation at all.

Dieter Laser: You’re absolutely right there. Even for me seeing a Nazi uniform in a film is already reason enough to mentally switch off. Because on a somewhat superficial level all of this is so overused that it cannot reach me any more, and young people certainly even less.

screen/read: Now you have also experienced times, where those subjects were treated differently. During the 1968 potest movement, which you had joined, the arts were rather political. How did you experience those times, especially as an aspiring actor?

Dieter Laser: Well, really the most wonderful and best school of the world for a theatre actor was my frog’s eye perspective as a bit player for Gründgens [Gustaf Gründgens, legendary German theatre director]. And the next decisive phase were those seven years I had a working relationship with Peter Stein [another famous German theatre diector] at the Münchner Kammerspiele, at Züricher Schauspielhaus and with the founding of Berliner Schaubühne [all of them important theatres in Germany resp. Switzerland]. All of this took place in the era of 1968 of course. The only shortcoming was the fact that I fell for the second religion of my life, communism. I was completely left wing, but presumably that was necessary back than, because this, let’s say, transitional phase was really innovative and creative and helped me a lot.

screen/read: With that in mind, would you say that German theatre has lost its political and artistic relevance during the last two or tree decades to a huge degree?

Dieter Laser: At least I have the feeling. I completely quit going to the theatre myself. I find it abysmally boring, abysmally beyond audience’s interests and abysmally feuilleton. All those hot tubs, the mud, rain, those videos as movies for the poorly minded – all of this I find so utmost bourgeois. And I find it so godawful shitty, that you cannot use nudity on stage anymore. Because it’s so inflated that you can only say, „Please no naked meat! Ladies and Gentlemen, conceal it all.“ Seeing a swinging dick on stage or tits or whatever is so overused, that you simply can’t tell anything with it anymore. Or turning Macbeath into a banker, wearing suspenders and carrying a cell, I find so shitty as I ask myself, why is he speaking in verse then? All that fuss seems so very stupid to me. And I have the feeling they can’t go further back in time than the 1960’s, don’t have a real stock to draw from, and instead stage the record collection of their girlfriends. Also they get off at historic productions, where everything seems to be set between kidney-shaped tables and standard lamps of the 1960’s.

And then there’s this phenomenon, that many productions aren’t done for the audience but for feuilleton writers, in order to push the careers of theatre managers and directors. And as they are not dependent on the approval of the audience, they shit on their heads and hedge themselves by setting up introductory evenings and postprocessings. That is where people get told how dumb the are until they swallow the pills of postmodern theatre where there’s nothing left of story and instead only fragments after fragments and comments after comments. And that is why German theatre annoys me to the core at the moment.

But with current German movies there are similarities as well. They are just as hedged and don’t need to show consideration for the audience. Because the major money of all subsidies and fundings comes from public broadcasting. So actually they are all televison films, just like prisoners on day-release before returnung to their cells. There are dozens of films getting a theatrical release, then tank at the box office and finally end up on the tv screen, which is what they’re actually made for. Hence they’re hedged well enough to easily leave audiences aside, because the money comes from the Federal Film Boards anyway.

screen/read: That is of course disastrous for the arts and the audience likewise.

Dieter Laser: And that is why I keep detecting that working on those new English language films I was a part of is totally different, and especially in the case of Six Entertainment, because it’s independent. And the term „independent“ was something I really felt all of the time.

screen/read: Comparing the film to the stage is so interesting because while watching you could get the impression that it’s an adaption of a stageplay. For instance, thinking of the sequence when Heiter explains the operation, he addresses the other characters just as much as he addresses the audience. And that is very much theatre.

Dieter Laser: True, it’s some sort of chamber play. Especially as most of it is set in that one single mansion, and so the old greek unity of place, time and story is really there.

screen/read: As you have many years of experience as an actor for theatre and film, you know the differences very well. A few things may be similar, but many others are not. Do you see a personal approach that defines you as an actor no matter which media you’re working for?

Dieter Laser: The term „radical“ comes to mind there. I always try to figure out the most radical version of things. Becaue that is usually also the most exciting one. Trintignant once said, the best movie actors are those having the largest amount of emotions and the best capability to hide them. That’s a good thing. I never adapt myself to any rules or regulations and never wonder, what acting in a film or on stage should be like, or what is trending and how people usually play a role.

When I enter the stage for instance, I don’t have the slightest idea what style of acting is fashionable at German theatres right now. Not interested in that at all. I am more than shocked though when I see clips from theatrical performances, where Goethe or Schiller are being spoken in a way that the verse is concealed as much as can be. I find that really miserable. When I play Tasso for instance [„Torquato Tasso“, a stageplay by Goethe], like a recently did, I speak the verse in an even more obvious way and with pressure, and compared to that poor mumbling of regular current acting of German classics, I virtually sing the words. With me you recognize every single hexameter, every iamb, and I disdain those directors who don’t even know what a hexameter is and how you speak it and what rhythm ist as and so on. In that sense I’m very radical.

I’m also radical in the sense that I don’t give a shit about what people think of me and whether something is successful or not. Instead I always wonder, would I like to see this or that myself? This is my criterion. And when I meet people with a similar radical attitute, like Tom and Ilona, then things work out perfectly. That’s why we had a certain type of give and take on the set, so that afterwards we weren’t able anymore to figue out, who had come up with wich idea. But that is of no importance anyway.

But „radical“ does also mean, making a character as perfect as can be up to the tiniest detail. For example I really had to somehow fight for the doctor’s coat Heiter is wearing. Every white or green coat as it is usually worn today would already have been acceptable for the costume, but my coat is just radical. It’s a Nazi-coat, historically accurate, but also simply the most brilliant doctor’s coat I know. I wanted to have it by all means, and so I asked myself, where do I get it in Germany? And then I really made this my task. First I asked doctors here in Berlin, but that lead to nothing and so I kept looking. In the end I found a little company that still produces the original coat with princess seams and this slightly matron, female sectional shape. They gave me two of those as a present then. And when I showed them to Tom he was totally excited and immediately gave me his mirrored sunglasses and said, „There, put them on.“ And that looked so great that he said, „Look, what would you say if he always wears those glasses when he’s outside?“ And I loved that, but then both of us decided to include a few islands of calm, so to speak, where he does not wear those glasses. For example, I love that scene, where he sits on the tombstone of his dog an smokes.

screen/read: His beloved 3-Hund.

Dieter Laser: Yes, the beloved 3-Hund. You see a pile of cigarette butts on the ground between his feet, and he sits there, no sunglasses on, it’s dawning, slightly misty, his body bent over, you only see the surgical cap, the rubber gloved hands, but not a bit of his head, his face, and his hand moves towards the mouth, he inhales and veils of smoke rise. All in one shot. Thousands of directors in Germany would have said to me, „Dieter, when you puff out or smoke, raise your head a little.“ But here I could just make this wicked shot and nobody said, turn around or look up, so the camera can see you. Instead I could fully put my intention to pracitce, to create an image that tells something without me having to play anything at all. And when something like that gets instantly considered as good and brilliant, it’s a great joy for my heart.

screen/read: And that is something the audience realizes. Actually there are quite a few images in the film telling their own stories, just the way you described it. And in a way that is another trademark of theatre. The film takes its time to show these things and that might be a reason for wanting to watch it more than once.

Dieter Laser: I also think that there’s always a chance to discover something new. I always call it the lining under the surface. For instance, what you just mentioned reminds me spontaneously of the sequence before the operation. That was when Tom, the cinematographer and me asked ourselves what Dr Heiter would have for breakfast before he does the operation. And I said: fruit salad. It comes from a can, and this we place with sliced cover next to the plate, and then it looks just like a can of dog food (laughs). That’s how we did it and thought the raw steak, which he eats later, matched that quite well. Of course that was also composed intentionally. In this way we always co-ordinated things up to the smallest detail aesthetically, and that is why you can always discover new elements, if you desire to.

screen/read: And there are many of these moments. Critics who don’t like the film say it falls apart during the second half, but the opposite is true because that is when the film allows itself to oberve things and that makes it so interesting.

Dieter Laser: Yes, absolutely, and that is where the film leaves the horror level in a way.

screen/read: When you think of international movies of the last ten years, would you say there are parts that you would have liked to play?

Dieter Laser: Actually I can’t answer this because I never think like that. Just as I dont’t have any photo at home and don’t collect any DVD with me on. You would find zero stuff at my place, that I look back on, and just as much do never watch films in a way that makes me wish, this or that would have been something I liked to play, but instead I always think forward. The experience of „Centipede“ told me something though, and I seriosly asked myself, „How is the current situation for little Dieter as a German actor?“ Because when you have reached a certain youthfulness, you actually only have two chances left in this country. You can offer some grandchildren chocolate bars in German tv, or you can grieve over your daughter filing for divorce, or you can worry about your heroin addict nephew. And I’m not really interested in any of that too much (laughs).

And so I said to myself, this horror movie is a wonderful gateway to a world where age doesn’t matter. Instead of a chocolate bar I rather grab a gun. A gangster being  seaminly dead but experienced enough, that there’s no need for himto focus his target and still hits his victim right in the eye, that is something I can easily portray even when I’m 105 years old. Thus on the level of evil I have an infinite empire for making my fantasies come true. And that is why I of course would be extremely happy if I could continue working on that level. In any case I will continue working with Tom Six. And that we will be making another film together very, very soon, is something that the three of us, Ilona, Tom and I have sworn to do. And Tom is such a sophisticated bastard, full of insane ideas and approaches, that I feel my ears trembling whenever he tells me something. Unbelievable.

screen/read: That is quite a clear target converning your acting future. Many colleagues would probably rather be worried about typecasting after having played such an iconic character.

Dieter Laser: I’m not scared at all there, because all of my life, even in times when I was almost literally starving, I never did anything I didn’t want to do. That is my personal lifelong luxury. Even in times where I didn’t have any earnings I turned down stuff, always from a perspective that asks, would I like to see that? For instance, due to „The Human Centipede“ I got a part offered in a science fiction movie, an international production that is going to be shot in Australia and New York, but I rejected the offer as I found the part too dumb. That is why I have no worries at all, because all of my life I was trained hard not to do anything just for money or my career, and so I would always reject an offer that I find too boring or too much in the vein of Dr Heiter – unless I can sense a heightening or a different version in the script or the the director’s imagination. But that totally dependent on how passionate they are. I don’t have any reservations though to continue playing the villain because that is great fun for me, and as I have said, the alternative options are restricted to chocolate bars. And here I have a wonderful field that allows me to do so unbelievably much, and hence, no, not any worries at all.

screen/read: I am convinced there’s a lot waiting for you, and it’s definitely a good thing being totally relaxed in that respect. Most likely you are one of the few former members of the 1968 movement who still live their independence and did not fall for a bourgeous career instead.

Dieter Laser: No, because fortunately I was born with zero existential angst, and that hasn’t changed since then. During your youth it’s like that anyway, because you’re a time millionaire and get doped by that little drug factory between your shoulders in a way that makes you think you’re immortal – which is why young people can be sent to war, by the way. And I kept this feeling of immortality in the sende that I am actually still free from existential angst. This provides with huge serenity and freedom from this type of angst that makes you constanly say, „I must become something, I must be someone, I must accumulate property.“

screen/read: Now with all the promotion touring for the film worldwide, you attended quite a few festivals and even received an award at the Austin Fantastic Fest. With horror movies the second wave usually consists of conventions made for fans. Is there something already waiting for you?

Dieter Laser: Yes, I was just invited to the Texas Frightmare Weekend next spring from April 29 to May 1. That’s a convention with fans and a film festival as well. Lots of interviews will be conducted with me there, the film will be screened and afterwards there will be a Q&A with the audience and so on. That is going to be a big event which I’m already looking forward to.

screen/read: Great that the enthusiasm about you and the character remains pretty much alive. Even more it is hard to understand, that in Germany nothing seems to happen. Not even genre magazines did anything so far.

Dieter Laser: You are actuelly the first doing a German interview with me on this. Although, there had been a request by Bild-Zeitung [again, the famous German yellow press newspaper], but I said, I will only talk about the film when it is shown in Germany. But in your case I had a feeling that this could be something really good, and in the end it has proven itself to be exactly that.

screen/read: I feel very honored to hear that. Dear Dieter Laser, thank you very much for all your time and effort. It was a huge pleasure and great fun.

Dieter Laser: All I can reply is: vice versa.

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Wenn sich eine fiktive Gestalt so in den Köpfen des Publikums einbrennt, dass aller Widerstand gegen einen aufkeimenden Kultstatus zwecklos ist, dann haben die Macher zweifellos eine Menge richtig gemacht. Im Fall des faschistoiden Chirurgen Dr. Joseph Heiter, Hauptfigur des kontroversen Horrorfilms „The Human Centipede“, ist der Effekt vor allem die Leistung des deutschen Schauspielers Dieter Laser. Seiner ebenso verstörenden wie faszinierenden Darstellung können sich nicht einmal entschiedene Gegner des Films entziehen. Umso erstaunter muss jeder sein, der dem humorvollen, warmherzigen und tiefgründigen Menschen hinter der angsteinflößenden Figur persönlich begegnet. In unserem Interview erzählt er ausführlich von seinen Erfahrungen vor, bei und nach den Dreharbeiten, diskutiert seine Herangehensweise als Schauspieler, seine Vergangenheit als 68er, deutsche Spießbürgerlichkeit, und das Verhältnis von Schusswaffen und Schokoriegeln.

screen/read: Es ist jetzt schon ein paar Wochen her, dass ich „The Human Centipede“ gesehen habe, aber die immensen Reaktionen auf Deine Figur des Dr. Heiter sind mir immer noch frisch in Erinnerung. Es ist ja auch eher selten, dass ein Villain direkt mit einer solchen Begeisterung angenommen und bejubelt wird wie hier. Du hast ja nun im Verlauf dieses Jahres eine Menge Vorführungen besucht. Ist das überall so?

Dieter Laser: Ja, das ist ganz irre. Bei allen Screenings, die ich besucht habe, war der Effekt der gleiche. In New York war es ganz heftig und in London und Brüssel auch. Das scheint tatsächlich weltweit so zu sein. In Amerika sind nach jeder Vorführung ganz viele junge Typen wie auf einer Beerdigung an mir vorbei defiliert, und jeder hat mir einzeln mit großen Augen ehrfurchtsvoll die Hand geschüttelt. „Awesome, awesome“, haben sie dann gesagt. Total verrückt.

screen/read: Das ist natürlich eine tolle Sache für Filmemacher wie Schauspieler gleichermaßen, eine Figur kreiert zu haben, die sich in den Köpfen so unmittelbar festsetzt.

Dieter Laser: Genau, denn darauf haben wir ja gar nicht spekuliert, und erwartet haben wir das erst recht nicht. Jetzt sind wir natürlich total happy, dass der Film so eingeschlagen hat. Uns ging es aber immer nur darum, das Ding so gut wie möglich zu machen und so durchzuziehen, wie wir es gerne sehen würden. Dabei war es einfach wahnsinnig schön, mit Tom und Ilona [Ilona Six, die Produzentin] und dem wunderbaren Kameramann Goof de Koning zusammenzuarbeiten, der aus der Werbung kommt und ein fantastisch schneller, kreativer, positiver Typ ist. Wir waren sozusagen eine echte Viererbande und so sehr auf der gleichen Schiene, dass die ganze Arbeit einen irrsinnigen Spaß gemacht hat. Das Tolle bei den Dreien ist halt, dass sie genau wie ich weder links noch rechts gucken, keine Bedenkenträger sind, nicht fragen, „Welches Zielpublikum haben wir?“ oder „Hoffentlich kommt das so oder so an“, sondern mit großem Spaß und zugleich großer Ernsthaftigkeit an die Sache herangehen und ihr Ding einfach durchziehen.

screen/read: Das merkt man dem Film an und da man bekommt eben auch mit, dass er von A bis Z nicht kalkuliert ist.

Dieter Laser: Genau.

screen/read: Wie hat die ganze Sache denn überhaupt angefangen, wie kam es zur erste Kontaktaufnahme zwischen Tom und Dir? Und wie war Deine erste Reaktion auf die Rolle, was hast Du drüber gedacht?

Dieter Laser: Das war so: Meine Frau Inge, die mich managt, bekam eine Mail von Six Entertainment, in der es hieß, der Regisseur möchte gern den Dieter Laser kennen lernen. Zuerst habe ich da gedacht, „Six Entertainment? Klingt ein bisschen eigenartig“. Ich wusste ja damals noch nicht, dass das deren wirklicher Nachname ist – so wie wir alle ganz komische Nachnamen haben. Six, Laser, alles komische Namen (lacht). Tja, und dann haben wir gesagt, ist zwar irgendwie seltsam, aber nehmen wir doch mal Kontakt auf, mal sehen, was die wollen. Es kam dann zu einem Treffen an einem Sonntagmorgen im Hilton Hotel in Berlin, und ich dachte mir vorher noch, die haben was geschrieben von einem Wissenschaftler, da zieh’ ich mal meinen britischen Glencheck–Anzug an und einen Schlips dazu, damit ich so aussehe, wie ein Wissenschaftler eben aussehen könnte.

Bevor ich dann losgegangen bin, habe ich noch zu meiner Frau gesagt, „Du Inge, die werden 50 bis 60 Leute angucken, und natürlich wird mir, wenn ich reingehe, Uwe Ochsenknecht entgegenkommen, und wenn ich fertig bin, wartet da schon Herbert Knaup, aber ich geh’ trotzdem mal hin“. Als ich aber schließlich im Hotel ankam, haben die beiden doch tatsächlich gesagt, sie seien nur wegen mir nach Berlin gekommen. Da habe ich dann gedacht, „Oh, das sind Leute, die müssen eigentlich einen sehr guten Geschmack haben“ (lacht). Und dann hat der Tom mir die gesamte Rolle detailliert erzählt, jede Einstellung ganz genau beschrieben, wie er die Sache gerne drehen würde, mit welchen Bildern und Schüssen, und so weiter und so fort. Das hat fast Echtzeit den ganzen Film gedauert, nämlich ungefähr anderthalb Stunden, und als er fertig war, war ich so begeistert von der Besessenheit, die er hatte, von der Leidenschaft und von der Genauigkeit seiner Vision, dass ich gesagt habe, „Du weißt genau, was Du willst. Wir müssen das Ding machen. No question about it.” Und drei Minuten später hatten wir einen Deal. Dann bin ich nach Hause gegangen und habe zu Inge gesagt, „Glencheck hat total funktioniert, ich habe Leading Part und einen Deal.“ Alles wunderbar.

Dann kam irgendwann das Drehbuch, und da habe ich überhaupt erst richtig realisiert, was da los ist: Anus to Mouth to Anus! Und plötzlich habe ich Schiß gekriegt, richtigen Schiß, und mir ging durch den Kopf, „Was sollen denn die deutschen Theaterfreunde denken? Was werden die deutschen Kritiker sagen? Oh, oh, oh, hoffentlich habe ich mich da nicht in eine ganz peinliche Scheiße begeben.“ Aber dann habe ich zu mir selber gesagt, „So mein Freund, jetzt überleg mal. Wenn Du hier ein Drehbuch bekommen hättest mit dem Titel ’Silence of the Lambs’, und da wären keine bekannten Namen, und die Firma wäre auch nicht bekannt, was würdest Du dann sagen? Würdest Du genauso in Deiner Küche sitzen und jammern, ’Oh, oh, oh, jemand, der das Gehirn anderer Leute isst, was soll ich bloß machen? Was werden die deutschen Kritiker denken?’“ – Also habe ich mir gesagt, setz Dich auf den Arsch und arbeite dran und mach das Beste draus und habe Spaß.

Und dann habe das getan, was ich immer tue, wenn ich eine Rolle vorbereite. Ich setze mich dann jeden Morgen um fünf einfach in meine Küche, starre vor mich hin, meditiere über die Rolle und versuche, mir jedes Ding genau vorzustellen, genau zu sehen, was der Typ macht. Ob er die linke Hand nimmt oder die rechte, ob er dies oder jenes tut. Und so entsteht dann langsam von Tag zu Tag ein Ablauf, der auf dem Mindscreen erscheint, und ich gucke dem Typen nur noch zu und sage zu mir selbst, „Ey, was macht er denn da?“ Ich schreibe mir aber nichts auf, sondern warte, ob ein bestimmtes Bild wiederkommt, und erst wenn ich es noch mal vor mir sehe, dann ist es wert, tatsächlich auch umgesetzt zu werden.

Als es dann schließlich mit dem Dreh losging, war ich total glücklich, dass da überhaupt nichts Schmieriges oder Pornografisches oder Sexistisches dran war. Stattdessen entwickelte sich tatsächlich so eine Art Horror-Komödie, ohne dass wir nun drauf gedrückt hätten, komisch sein zu wollen. Aber der black Humour, den ich immer wieder beim Spielen entdeckte, gefiel eben auch dem Tom, der Ilona und dem Kameramann, und da wir alle vier einen gleichen Geschmack und Stil-Level hatten, mussten wir da gar nicht mehr viel drüber reden. Und deshalb waren dann auch unheimlich viele Sachen während des Drehens ganz spontan und improvisiert möglich. Du bist als Schauspieler ja immer ganz auf der Schiene Deiner Figur und musst gleichzeitig auf der zweiten Schiene technisch denken, also immer darauf achten, dass man die richtige Markierung hat, dass man im Licht ist und so weiter. Und dann, wenn man sich total entspannt und sich wohlfühlt, kommt plötzlich eine dritte Schiene hinzu, wo plötzlich noch ein Gedanke durch den Kopf schießt, und ich mir denke, ach, er könnte ja noch dies machen oder jenes. So entstand zum Beispiel das Ablecken des Blutes von der Treppe. Ich bin da hoch gekrochen und sehe plötzlich einen Blutfleck vom Centipede. Und in der Hundertstel Sekunde denke ich, ja das muss ich doch ganz dringend auflecken! (lacht) So passiert das dann einfach.

Ein anderes Beispiel ist die Szene, als der Centipede das erste Mal komplett für den Zuschauer zu sehen ist. Zuerst hatte ich überhaupt gar nicht den Plan, zärtlich zu ihm zu sein, sondern wollte das so auf die übliche kalte Art des Dr. Heiter abwickeln. Doch in der letzten Sekunde, bevor die Kamera loslief, da habe ich gedacht, „Nein! Halt! Das ist doch endlich ein Wesen, für das dieser Mann, der Human Beings hasst, der total verpanzert und blockiert ist, Zärtlichkeit empfinden kann!“ Und so habe ich das ganze Caring, das Vor-Glück-Weinen-Müssen und all diesen Kram einfach improvisiert, während die Kamera bereits lief. Danach war dann zwar geplant, dass ich den Dreien im Spiegel zeige, wie sie ausschauen, aber dass der Heiter am Schluss den Spiegel hochreißt, um sich auch selber mit diesem glückseligen Gott-Gefühl zu betrachten und auszurasten, das ist tatsächlich ebenfalls spontan entstanden.

screen/read: Das sind aber auch alles wirklich völlig unerwartete Reaktionen, die gerade deshalb ganz und gar verstörend wirken.

Dieter Laser: Ja, und das bringt dann eben einen Riesenspaß und hatte einfach mit diesen tollen Arbeitsbedingungen zu tun. Im Gegensatz zu vielen anderen Teams, die ich erlebt habe, war hier auch so großartig, dass immer höchstens 25 bis 30 Leute am Set waren, dass alles klein gehalten wurde, und keiner sich für irgendwas zu schade war. Der Kameramann hat auch schon mal rumstehende Aschenbecher geleert, und dem Klappenschläger machte es überhaupt nichts aus, noch kurz mal über die Schuhe eines Darstellers zu wischen.

Diese Atmosphäre hat dann auch dazu beigetragen, dass viele sehr komplizierte Abläufe mit nur einer Klappe gelungen sind. Oft habe ich dann abends im Hotel am Telefon gesessen, die Inge angerufen und gesagt, „You are talking to the One-Clap-Man“ (lacht). Und das kommt nur durch ganz, ganz sorgfältiges Vorbesprechen, so dass jeder mental weiß, was ablaufen wird. Und dann rein ins kalte Wasser. Für alles Spontane gilt dasselbe. Ich sage immer, man kann erst improvisieren, wenn man ein ganz, ganz detailliertes Gerüst hat. Und dann kann man wie ein Kind innerhalb dieses Gitterbettchens anfangen, Kissenschlachten auszutragen, also plötzlich spontan werden, ohne dass man total falsch liegt oder den Stil des Films verletzt. Man bleibt dann innerhalb dieser Welt, und schwimmt trotzdem völlig frei herum.

Die Ilona hat es zum Beispiel auch direkt verstanden, als ich gesagt habe, „Du, wenn das Budget es irgendwie zulässt, brauche ich morgens eine Einzelabholung, einen Einzelwagen mit einem Einzelfahrer, damit ich keine Energie durch Quatschen und Anekdoten verliere. Zurück ins Hotel kannst Du mich gern in einem kaputten Bus mit hundert Statisten und verschmierten Butterbrotpapieren fahren, aber hin zur Arbeit brauche ich absolute Einsamkeit. Und das hat sie sofort gemacht und auch dafür gesorgt, dass ich während der gesamten Drehzeit total isoliert war, dass mein Essen mir in meine Garderobe hochgebracht wurde, und ich von dort direkt vor die Kamera gehen konnte. Und danach gleich wieder zurück. Ich habe vorher nie Kontakt mit den Kollegen aufgenommen, die schon genau deshalb Schiß hatten, weil ich eben nicht mit ihnen sprach. Ich brauchte also nur die Treppe von der Garderobe runterzukommen, da waren die schon leicht irritiert. Nachdem wir fertig waren, sind wir dann natürlich alle dicke Freunde geworden, zumal ich deren totale Disziplin und Besessenheit unglaublich geschätzt habe, und sie haben mir dann auch gesagt, wie enorm ihnen mein privates Verhalten während des Drehs geholfen hat. Das Publikum nimmt das dann irgendwie über den Bauch wahr, und das macht wahrscheinlich das Kultgefühl aus und dass sie auf den Film abfahren, weil sie merken, da kriegen sie etwas sehr, sehr Authentisches geliefert.

screen/read: Die ganze Zeit über in der Rolle zu bleiben, war wahrscheinlich auch deshalb so beängstigend und hilfreich, weil im Gegensatz zum Theater ja normalerweise doch immer nur recht kurze Shots die Fiktion und Atmosphäre aufrecht erhalten. Und so war das hier eben ganz anders.

Dieter Laser: Ja genau, ganz genau. Das war den ganzen Tag über so. Ich bin sowieso ein Typ, der steht vor dem Dreh morgens um vier oder fünf Uhr auf, läuft eine Stunde und geht dann voll auf seine Psychoschiene. Ich stelle mir dann noch mal alles genau vor, was am Tag geplant ist, und bleibe den ganzen Tag auf diesem Ding drauf. Erst nach dem Dreh abends, dann fängt der Typ an zu quatschen, aber so fürchterlich wie ein Wasserfall, weil er ja den ganzen Tag nicht kommuniziert hat (lacht). Da muss dann einiges raus, auch das Adrenalin, was sich die Zeit über angesammelt hat. Der Preis ist allerdings, dass man meistens sehr schlecht schläft, aber das tut komischerweise nichts, weil die Müdigkeit am nächsten Tag eine gewisse emotionale Empfindlichkeit und Durchlässigkeit mit sich bringt, die für die Rolle gut ist.

screen/read: Bei Deiner Darstellung des Dr. Heiter ist es ja sehr interessant und auffällig, dass er einerseits eine sehr rigide Figur ist und meistens mit sehr geringen und extrem langsamen Bewegungsabläufen auskommt, und dann andererseits einfach komplett ausbricht und explodiert. Das sind zwei Pole, die ganz weit voneinander entfernt liegen.

Dieter Laser: Ja, das ist irre, und auch für mich selber überraschend. Als ich den Film zum ersten Mal auf dem Filmfestival in Brüssel gesehen habe, war die Rolle bereits ein Fremder für mich, und ich war selber total erstaunt, wie er manchmal einfach nur stoned face ist und dann wieder völlig over the top. Weil ich mir auch keine Shots zwischendurch angucke. Während des Drehens sage ich mir immer, ich will gar nicht sehen, wie weit ich jetzt den ersten Speerwurf geschafft habe, sondern ich will nur im Kopf behalten, dass ich mir vorgenommen habe, sagen wir mal, 300 Meter zu werfen, und da will nicht jeden Tag sehen müssen, dass ich nur 80% erreiche. Und wenn ich den Film dann das erste Mal sehe, habe ich überhaupt keine Ahnung, wie das Ergebnis ist. Ich war also sehr überrascht über diesen Fremdling da oben, und stupse in der ersten Vorführung dauernd den Tom in die Rippen und sage, „Guck mal, was er jetzt macht, ist das nicht verrückt?“ (lacht). Und bei manchen Szenen habe ich mich dann einfach auch bepisst vor Lachen.

screen/read: Diese Überraschungseffekte, und die Tatsache, dass die Figur so ganz plötzlich kippt und Dinge tut, die man nicht erwartet, tragen sicherlich auch eine Menge zu ihrem unmittelbaren Kultstatus bei. Umso erstaunlicher, dass vieles improvisiert, also sozusagen einfach im Augenblick entstanden ist.

Dieter Laser: Das ist ja das Tolle. Dieses Archetypische an der Figur, was ich mir ja in keinster Weise vorgenommen hatte, trifft voll ins Schwarze. Und deshalb wird zu meinem freudigen Erschrecken ja auch in vielen Kritiken immer wieder von „Icon“ gesprochen, von „Pantheon of Villains“, von Hannibal Lecter, Christopher Walken, und von all den Figuren und Leuten, die ich so toll finde. Während des Drehs wären wir da nie drauf gekommen. Die einzigen, die mir frühzeitig gesagt haben, „You will be Cult“, das waren die Techniker am Set. Die haben oft ein unglaubliches Gespür dafür, auch am Theater. Nach zwei, drei Tagen, hatten sie sofort so ein Gefühl entwickelt, dass das Kult wird. Und ich hab mir nur gedacht, „Tja, schön wär’s.“ Und glücklicherweise haben sie Recht behalten.

screen/read: Absolut. Und gerade im Vergleich zu den Rollen Deiner Mitbewerber beim Spike Scream Award liegt doch ganz unbestreitbar auf der Hand, dass die einzige wirklich langlebige Kultfigur der Dr. Heiter ist.

Dieter Laser: Ja, das freut mich wahnsinnig. Und ich hoffe ja auch, dass gegen diese hochverehrten Konkurrenten irgendwas läuft. Nur konnten die natürlich mit ihren Riesenproduktionen einen viel breiteren Markt erreicht als wir. Aber andererseits haben wir dafür große Chancen durch unseren Kultstatus von Asien bis Nordamerika.

screen/read: Das wäre schon eine tolle Sache, wenn das klappt. Zumal hier ja mit der offensichtlichen Anlehnung der Figur an Mengele und die Menschenversuche der Nazis auch ein realer historischer Hintergrund eine Rolle spielt, der dem Film auf anderer Ebene einen ganz eigenen Reiz verschafft. Hast Du Dich da speziell vorbereitet, also Dir etwa Filmaufnahmen und ähnliches angesehen, oder ist die Rolle rein in Deinem Kopf entstanden?

Dieter Laser: Das ist alles rein in meinem Kopf entstanden, aber auf der Basis, dass ich ein Kind der Mördergeneration bin. Meine Vätergeneration, wie bei allen 68ern, ist das kriminelle Deutschland, wo ein ganzes Volk, und nicht etwa Hitler und ein paar andere dämonische Figuren im Alleingang, in einer totalen Finsternis und Verblendung schwerste Verbrechen begangen oder zugelassen oder mitgemacht oder zumindest unterstützt hat. Und sei es nur durch Weggucken. Und da habe ich von klein auf immer ein Schuldgefühlt gehabt. Wenn ich zum Beispiel als 14-Jähriger nach Holland getrampt bin und keinen Kaffee bekam, weil ich Deutscher war, habe ich innerlich abgenickt und gesagt, „Sie haben recht. Die haben ja total recht, ich bin ein Deutscher, meine Väter sind Mörder.“ Ganz so wie Kinder ein Schuldgefühl total übernehmen, wenn ihre Eltern irgendetwas Verbrecherisches oder Kriminelles getan haben, so habe ich das für meine Elterngeneration getan. Und obwohl mein eigener Vater in einem Strafbataillon war, weil er aus religiösen Gründen die Hand nicht erhoben hat, habe ich doch immer ein Schuldgefühl empfunden, gerade weil das Thema nach dem Krieg in Deutschland einfach totgeschwiegen wurde, weil unendlich viele Täter immer noch in höchsten Ämtern rumwuselten und die Gerichte bei fast allen Prozessen total versagten. Und um diesen ganzen Dreck unter dem Teppich hervor zu holen, der ja letztendlich bis heute nicht aufgearbeitet ist, bin ich damals auch ein ganz heftiger 68er geworden.

Das ist natürlich eine massive psychische Basis und die beste Voraussetzung dafür, einen Riesenspaß daran zu haben, eine Art SS-Arzt-Figurine wie den Heiter zu spielen. Also habe ich dann morgens in der Küche gesessen und tausend Ideen gehabt und gedacht, „Ich muss den Eppendorfer Arztkittel beschaffen! Und wie wär’s mit ein paar Reitstiefeln und einer schwarzen Reithose?“ Und dann habe ich den Tom angerufen und gefragt, „Können wir ihn nicht Joseph nennen im Hinblick auf Mengele, was hältst Du davon?“ Und so hat sich das dann langsam entwickelt. Dieser ganze Nazi-Hintergrund war also mein Tunnel, durch den ich die Rolle führen konnte. Und weil ich mit der Figur ja einer Nazi-Psyche auf schwarzhumorige Weise in die Eier trete, hatte ich da auch das ideale Vehikel, um über all die schockierenden Schlaglöcher des Films mit Spaß hinwegzukommen. Denn die Grundidee war ja etwas, das mir zuerst Angst gemacht hatte, weil, so schockierend und irgendwie auch unangenehm oder gar eklig, wie sie ist, entwickelt man natürlich Hemmschwellen, auch als Darsteller. Eine Krise hatte ich aber nur einmal, und zwar in der Szene, wo ich den Centipede-Kopf anfeuere und sage, „Feed her, feed her!“ Denn obwohl der Film ja harmloser ist als jedes Brustimplantat bei RTL, hatte ich in eben diesem Moment das schreckliche Bild, was der Zuschauer im Kopf entwickelt, selber vor Augen und deshalb eine totale Blockade – über die mir der Tom aber schnell hinweg geholfen hat.

screen/read: Dass Dein Ansatz A. perfekt funktioniert hat, und dass man B., wie Du vorhin schon gesagt hast, in Deutschland immer noch nicht in der Lage ist, mit dem Thema umzugehen, belegt die Tatsache, dass der Film bislang einfach keinen deutschen Vertrieb findet – was vollkommen lächerlich ist. Bei jedem anderen erfolgreichen Horrorfilm wird sofort um die Wette geboten, und hier passiert gar nichts.

Dieter Laser: Tja, die haben natürlich enormen Schiß, mehr als alle anderen. Zur Ilona habe ich in diesem Zusammenhang gesagt, „Du glaubst, Holland ist schlimm? Ich sage Dir, Deutschland ist noch viel, viel schlimmer!” Und deshalb war mein Vorschlag von vornherein, den Film in Deutschland erst zum Schluss anzubieten. Denn so kann man wenigstens hoffen, dass der Druck durch den Kultstatus in der gesamten Welt groß genug ist, um irgendeinen deutschen Verleiher sagen zu lassen, „Bei allem Schiß, ich komme nicht daran vorbei, das Geld will ich irgendwie mit abstauben.“

Ich habe ja in dieser Beziehung schon einige Erfahrung. „The Man inside“ zum Beispiel, der Film über Wallraff bei der Bild-Zeitung, wo ich einen Chefredakteur spiele, konnte in Deutschland gar nicht gedreht werden, sondern ist als amerikanisch-französische Co-Produktion in Paris entstanden. Und obwohl der Film nachher weltweit lief, hat er keinen deutschen Verleiher gefunden. Wallraff bei Bild, das muss man sich mal vorstellen!

screen/read: Das zeigt, wie sehr man hier überhaupt nicht in der Lage ist, mit Themen dieser kontroversen Coleur umzugehen. Und was speziell die ganze NS-Thematik angeht, ist man da im englischsprachigen Ausland traditionellerweise viel gelassener.

Dieter Laser: Ja klar. Aber die als unsere Befreier sind natürlich per se lockerer zu dem Thema eingestellt. Doch in Deutschland wird A. immer noch nicht locker genug damit umgegangen, und B. auch nicht ernsthaft genug. Ich empfand es zum Beispiel als unendlich arm, dass im Abspann von „Der Untergang“ zu lesen war, „6 Millionen Juden sind vernichtet worden.“ Wir reden doch hier von Kino, von Bildern und Bewegung. Wenn eine derart wichtige Aussage dann nicht immanent ist, wenn das nicht in den Bildern selber steckt, dann kann da irgendwas mit dem Film nicht in Ordnung sein. Und dann ist da diese andere, diese emotionale Art von Verarbeitung, die hier in den letzten Jahren hauptsächlich unter der Überschrift „Wir armen Deutschen“ lief. Der Bombenkrieg in Dresden. Oder eben „Der Untergang“. Da wird ja nicht etwa plötzlich ein Haufen jüdischer Leichen eingeblendet, sondern ich sehe einen Hitlerjungen, der einen Kopfschuss bekommt. Oder ich sehe die Kinder von Goebbels, wie sie umgebracht werden. Und das impliziert immer, hätten wir diesen bösen Führer nicht gehabt, dann wäre das alles nicht passiert. Wir armen Deutschen! Das ist so der Trend, und deshalb wird immer noch nicht richtig aufgearbeitet.

Nun ist es ja so, dass ein Film wie „The Human Centipede“ zunächst mal pure Unterhaltung ist, die sich natürlich auf der äußersten Oberfläche bewegt. Und das finde ich auch ganz wichtig, weil ein junger Mensch, der diesen Film sieht, natürlich erst mal nur unterhalten sein will. Doch unter dieser Oberfläche liegen in unserem Film dann noch viele andere Schichten, und eine wichtige davon ist die Nazi-Psyche, die hier immanent abgearbeitet wird. Komplett mit Analfixierung und all dem, was das Töten von Menschen und ganzen Menschengruppen psychisch und emotional leichter ertragen lässt – nämlich sie als Insekten zu betrachten, als Ungeziefer, wie es die Nazi-Ideologie eben getan hat. Und das Tolle ist, dass genau dies über den Bauch läuft, weil Film Entertainment sein muss, Massenunterhaltung. Doch die hat nur Wert, wenn sozusagen versteckt im Begleitpaket, im Schiffsrumpf, eine ganze Menge mit transportiert wird, das einem zu denken gibt. Und hier ist es eben das menschenverachtende Insektenbild der Nazi-Psyche. Fehlt so eine Ebene, dann gehe ich bloß aus dem Kino raus, habe mir drei Tüten Haribo reingefressen und fühle mich irgendwie total schlecht.

Hier läuft das anders, und dadurch entsteht eine gewisse Nachhaltigkeit. Deshalb hat der Tom ja auch einen Deutschen besetzt, der diese ganze Geschichte mit einem in gewissem Sinne genetischen Wissen über das Nazitum sozusagen über seinen Köper transportiert. Und nur dadurch hat die Rolle wirklichen Tiefgang, nur dadurch wird sie außergewöhnlich – und nicht etwa, weil ich mich nach berühmten Horrorfiguren links und rechts umgesehen und dann wie dieser oder jener gespielt hätte.

screen/read: Ganz klar, die Popcorn-Ebene muss sein, um das Thema für eine junge Generation überhaupt erst erschließbar zu machen. In Deutschland hingegen wird darüber ausschließlich auf eine unfassbar belehrende und dröge Weise gesprochen, und damit auf einer Ebene, die nicht mal im enfernten Sinn jugendkompatibel ist.

Dieter Laser: Da hast Du vollkommen recht. Bei mir selber ist es schon so, dass ich, wenn ich in einem Film eine Nazi-Uniform sehe, eigentlich bereits abschalte. Weil das auf eine letztlich oberflächliche Weise so ausgelutscht ist, kommt das auch an mich nicht mehr ran, und an die Jugendlichen erst recht nicht.

screen/read: Nun hast Du ja auch eine Zeit erlebt, wo man anders mit diesen Dingen umgegangen ist. Im Umfeld der 68er, zu denen Du gehört hast, ist ja gerade politisch viel in der Kunst passiert. Wie hast Du diese Zeit speziell als wachsender Schauspieler erfahren?

Dieter Laser: Also, ganz wunderbar und für einen Theaterschauspieler die beste Schule der Welt, das war meine Froschperspektive als kleiner Darsteller bei Gründgens. Und der zweite große Schub, das waren die sieben Jahre, die ich mit Peter Stein arbeitstechnisch liiert war, von den Münchner Kammerspielen über das Züricher Schauspielhaus und die Gründung der Berliner Schaubühne. Das fiel natürlich ganz in die 68er-Zeit. Das einzige Manko war, dass ich da total auf die zweite Religion meines Lebens reingefallen bin, den Kommunismus. Da war ich volles Rohr links, aber das musste damals wahrscheinlich auch sein, denn diese Zwischenphase, sage ich mal, die war schon sehr innovativ und kreativ und hat mir unheimlich viel gebracht.

screen/read: Würdest Du mit dieser Erfahrung im Hinterkopf sagen, dass das Theaters in Deutschland in den letzten zwei, drei Jahrzehnten in brutalster Weise all seine politische und künstlerische Relevanz verloren hat?

Dieter Laser: Ich habe zumindest das Gefühl. Selber ins Theater zu gehen, habe ich total aufgehört. Ich finde es bodenlos langweilig, bodenlos am Publikum vorbei und bodenlos feuilletonistisch. All die Badewannen, der Schlamm, der Regen, die Videos als Filme für Arme – all das finde ich so unendlich spießig. Und ich finde es unendlich beschissen, dass man Nacktheit auf der Bühne nicht mehr verwerten kann. Weil das so furchtbar inflationiert ist, dass man nur noch sagen kann, „Bitte kein nacktes Fleisch! Bitte, Damen und Herren, alles dichtmachen.“ Einen swinging dick auf der Bühne zu sehen oder Titten oder was weiß ich, das ist so abgelutscht, dass man damit heute einfach nichts mehr erzählen kann. Oder Macbeth zum Banker zu machen, ihm Hosenträger und ein Handy in die Hand zu drücken, das finde ich alles so beschissen, weil ich mich dann frage, warum er überhaupt noch in Versen spricht. All dieses Getue kommt mir wahnsinnig blöd vor. Und ich habe auch das Gefühl, dass man höchstens bis in die 60er Jahre zurückdenken kann, keinen wirklichen Fundus hat, aus dem man schöpfen kann, und stattdessen den Plattenschrank der Freundin inszeniert. Ganz geil findet man auch historische Aufarbeitungen, in denen man alles zwischen Nierentischen und Lampen aus den 60er Jahren spielen lässt.

Und dann ist es so, dass sehr viele Produktionen nicht fürs Publikum, sondern fürs Feuilleton erstellt werden, nämlich im Hinblick auf die Karriere von Intendanten und Regisseuren. Und da die nicht auf den Zuspruch des Publikums angewiesen sind, scheißen sie ihm auf den Kopf und sichern sich dadurch ab, dass sie Einführungsabende und Hinterherbereitungen machen lassen. Da wird den Leuten dann so lange eingehämmert, wie blöd sie sind, bis sie die Pille eines postmodernen Theaters schlucken, wo Du von Story nichts mehr kapierst und stattdessen nur noch Bruchstücke über Bruchstücke und Kommentare über Kommentare bekommst. Und deshalb stinkt mir deutsches Theater im Moment ziemlich.

Aber Ähnliches gibt es beim deutschen Film ja auch. Der ist ebenfalls abgesichert und muss auf das Publikum keine Rücksicht nehmen. Weil das Hauptgeld bei aller Subvention und Förderung vom Fernsehen kommt. Das sind also sozusagen alles Fernsehfilme, die wie im Knast ein bisschen Freigang haben, bevor sie wieder zurück in die Zelle kommen. Da gibt es dann zig Flops, die laufen ein bisschen im Kino und enden schließlich im Fernsehen, für das sie eigentlich gemacht sind. Damit ist der Film dann so gut abgesichert, dass das Publikum easily beiseite gelassen werden kann, denn das Geld kommt ja von den öffentlichen Förderungsanstalten. Es ist wie in diesem geflügelten Wort, „In Gefahr und höchster Not führt der Mittelweg zum Tod.“ Und in Deutschland nimmt man eben am liebsten den Mittelweg.

screen/read: Das ist natürlich katastrophal für die Kunst und fürs Publikum gleichermaßen.

Dieter Laser: Und deshalb stelle ich immer wieder fest, dass das Arbeiten bei den neuen englischsprachigen Filme, bei denen ich mitgemacht habe bisher, ein ganz anderes ist, und ganz extrem eben hier bei Six Entertainment, weil eben independent. Und das Wort „independent“ habe ich während der ganzen Arbeit tatsächlich auch empfunden.

screen/read: Klar, da ist alles privat finanziert, und man muss niemandem Rechenschaft ablegen, und schon gar keiner öffentlichen Meinung.

Dieter Laser: Genau, niemand kann einem in die Suppe spucken.

screen/read: Der Vergleich zum Theater ist auch deshalb so interessant, weil sich beim Betrachten des Films der Eindruck einstellt, es könnte sich auch um die Verfilmung eines Bühnenstücks handeln. Vieles wirkt, wie auf die vierte Wand hin inszeniert, und beispielsweise die Sequenz, wo Heiter die Operation erklärt und dabei zu seinen Opfern wie zum Publikum gleichermaßen spricht, die ist schon hochgradig theatral.

Dieter Laser: Das stimmt, es ist eine Art Kammerspiel. Zumal ja auch das meiste in dieser einen Villa spielt, so dass die alte griechische Theatereinheit des Ortes, der Zeit und der Handlung tatsächlich gegeben ist.

screen/read: Nun hast Du ja langjährige Erfahrung als Schauspieler auf der Bühne wie im Film und kennst die Unterschiede sehr genau. Manches ist sicher ähnlich, anders wiederum nicht vergleichbar. Siehst Du da für Dich persönlich jetzt aber einen Ansatz, der sich durch beide Ausdrucksmedien hindurch fortsetzt und Dich als Schauspieler immer begleitet?

Dieter Laser: Mir fällt da das Wort „Radikal“ ein. Ich bemühe mich immer, Sachen auf den radikalsten Punkt hin zu denken und mir die radikalste Variante vorzustellen. Weil die auch dann meistens die Spannendste ist. Trintignant hat mal gesagt, im Film ist der beste Schauspieler, wer am meisten Emotion hat und sie am besten versteckt. Das ist gut. Ich richte mich nie nach irgendwelchen Regeln oder Vorschriften und frage mich nie, wie hat Filmschauspielen zu sein, wie hat Theaterschauspielen zu sein, was ist gerade Trend, wie spielt man zur Zeit.

Wenn ich auf die Bühne gehe, weiß ich zum Beispiel überhaupt nicht, wie man am deutschen Theater gerade spielt. Interessiert mich überhaupt nicht. Mich schockiert höchstens, wenn ich im Fernsehen Ausschnitte sehe von irgendwelchen Theateraufführungen, wo Goethe und Schiller so gesprochen werden, dass man möglichst nichts von den Versen mitbekommt. Das finde ich alles ganz schäbig. Wenn ich zum Beispiel den Tasso spiele, was ich zuletzt getan habe, dann spreche ich den Vers umso stärker und mit Druck, und im Gegensatz zu dem Genuschel, mit dem zur Zeit in Deutschland Klassiker behandelt werden, singe ich den Goethe-Text geradezu. Bei mir erkennt man jeden Hexameter, jeden Jambus und so weiter, und ich verachte die Regisseure, die nicht mal wissen, was ein Hexameter überhaupt ist, und wie man ihn spricht, und welchen Rhythmus der hat, und so weiter und so fort. In diesem Sinne bin ich sehr radikal.

Ich bin auch radikal in dem Sinne, dass ich sage, es ist mir scheißegal, was man jetzt von mir denkt, und ob das Erfolg hat. Ich frage mich stattdessen immer, würde ich dies und jenes gerne selber sehen? Das ist mein Kriterium. Und wenn ich dann auf Leute treffe, die ähnlich radikal denken, wie Tom und Ilona eben, dann funktioniert das ganz wunderbar. Deshalb war das so ein Geben und Nehmen am Set, dass man hinterher gar nicht mehr weiß, wer eigentlich welche Idee hatte. Aber das ist auch völlig belanglos.

Radikal heißt aber auch, eine Rolle bis ins Kleinste perfekt zu machen. Für den Arztkittel zum Beispiel, den der Heiter trägt, habe ich regelrecht gekämpft. Jeder weiße Kittel oder jeder grüne Kittel, wie er heute getragen wird, wäre natürlich bereits die halbe Miete des Kostüms gewesen, doch mein Kittel ist eben radikal. Er ist ein Nazi-Kittel, historisch korrekt, aber auch einfach der geilste Arztkittel, den ich kenne. Den wollte ich unbedingt haben, also habe ich mich gefragt, wo kriege ich den in Deutschland? Und dann habe ich mich wahnsinnig dahinter gehangen. Erst habe ich hier in Berlin Ärzte gefragt, da bin ich aber nicht weiter gekommen und musste weiter suchen. Schließlich habe ich dann eine kleine Firma gefunden, die den originalen Kittel mit den Wiener Nähten und dieser leicht matronigen, weiblichen Schnittform immer noch herstellt. Die haben mir dann zwei dieser Kittel geschenkt. Und als ich die dann dem Tom gezeigt habe, war der total begeistert und hat mir sofort noch seine verspiegelte Sonnenbrille in die Hand gedrückt und gesagt, „Hier, setz mal auf“. Und das war dann so gut, dass er meinte, „Pass auf, was hältst Du davon: Immer wenn er im Freien ist, trägt er die Brille, grundsätzlich.“ Und das fand ich geil, und dann haben wir uns aber gemeinsam überlegt, zusätzlich noch kleine Inseln der Ruhe einzubauen, wo er keine Sonnenbrille trägt. Zum Beispiel liebe ich die Szene, wo er auf dem Grabstein seines Hundes sitzt und raucht.

screen/read: Sein geliebter 3-Hund.

Dieter Laser: Ja, auf dem geliebten 3-Hund. Du siehst zwischen seinen Beinen unten ein Häufchen Kippen, und dann hockt er da, hat keine Sonnenbrille auf, es ist Morgengrauen, leichter Nebel, ein vorgebeugter Körper, Du siehst nur die Operationshaube, die gummibehandschuhten Hände, aber nichts vom Kopf, nichts vom Gesicht, und die Hand geht zum Mund, er nimmt einen Zug, und eine Rauchwolke steigt auf. Alles in einer einzigen Einstellung. Tausende von Regisseuren in Deutschland hätten zu mir gesagt, „Dieter, wenn Du auspustest, oder wenn Du den Zug machst, heb doch mal ein bisschen den Kopf an.“ Aber hier konnte ich diesen geilen Schuss einfach machen, und keine Sau hat gesagt, dreh Dich doch mal um oder guck kurz mal hoch, damit die Kamera Dich sieht. Stattdessen konnte ich meine Intention voll durchziehen, ein Bild herzustellen, das etwas erzählt, ohne dass ich irgendetwas spiele. Und wenn sowas sofort als geil und gut empfunden wird, das freut mein Herz dann unheimlich.

screen/read: Und das nimmt man dann eben auch wahr als Zuschauer. Im Grunde gibt es ganz viele Bilder im Film, die, wie Du sagst, eine Geschichte für sich erzählen, die viel mehr sagen, als der Film selber letztlich sagen kann, denn der muss ja die Handlung vorantreiben. Und das ist im Grunde wieder ein theatrales Moment. Der Film nimmt sich Zeit, diese Dinge zu zeigen. Und das trägt auch ganz sicher dazu bei, diesen Film wiederholt sehen zu wollen.

Dieter Laser: Ich glaube auch, dass man immer wieder was Neues entdecken wird. Ich nenne das immer das Unterfutter unter der Oberfläche. Zum Beispiel fällt mir jetzt spontan zu dem, was Du sagst, die Szene vor der Operation ein. Da haben Tom, der Kameramann und ich uns gefragt, was frühstückt Dr. Heiter eigentlich, bevor er operieren geht? Und da habe ich gesagt: Fruchtsalat. Der kommt aus der Dose, und die stellen wir mit aufgeschnittenem Deckel neben den Teller, und dann sieht das aus wie eine Dose Hundefutter (lacht). So haben wir es dann gemacht, und passend dazu das rohe Steak, das er später isst. Das ist natürlich auch ganz absichtsvoll komponiert. Auf diese Weise haben wir uns immer bis ins kleinste Detail ästhetisch abgestimmt, und deshalb kann man, wenn man will, immer wieder etwas Neues entdecken.

screen/read: Und es gibt sehr viele von diesen Kabinettstückchen. Vielfach sagen Kritiker, die den Film nicht mögen, in der zweiten Hälfe zerfällt er, doch genau das stimmt eben nicht. Denn da wird der Film deshalb spannend, weil er eben diese seltsamen Moment hat, denen er einfach den nötigen Raum lässt.

Dieter Laser: Ja, absolut, und wo er eigentlich den Horror-Level total verlässt.

screen/read: Wenn Du jetzt so das internationale Kino der letzten zehn Jahre betrachtest, würdest Du da Filme sehen, wo Du sagst, das wäre eine Rolle gewesen, die mich interessiert hätte?

Dieter Laser: Da kann ich eigentlich nicht sagen, weil ich nie so denke. So wie ich auch keine Fotos zuhause habe und keinerlei DVDs von mir sammle. Du würdest bei mir Null Sachen finden, auf die ich sozusagen zurückblicke, und so blicke ich auch nicht auf einen Film hin und sage, das hätte ich gerne gespielt, sondern ich denke absolut nur nach vorne. Die Erfahrung „Centipede“ hat mir aber etwas klargemacht, und ich habe mich ernsthaft gefragt, „Wie ist für das Dieterlein eigentlich die Lage als deutscher Schauspieler?“ Denn ab einer gewissen Jugendlichkeit, die Du erreicht hast, hast Du hier eigentlich nur noch zwei Chancen. Du kannst im deutschen Fernsehen irgendwelchen Enkeln einen Schokoriegel reichen, oder Du kannst Dich darüber grämen, dass Deine Tochter in Scheidung lebt, oder Du kannst Sorgen haben um Deinen heroinabhängigen Neffen. Und das interessiert mich alles eigentlich nicht so sehr (lacht).

Also habe ich mir gesagt, dieser Horrorfilm ist ein wunderbares Tor in eine Welt, wo das Alter keine Rolle spielt. Statt eines Schokoriegels nehme ich lieber eine Knarre in die Hand. Einen scheintoten Gangster, der schon soviel Erfahrung hat, dass er gar nicht mehr hinsehen muss und trotzdem genau ins Auge trifft, den kann ich auch als 105-Jähriger noch verkörpern. Auf der Schiene des Bösen habe ich also noch ein unendlich weites Reich, meine Fantasien zu verwirklichen. Und deshalb wäre ich natürlich wahnsinnig glücklich, wenn es auf dieser Schiene weiterginge. Es wird auf jeden Fall weitergehen mit Tom Six. Und dass wir sehr, sehr schnell wieder den nächsten Film zusammen machen werden, das ist fest verschworen unter uns Dreien, Ilona, Tom und mir. Und Tom ist ein so raffinierter Hund, der so irre Ansätze und Ideen hat, dass ich immer mit den Ohren schlackere, wenn er mir mal was erzählt. Unglaublich.

screen/read: Das ist ja schon eine ziemlich klare Zielsetzung, was Deine schauspielerische Zukunft betrifft. Viele andere Kollegen wären sicher eher besorgt, dass nach so einer ikonischen Rolle nur noch Typecasting auf sie zu käme.

Dieter Laser: Da habe ich überhaupt keinen Schiß, weil ich mein Leben lang, selbst in Zeiten, wo ich tatsächlich fast wörtlich gehungert habe, niemals etwas gemacht habe, wozu ich keine Lust hatte. Das ist mein lebenslanger Luxus. Selbst in Zeiten, wo ich keinerlei finanzielles Polster hatte, habe ich Sachen abgelehnt, und zwar immer unter der Perspektive, würde ich das gerne sehen wollen? Ich habe jetzt zum Beispiel aufgrund von „The Human Centipede“ einen Science-Fiction-Film angeboten bekommen, eine internationale Produktion, die in Australien und New York gedreht werden soll, aber ich habe abgelehnt, weil ich die Rolle zu blöd fand. Deshalb habe ich da überhaupt keine Befürchtungen, weil ich ein Leben lang so beinhart trainiert worden bin, nichts des Geldes oder der Karriere wegen zu machen, dass ich immer ablehnen würde, wenn mir ein Angebot zu langweilig ist oder zu sehr nach Dr. Heiter aussieht – es sei denn, ich sehe eine Steigerung oder eine ganz andere Variante im Drehbuch oder in der Fantasie des Regisseurs. Das hängt aber völlig davon ab, wie leidenschaftlich das Gegenüber ist. Ich hätte jedoch keinerlei Bedenken, auf der Schiene des Bösen weiter zu machen, denn daran habe ich großen Spaß, und wie gesagt, die anderen Möglichkeiten sind halt schokoriegelmäßig eingeschränkt. Und dort ist hingegen ein wunderbares Feld, wo man noch unglaublich viel machen kann, und deshalb, nein, keinerlei Befürchtungen.

screen/read: Ich glaube, da gibt es jede Menge, was da auf Dich wartet, und es ist sicher gut, dass Du das mit so einer Gelassenheit siehst. Da gehörst Du wahrscheinlich zu den ganz wenigen 68ern, die nicht irgendwann einer bürgerlichen Karrieregeilheit verfallen sind.

Dieter Laser: Nein, denn ich bin glücklicherweise mit Null Existenzangst geboren, und die hat tatsächlich bis heute angehalten. In der Jugend hat man das ja eh, weil man Zeitmillionär ist und von der kleinen Drogenfabrik zwischen den Schultern so gedopt wird, dass man glaubt, unsterblich zu sein – deshalb kann man die jungen Leute ja übrigens auch in den Krieg schicken. Und dieses Unsterblichkeitsgefühl habe ich mir insofern bewahrt, als ich tatsächlich immer noch frei von Existenzängsten bin. Das schafft natürlich eine große Gelassenheit und Freiheit von dieser totalen Angst, die einen ständig sagen lässt, „Ich muss ja etwas werden, ich muss ja etwas sein, ich muss ja Besitz anhäufen.“

screen/read: Das ist natürlich in gewissem Sinne eine, wenn auch böse gewendete Parallele zum Dr. Heiter, der ja auch nur dem folgt, was sein eigenes Lebensziel ist. So könnte man es sich ja zurecht drehen.

Dieter Laser: Insofern sind wir Sarrazin-mäßig tatsächlich verwandt (lacht).

screen/read: Jetzt hast Du ja im Zuge der weltweiten Präsentation des Films schon eine ganze Reihe von Festivals besucht und in Austin sogar einen Darstellerpreis abgeräumt. Als zweite Welle folgen bei Horrorfilmen dann in der Regel die Conventions, wo vor allem die Fans anreisen. Ist da für Dich schon was in Sicht?

Dieter Laser: Ja, gerade bin ich für das Texas Frightmare Weekend eingeladen worden, das nächstes Frühjahr vom 29. April bis 1. Mai stattfindet. Das ist eine Convention mit Fans und ein Filmfestival. Da werden unheimlich viele Interviews auf mich zukommen, der Film wird gescreent, und danach gibt es Questions und Answers mit dem Publikum und so weiter. Das wird also ein großes Event werden, auf das ich mich schon freue.

screen/read: Super, dass das Interesse an Dir und der Figur im Ausland also auch weiterhin so groß bleibt. Umso unverständlicher, dass sich hierzulande da überhaupt nichts tut. Nicht einmal die Genre-Presse bewegt sich, wenn ich das richtig sehe.

Dieter Laser: Du bist tatsächlich der aller erste, der ein deutsches Interview mit mir darüber macht. Obwohl, ein Bild-Zeitungs-Versuch war da, aber da habe ich gesagt, ich spreche über den Film erst, wenn er in Deutschland läuft. Aber bei Dir hatte ich das Gefühl, dass das auf jeden Fall was Gutes wird, und das hat sich für mich auch voll eingelöst.

screen/read: Das freut mich natürlich sehr. Lieber Dieter Laser, vielen Dank für all die Zeit und die Mühe. Es hat großen Spaß gemacht.

Dieter Laser: Da kann ich nur sagen: vice versa.

Dieter Laser wurde 1942 in Kiel geboren. Entdeckt von Gustaf Gründgens und August Everding, arbeitet er seit den frühen 60er Jahren als Schauspieler für Bühne, Fernsehen und Kino. Seine siebenjährige Zusammenarbeit mit Peter Stein machte ihn 1971-74 zum Mitglied des Direktoriums der Berliner Schaubühne. Seitdem hat er mit einem breiten Rollenrepertoire an nahezu alle großen deutschen Bühnen gespielt. Mit Reiner Erler drehte er unter anderem die TV-Serien „Das blaue Palais“ und „Operation Ganymed“. Für seine Darstellung in seinem ersten Kinofilm „John Glückstadt“ erhielt er 1975 den Deutschen Filmpreis in Gold. Seitdem spielte er in zahlreichen nationalen wie internationalen Produktionen und arbeitete mit Regisseuren wie Volker Schlöndorff („Die verlorene Ehre der Katharina Blum“ und „Der Unhold“), István Szabó („Meeting Venus“), Hans W. Geissendörfer („Die gläserne Zelle“) oder Margarethe von Trotta („Ich bin die Andere“). Zudem ist er als Theaterregisseur tätig und entwickelt eigene Stoffe. Einem breiten internationalen Publikum wurde Laser vor allem durch seine Rolle des Mantrid in der Scifi-Serie „Lexx – The Dark Zone“ bekannt. Für seine Darstellung des Dr. Heiter in „The Human Centipede (First Sequence)“ unter der Regie von Tom Six erhielt er 2009 den Jury Prize des Austin Film Fests. Dieter Laser lebt mit seiner Frau Inge in Berlin.

Weiterfühende LINKS zu diesem Beitrag:

• THE HUMAN CENTIPEDE: Stream auf Bountyfilms UK/AUS
• Interview: Tom Six sews up THE HUMAN CENTIPEDE
• Abscheulich, aber Kunst: Tom Six als Maler
• THE HUMAN CENTIPEDE gewinnt bei den Scream Awards 2010
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Filmkritik
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Totalverbot in Australien
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Audio-Kommentar von Tom Six
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: US-Poster
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Erster US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Zweiter US-Trailer online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Erster Teaser-Trailer für Australien online
• THE HUMAN CENTIPEDE 2: Freigabe durch BBFC | 32 Kürzungen
• Totalverbot in England: THE HUMAN CENTIPEDE 2

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Den Luxus, als Hauptdarsteller und Regisseur eines Bühnenmonologes mit zwei Sopranistinnen und einem Barockorchester um den Globus zu touren, finanziert sich John Malkovich unter anderem mit Nebenrollen in Blockbustern, die auch gut ohne ihn auskommen würden. Jüngstes Beispiel: „Transformers 3“. Der Spagat zwischen Michael Bays brachialem Roboterspielzeug und dem zynischen Feinsinn von „The Infernal Comedy“ könnte dabei kaum größer sein.

Malkovich spielt Johann (Jack) Unterweger, einen realen österreichischen Frauenmörder, der Mitte der 90er zu einer öffentlichen Figur mit fragwürdiger Prominenz geworden war. Unterweger hatte 1974 ein 18-jähriges Mädchen stranguliert und war dafür zu lebenslanger Haft verurteilt worden. Im Gefängnis entwickelte er sich (ähnlich wie der amerikanische Serienmörder Gary Gilmore) zu einem ebenso talentierten wie produktiven Literaten und verfasste unter anderem seine Biografie „Fegefeuer oder die Reise ins Zuchthaus“. 700 führende österreichische Intellektuelle (z.B. Elfriede Jelinek) hatten 1990 mehrere Petitionen verfasst und damit zur vorzeitigen Entlassung Unterwegers beigetragen. Vier Jahre später wurde er erneut verurteilt: Ganze neun Frauenmorde konnten ihm diesmal nachgewiesen werden. Bereits während der ersten Nacht in der Justizvollzugsanstalt hängte er sich auf.

Zusammen mit dem Dirigenten Martin Haselböck hatte der Autor und Regisseur Michael Sturminger (u.a. „Hurensohn“) Anfang 2008 eine Art postmortale Kantate verfasst, in deren Mittelpunkt eine spekulative Version Unterwegers steht, die aus dem Jenseits heraus ihre Lebensbeichte ablegt. Seine Uraufführung erlebte „The Infernal Comedy: Confession of a Serial Killer“ am 3. Mai 2008 in Santa Monica, dort bereits mit John Malkovich als Regisseur und Hauptdarsteller. Seit Juli 2009 tourt die Produktion in größerem Umfang um die Welt und hatte am 16. Mai 2010 ihre restlos ausverkaufte Deutschlandpremiere im Hamburger Schauspielhaus.

Für weitere fünf Aufführungen kommt Malkovich vom 2. bis 6. Juni im Rahmen der Ruhrfestspiele nach Recklinghausen. Eine DVD-Version ist zudem bereits in Arbeit. Weitere Details, sowie das gesamte Libretto finden sich unter theinfernalcomedy.org

[Abbildung: www.theinfernalcomedy.org (Screencapture)]

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Wer dem entspannt wirkenden älteren Herr mit weißem Kinnbart heute gegenüber steht, wird Schwierigkeiten haben, dem schönen Schein zu trauen – zu mächtig ist das Bild, das sich über die Jahre eingebrannt hat. Hopper war schon immer eine Ausnahmegestalt, und das als Schauspieler, Autor, Regisseur, Maler und Kunstsammler. Ein exquisiter Bildband mit einer Menge zuvor unveröffentlichter Aufnahmen des Fotografen Hopper erlaubt einen direkten Blick mit den Augen von „Mr. Sixties“, wie ihn David Lynch einmal genannt hat.

1961 hatte ihm seine damalige erste Frau Brooke Hayward eine 35mm-Kamera von Nikon geschenkt, die für Hopper in den kommenden Jahren zu einem zweiten Paar Augen wurde. Wo auch immer er sich aufhielt, ging der Blick durch die Linse und bannte alles auf Film, was ihm spannend erschien. Kollegen, Sets, Straßenszenerien, Stierkämpfe oder politische Kundgebungen – Hopper drückte auf den Auslöser. Doch seine Bilder sind mehr als bloße Schnappschüsse oder fotografische Zeitzeugen. 1966 etwa gestaltete er für Ike & Tina Turner das Cover des Albums „River deep – Mountain high“.

Eine umfangreiche Ausstellung seiner Fotografien unter dem Titel „Signs of the Times“ in der New Yorker Galerie Tony Shafrazy begleitet die weltweite Veröffentlichung eines voluminösen Bildbandes des Kölner Taschen-Verlags. Auf 1500 Exemplare streng limitiert und mit Hoppers Signatur versehen, findet sich eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1961 bis 1967 zusammengestellt und von Essays in drei Sprachen kommentiert. Das Vergnügen hat allerdings seinen Preis. 500 Euro muss man schon hinblättern. Die „Art Edition Biker Couple“ (1250 Euro bei einer Auflage von 100 Stück) beinhaltet zudem einen signierten Original-Print.

Seit seiner bahnbrechenden Leistung als „Judenjäger“ Hans Landa in Quentin Tarantinos Nazikiller-Farce „Inglourious Basterds“ gehört Christoph Waltz zu den heißesten deutschsprachigen Schauspieler-Exporten. Bei den Filmfestspielen in Cannes brachte dem Österreicher die Rolle des charismatischen SS-Obersts bereits die Goldene Palme ein, und die Wetten stehen nicht schlecht, dass er 2010 auch einen Oscar als bester Nebendarsteller mit nach Hause nimmt. Auf dem Schreibtisch seiner Agentur stapeln sich nun die Anfragen aus Hollywood, und in seinem nächsten Projekt ersetzt er bereits Nicolas Cage – das muss ihm erstmal einer nachmachen.

Geradezu lachhaft erschien da die ernsthafte Annahme des Hessischen Rundfunks und dessen Fernsehspielchefin Liane Jessen, Waltz könnte ernsthaft Interesse an einer Rolle als „Tatort“-Ermittler haben. Das sei „völliger Unsinn“, gab der Schauspieler der „Bunten“ zu Protokoll, und wer zuvor anderes gedacht hatte, muss sich schon ein arg naives Realitätsbild vorwerfen lassen. In den USA winken Millionengagen, ein weltweites Publikum und ein filmisches Potential, von dem ein Schauspieler in Deutschland nur träumen kann. Wer will da schon auf das Geld des Gebührenzahlers und Produktionsbedingungen zurückgreifen, die erst einmal vom Rundfunkrat abgesegnet werden müssen?

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Die Absage von Waltz sagt mehr aus über den selbstverliebten Größenwahn öffentlich-rechtlicher Programmverantwortlicher als über den Schauspieler selbst. Dessen zweiter Auftritt in einer US-Produktion ist gut gewählt und geschieht gleich unter der Regie eines weiteren Autorenfilmers, der trotz seiner unkonventionellen Herangehensweise inzwischen problemlos auch größere Budgets in die Hände bekommt.

Für Michel Gondry („Eternal Sunshine of the Spotless Mind“) wird Waltz in der Kinofassung des Superhelden-Klassikers „The Green Hornet“ erneut den Antagonisten geben. Der Österreicher übernimmt dabei einen Part, für den ursprünglich Nicolas Cage vorgesehen war. Cage jedoch sagte in letzter Sekunde ab und begründete seine Entscheidung mit einer zu großen Oberflächlichkeit der Figur.

„The Green Hornet“ geht zurück auf ein Radioprogramm aus den 30er Jahren. Bis in die Gegenwart hinein durchlebte der maskierte Held gleichen Namens (Will Eisners „The Spirit“ nicht unähnlich) eine beachtliche Anzahl an Reinkarnationen in Comic-Reihen, Film-Serials und TV-Shows, ohne ernsthaft an Beliebtheit einzubüßen. Eine Langfilmversion ist seit den 90ern im Gespräch und brachte bereits so heterogene Namen wie George Clooney und Jake Gyllenhaal aufs Tableau.

Der finale Zuschlag ging mit Gondry an einen Regisseur, der sich vor allem mit seinen überbordenden Musikvideos (u.a. für Björk, The White Stripes, The Chemical Brothers und Daft Punk) einen Namen als Schöpfer surreal anmutender Bildkompositionen machte. Neben Waltz spielen Cameron Diaz, Tom Wilkinson, Edward James Olmos, sowie Co-Autor und Titeldarsteller Seth Rogen.

[Abbildung; Sony Pictures]

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